时间：2022-07-08 03:26:45
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[摘 要] 普通高校开设的钢琴入门集体课是面向非音乐专业普通大学生开设的一门实用性、技能性的通识课程。本文着重说明钢琴入门课的教学内容、方法及模式，以便更好地探究如何在通识教育中利用数码钢琴进行集体课教学问题。
[关键词]通识教育 钢琴教学 集体课
目前，鞍山师范学院音乐学院在通识教育音乐课程中分类别地在原有理论课的基础上开设了其中一门实践课程：钢琴入门课。利用数码钢琴这一优势资源来进行教学，对于提高大学生自身音乐素养起到了积极的推动作用。
一、 钢琴入门课教学内容的选择
在开设钢琴入门课之前，笔者做了一份关于非专业的大学生钢琴入门课的问卷调查，其中对于教学内容的设置既满足大学生的心理与生理的特点，又结合教学大纲中教学目标的人才培养模式来选曲教材内容。通过教学实践，发现学生在学习弹奏的过程中能尽快地掌握节奏、识谱、视唱等相关音乐知识，对于提高自身的音乐素养起到了重要作用。
首先，大学生对于音乐理论知识的掌握多数处于零基础，少数有学习音乐的短暂经历。因此在学习弹奏的过程中，循序渐进地填补和系统地学习基本理论知识是很重要的，因此教材的选择最初以围绕中央c开始，分别向高低音区拓展进行断奏练习。
其次，弹奏过程中，对于零基础的学生来说，双手的协调性练习及节奏训练是弹好钢琴的关键和重点。因此在曲目的选择上以简单、通俗易弹并所熟悉的儿歌童谣为主。
二、 钢琴入门集体课的教学形式及教学多样性
钢琴入门课是采用数码钢琴进行集体教学的。数码钢琴使用多媒体音乐教学系统，运用计算机网络技术进行管理，可以使老师与众多个学生间进行直接教学。其教学形式丰富、灵活又具有多样性其中包括：
1、独奏形式
一个学生与老师进行交流，其他学生倾听，在点评时，主要针对弹奏的基本问题和音乐表现进行指导，避免该生或其他学生弹奏时再出现同样的错误，这种回课形式所产生的一个积极因素就是调动了学生的主观能动性，而共同评析则使学生由被动地位变主导地位，增进交流，活跃思维，提高对音乐的表达能力。
2、齐奏形式
选择几位学生，教师根据弹奏者的技术水平规定适当的速度，进行齐奏式回课。齐奏形式较独奏有更大的难度，主要体现在对节奏、速度的严格把握方面，总会出现或快或慢的情况，这也就为学生在齐奏过程中的适应能力提出了要求，当自己的弹奏在与群体出现偏差时，应及时改正、积极调整，能迅速融合到集体的感觉中去。也能通过集体弹奏形式，感知音乐中节奏和速度的重要性。
3、轮奏形式
钢琴弹奏的“接力棒”，这是一个极为有趣的游戏。一首作品，按照乐句、乐段或小节线的划分，分配给每位学生，当前一位演奏者结束自己的任务时，后一位要按时进入，完成规定的长度后，接下去的同学又要挺身而出。经过实践，此种形式深得学生的喜爱，紧凑、严密的衔接，锻炼了弹奏者的应变能力，大大提高了学习兴趣。
三、 钢琴入门集体课教学法
钢琴集体课教学，应做到理论知识与技能训练相结合。集体课教学赖以存在的基础是系统讲授、共同作业和集体回课。
1、兴趣法。
在选曲过程中，如果选择一首学生不熟知的曲目，通过识谱、弹奏需要花费很长时间才会感知到完整的音乐作品，效果不佳，与学生达不到共识。而选曲一首通俗易懂、大家熟悉的曲目可以增进学生弹奏的兴趣度。比如学习弹奏《三只熊》时，首先大家熟悉这首儿歌，很快就可以完整地弹出。并且为了进一步掌握跳音技能，启发大家弹出生动的音乐形象，老师还做示范时，可以找学生简单地做出舞蹈动作，来配合伴奏音型模仿三只熊跳舞的感觉，这样大家对于表现活泼、欢快的歌曲，就知道用怎样的方式来做出跳音的感觉，这样可以深深吸引学生的学习兴趣。
2、示范、讲解法。
这是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要，准确地示范弹奏，使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象：优美的旋律、娴熟的技术、技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中，教师应先作详细地准确地弹奏，然后再讲解弹奏要领，指出重点的技术困难之处，教给学生怎样克服技术困难的具体方法，最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解，并选用适当的力度、速度做出示范，进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。
3、模仿法。
钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中，对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术，教师可以采用示范的形式与学生共同练习，这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段少走或不走弯路，准确地掌握弹奏技术和技巧。
总而言之，在通识课程中开设钢琴入门集体课教学，不仅更为充分地利用了音乐系独有的教学资源，也为喜欢音乐、热爱音乐的大学生们提供了实践学习的平台，潜移默化地为他们提高自身的音乐素养奠定了实践基础。
摘 要：作者根据多年演奏及教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为：让学生对钢琴进行认识，培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置，其步骤包括：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置，等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。
关键词：钢琴；启蒙；教育方法
一、兴趣是最好的老师
兴趣的培养直接影响着一个孩子潜能的发挥。首先要为每位学琴的儿童根据自身的情况制订一套适合自己的练琴方案，教法灵活多变，循序渐进。由于每个孩子的个体有差异，从孩子的自身出发，如果是比较小一点的孩子可以选用趣味性强的教程，比如说《小汤普森》，根据书里面的标题可以增加学生的理解，同时也可以和学生一起四手联弹，这样可以加强曲子的音乐感也调动了孩子的兴趣。另外以加强艺术修养为目的，让学生多听多唱。用一些充满童趣的语言，例如：弹跳音就像是在拍皮球，把自己的五个手指比作五线谱等加上夸张的表情与学生互动起来，这样才能使孩子学得轻松、愉快。在学琴当中规范化的手形、规范指法习惯、科学合理的弹奏方法和姿势、完整的节拍节奏感的训练、教材合理的选用、音乐情感和音乐风格的表现等都是要解决的问题。让孩子养成一个好的练琴的习惯，不能“三天打鱼两天晒网”，学琴尤其要注意基础的训练，不能急于求成，给孩子增加心理压力，这样也会使学琴变为被动。
我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30-60分钟不等，一般课时安排为一周1-2节。
首先让学生对钢琴进行认识，尤其是对钢琴键盘的识别与记忆，并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授，要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分，手臂与手腕的感觉与形态，再到教授手形、手指，等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用，因此应该注意好习惯的培养。手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼，目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法，目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。
结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识，例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平，等等。
在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后，教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置，每节课的必要步骤为：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。
二、我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤
在每节课开始前，教师应该先询问孩子在家的练琴情况，然后开始基本功的练习，让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏，并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。
欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较，培养他们自己发现问题的能力。
与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。
设计意图：利用现代教师的示范吸引学生的注意力，激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析，让学生体验到作曲家写作时的情感基调，从而更好激发学生的情感共鸣，为其进一步学习提供基础。
许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点，即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标，使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平，继而培养孩子的各种能力，如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操，等等。根据个体和家长需求的不同，再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩，并且记录老师上课的内容，根据学生的上课实际情况，家长要及时督促学生进行学习，这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。
【摘 要】由于人们对艺术的追求尤其是钢琴学习方面不断的膨胀，大部分的家长和学生要求在短时间内达到一定的程度，更在乎社会的“现实要求”从而忽略了基本功的练习。而现代钢琴教学有必要钻研基本功教学，进而引领学生更深入的学习钢琴。为此，分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的研究。从而引起教育者和求学者的深思，以完善钢琴教学体制。
【关键词】钢琴演奏；基础；手指；支撑
随着改革开放的步伐，人们的生活水平不断提高，文化修养也不断提高，随之人们对建立在文化基础之上的艺术的追求也迅速膨胀起来。可盲目的膨胀带来的不良后果，却很少让家长与学生自己反思。如今，大量的人们在学习钢琴，可有所成就的比例少之又少，大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去，去适应社会考级，甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学，造成的后果是基本功练习的欠缺，以致根基不稳。一番阶段性练习过后，教师却无法引领学生进入更深的层次，使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。钢琴演奏是一门艺术，是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动，演奏者必须具备相当高的技术才能完成，而掌握这些技术并不是几个月或更短时间就可以完成的，而是需要漫长而艰苦的过程。
钢琴的入门阶段是整个钢琴学习过程的基础，对学生日后对钢琴学习的理解和态度都起着最为重要的作用，不可小视，所以笔者从以下几个方面来阐述钢琴教学中入门基本功的重要性：
一、基础中的基础
站要有站相，坐要有坐相。弹琴时，脑、眼、手、耳、脚同时运用，那么一定要有一个适合自己高矮的琴凳，同时要确定座位同钢琴的最佳距离。弹奏的正确姿势，要在自然、放松的基础上才能做到座位、脚、手这三个重要支点的平衡与协调，教师应以亲身示范来增加学生的认识。
二、钢琴弹奏的手型及手指特点
“几乎任何一种手的姿势都可以行得通，只要是这种姿势合适，符合手的构造，符合音乐组成的高低起伏，更重要的是不破坏动作的统一。”客观上，没有一成不变的手型，任何人演奏也没有固定不变的手型模式，但作为初学者，我们必须给学生一个正确的标准，因为人的手和手指具有一种最适应于键盘排列结构的状态，我们可以把这种状态理解为基本手型。
不良手型一旦形成，会影响指力的传导，以至于不能获得正确的声音，并会影响手指的快速跑动，还会形成多余动作，紧张等状态，养成弹奏的僵硬和力量的浪费。
三、手指独立性的培养
钢琴演奏的基础是手指，手指的基础在于手指的独立支撑，手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中，我发现，很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置，以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段，手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位，要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的，并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架，但手臂又是身体传导力量的桥梁，他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析：
1指的特点，有些学生弹一指时掌关节不能支撑，一承受重力就会塌陷，必须加以纠正，通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练，肌肉能力增长了，慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成，无所顾忌地错误训练。
2、3指的特点是比较有力，但第一关节比较薄弱，容易塌陷，所以要十分注意。
4指是最不灵活的手指，力量比较弱，未经训练的4指往往依赖于其他手指，不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正，力度便无法集中。所以，在练习中要坚持正确的锻炼，并给予特殊的关注。不可急于求成，欲速则不达。
5指是最为柔弱的手指，支持力最差，所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏，这时，教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起，教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好，而后坚持几分钟。日积月累地训练后，肌肉的力量增强了，小指的支持问题便迎刃而解。
五个指的不同特征，造成了它们容易形成不同的毛病，但我们应确信，经过认真训练，不急于求成，完全可以改掉毛病，养成各自的弹奏独立性，使手型规范，达到弹奏的正确状态。
了解了五个手指的特点，要完成手指在弹奏中的正常支撑还需要注意以下两点：
第一，大家知道，手指的结构是有多个活动关节组成，以适当的肌肉紧张来组织手指的各活动关节，共同协作去完成每个动作的支撑准备状态。
第二，利用合适而有益的练习来训练各个手指的灵活度与力度，使其逐步具备独立承重的支撑能力，达到相互平衡协调的各个手指之间的关系。
四、手指的基本弹奏动作：断奏与连奏
手指独立了，支撑力强了，接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。
断奏相当于孩子站稳了，开始迈步的时候。抬脚相当于提腕，提腕的力量来自于手臂的肌肉，手腕要习惯放松，手臂手腕要协调，接下来就是降落的过程，自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑，做好基本的手型。这个过程非常关键，一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求，才可以继续以后的课程，不可急于求成，这个阶段是基础阶段，一旦形成不好的毛病，便很难改变，甚至影响一生。
连奏要记住以下几个要点：
1.手指的抬指动作主要产生于第三关节。
2.已经弹琴的手指不动，其余手指要以第三关节为轴，尽量不要太高，做到灵活，放松。
3.在击键过程中，力量要集中于指尖，第一关节要有“抓住”的感觉。
4.每一次抬指动作的重复不可过快，要有充分的准备与思考的时间，考虑好手型是否正确，力量是否放松等因素。
弹琴不是天生就会，是需要长时间的刻苦训练才能达到的境界。在整个钢琴学习中，基本功的训练不可忽视，它会影响学生的一生。以上笔者仅对最基本的共性问题谈一谈个人的感受与经验。身为钢琴教师，让我们为了钢琴事业不断学习，探究吧！
[摘要]本文从钢琴即兴伴奏课教学实践出发，详尽分析了学生在初学这门课时存在的最主要的五大障碍：和声配置、和弦连接、伴奏织体、对歌曲旋律和节奏的补充“加花”、移调。并且通过细致的理论研究和实践总结，对以上五大障碍的解决对策进行了详细的剖析，指出学生只有认清障碍、用科学的方法刻苦训练，去解决以上障碍，才能突破钢琴即兴伴奏的第一道门槛，从而迈向更广阔的专业学习之路。
[关键词]和声配置；和弦连接；伴奏织体；补充“加花”；移调
钢琴即兴伴奏是一门集钢琴演奏、和声理论及作曲理论为一体的综合性学科。要学好这门课，除了要具备一定的钢琴演奏技巧外还要学量的和声理论知识。更重要的是，还要在实践中和演唱者配合，并且要乐感、节奏感都很好，为烘托气氛，在歌曲的关键处还要加入自己的一些即兴创作。所以，这门课对学生的要求是比较高的，但学生往往力不从心，在学习的过程中存在许多障碍，特别是入门阶段，从而影响了学习的积极性。笔者通过多年的教学实践及调查研究，归纳了其中最主要的入门学习阶段的五大障碍及解决这些障碍的对策，现总结如下。
一、入门教学中的五大障碍
(一)和声配置
学生对一首简单的歌曲往往只会用右手去弹旋律，而左手却不知道弹什么，这就是和声配置的问题。钢琴即兴伴奏最主要就是把和声以某种形式在键盘上快速准确地弹奏出来。而学生往往不知道如何为旋律编配和声，这里主要有四方面的问题。
1 对和声这种多声部语言还不太熟
配和弦时只会从纵向上与旋律保持协和，考虑孤立的和弦配置，而不太注重进行整体性的和声语汇的配置。这就好像是在说话时头脑里想的只是个别的单字，而不是有完整意思的词汇和句子一样。造成的结果是配出的和声只是杂乱无章的一些和弦组合，而形成不了具有完整清晰功能走向及丰富和声色彩的和声语汇进行。
2 目光比较短浅
不会从大局上考虑合理地安排和声节奏，仍旧只是片面追求和旋律的协和，而随心所欲地安排和弦，使和声节奏杂乱无章。造成的结果是和声节奏零零散散，不仅不能很好地配合旋律的节奏，甚至和旋律的节奏打架， (如和声切分)从而造成整体音乐形象的损坏。
3 对和弦之间相互关系不太熟悉
同一调性内的不同自然音和弦根据其根音之间的关系可以分为二度、三度、四度三种基本形式， (五度、六度，七度实际是上述三种形式的转位)而每种形式又可分为上下两个方向，如上二度关系、下二度关系等，不同的和弦进行会产生不同的力度及色彩的关系。学生往往在多个和弦都可以选配的情况下，因对不同和弦之间力度及色彩的关系不熟，就很难选对最合适的和弦，从而很难取得最佳的音响效果。
4 难以鉴别旋律中的和弦外音
有些学生总是把每小节的第一个音当作和弦音配上和弦，将以后的非和弦音一律当作和弦外音。这种方法虽然偶尔也有效，但是更多的是会遗留下很多没有解决的非和弦音，从而造成音响的紊乱不清。
综上所述，正确合理的和声配置已经成为学生初学钢琴即兴伴奏第一道最重要的障碍，如果这一障碍不能很好地解决，那以后的学习将会很艰难。打个比方，就好像一个人在学习炒菜，如果他不会选菜，每次选的菜都不新鲜，那他就算炒菜技术再高，最后炒出来的菜也是很难吃的，而最终丧失炒菜的信心。弹钢琴即兴伴奏也是一样，如果学生不会对旋律配置和声，每次配的和声都不正确，那他就算弹奏技术再高，最后弹出来的音响效果也很难如人意，而最终导致丧失弹伴奏的信心。
(二)和弦连接
对一首已经配置好和弦的歌曲，接下来就是把这些和弦采用四部和声的形式用与声连接法或旋律连接法连接起来，并在钢琴上弹奏出来。但大部分学生只对和弦的原位比较熟悉，对和弦的转位则不熟。而规范的和弦连接必然要涉及到和弦的转位，所以很多学生在做这一练习时错误百出，和弦位置专门弹自己熟悉的，根本就不管是不是正确规范的连接，更有甚者全部都弹和弦的原位。这样一方面养成随意的坏习惯，另一方面从弹奏技术上也增加了难度，并且弹出的音响则杂乱无序，毫无声部走向的规律可循，自然也就很难听。
笔者通过多年实践教学得出的经验之一是：熟练地掌握正确规范的和弦连接已经成为学习钢琴即兴伴奏道路上继和声配置之后又一道关键的战略要塞，只有顺利通过这一要塞，后面的路才能畅通无阻。
(三)伴奏织体
对所有的歌曲，就只用一种伴奏织体，而且从头弹到尾，没有变化。这样弹奏造成的结果是效果单调，很难烘托歌曲情绪的起伏变化。
(四)对歌曲旋律和节奏的补充“加花”
对一首歌曲只会弹基本的旋律与节奏，而很难在歌曲重要的地方即兴地“加花”，并且很难通过节奏、织体的变化及更多的“加花”，把歌曲的高潮烘托出来。
这实际上涉及到弹奏者的作曲技法、乐感以及是否能激发“创造性思维“的问题。钢琴即兴伴奏和钢琴演奏很大的不同处在于即兴伴奏所弹的音大多是自己根据歌曲旋律的理解而创造出来的，所以同一首歌曲，每个人弹出来可能都不一样，而每个人在即兴伴奏时，应该把自己当作一个作曲家，充分调动自己的乐感，激发自己的“创造性思维”，从而创造出更多的“加花”出来，当然应恰到好处，效果是“画龙点睛”，而不要“画蛇添足”。
(五)移调
弹一首歌曲，用C调以及常用的F调、G调还好，但一换成其他的调，则一筹莫展，无从下手。这就是对键盘的熟练程度问题，也就是移调的问题，这是大部分学生一个普遍的大难题。
二、针对入门教学中五大障碍的解决对策
针对以上学生存在的五大障碍，笔者通过理论研究和实践检验，梳理出了一些对策，总结如下。
(一)和声配置是重中之重
教师在教学中，应加强和声应用的教学，要和“专业和声课”有所区别，更多地应以学生喜爱的歌曲为例来讲授和声理论，并以键盘和声的形式在钢琴上弹奏出来，让学生听到实实在在的和声音响，并尤其要注意以下几个方面。
1 和声的功能进行
选配的和弦首先应尽量在纵向上与旋律协和。更要注意横向T-S-D-T的和声功能进行。前面已经提过，和声是一种语言，它有自己的语法规律，教师应更多地引导学生从听觉上去感受和声的规律。在具体配置时，可以采取先配和声意识非常明确的小节，然后再根据和声功能进行的规律，把其他小节的和弦选配出来，这样就可以清晰地感受到和声的功能进行。
2 注意和声节奏的安排
合理安排和声节奏是学生面临的又一难题。和声节奏即和弦变换的频率，它往往与旋律的节奏呈对比的关系。当旋律节奏很活泼，速度很快时，和声的节奏应该平缓，起着烘托的作用。而当旋律较抒情，节奏速度较慢时，和声节奏应加快变换，以起到推动旋律内涵发展的作用。总的来说，弹奏者应尽量保持和声节奏进行平稳、统一，以 从听觉上可以清晰地辨别和声的功能进行以及色彩的变换为原则。否则就像一个人说话没有条理，意思表达不清。所以学生如果从一开始就应注意把和弦进行的功能走向和规范的和声节奏结合起来为旋律来配和声，就可以逐步提高自己和声配置的能力。
3 注意理顺和弦的相互关系
在和弦配置过程中，在和声功能进行及和声节奏都配好的前提下，为了取得更好的效果，则应考虑和弦的关系。和弦的关系可分为强弱两种进行，如下表：
垒曲还是应该以强进行为主，弱进行为辅；如需表达力度，宜多用强进行，如仅表达模糊的色彩印象，可多用弱进行，一切还是应从内容出发。
其中四度连接的和弦有一个共同音，两个不同音，其音响的新鲜性与联系性相对比较平衡，比较符合听觉审美感的一般要求，所以我们在和弦选配时首先应该掌握好运用四度关系的和弦连接。一段即兴伴奏的音乐，如果以四度连接的和弦组成基本和声语汇，将使得整体音响获得比较朴素、新鲜而又自然的音响效果。而在运用四度连接的同时，结合运用一些二度连接，特别是上行二度连接，则将取得更为鲜明、强有力的效果。古典和声中常见的Ⅰ―Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ的进行，包含了两个上四度进行与一个上二度进行，就是这一语汇的典型表现。对于下行二度的连接，特别是连续下行二度的连接，常给人下沉、坠落的感觉，一般用的很少。如果希望获得更为柔和的效果，则可以较多地采用一些三度关系的连接，例如：在大调中使用Ⅰ-Ⅵ、Ⅰ-Ⅲ等一些三度连接，将使和声音响在明亮中透露出温馨的色彩，这对于抒情歌曲是非常合适的。简而言之，和弦连接的基本要领是：一般以四度连接(特别是上行四度)为主，同时根据不同情况辅以二度或三度连接。
4 注重和弦外音的训练
和弦外音的处理非常灵活，在教学过程中，教师除了要把和弦外音的基本概念以及基本用法讲清楚外，还应该以大量的歌曲为实例，把和弦外音与和声功能进行以及和声节奏的处理统一起来进行教学。具体可以先根据和声的功能进行确定和声节奏，考虑好前后和弦的连接，然后来考虑和弦外音的处理，和弦外音一般要解决到和弦音。这样日积月累，学生就会逐步熟悉和弦外音以至能够熟练运用。
(二)和弦的连接
和弦可以转位，每个三和弦都有三种位置。在初学阶段，教师通常应该要求学生对有共同音的和弦用和声连接法，而二度关系的和弦连接用旋律连接法，并且注意低声部和上方三声部反向进行。这样根据主和弦的三种位置，正常的和弦连接就有三种序列进行。而很少有学生可以快速准确地把这三种序列进行弹得很熟，稍微好一点的学生也仅限于对正三和弦的连接比较熟，而一旦加入更多的副三和弦以及变化音和弦后就反应迟钝。更有部分学生就像上面提到的一样，只是弹自己熟悉的和弦位置，而不管其正确连接与否。
教师应要求学生对这三种序列进行要弹熟，并且可以就一组典型的和弦序进来进行训练。例：规定一组在c大调上的和声进行如：Ⅰ-Ⅲ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅱ-Ⅵ-Ⅰ。要求学生当即用主和弦的原位来开始连接，并在此基础上进行第一转位及第二转位的和弦连接练习，然后把三种位置的和弦连接连贯起来弹奏，达到熟练的程度，并背下来反复练习，最后移调练习。
在上述和弦连接练熟的基础上，可以练习旋律连接法。总之，学生要花大量的时间及精力对任一三和弦的三种(七和弦是四种)位置都要练熟，并且要对任两个和弦之间的连接(无论是和声连接法还是旋律连接法)都要非常熟练，只有经过这样严格刻苦的训练，才能把正确规范的和弦连接这一钢琴即兴伴奏最重要的一项技术练好，这也是学好钢琴即兴伴奏的关键之一。
(三)伴奏织体
对于伴奏织体，学生首先要了解其概念：即指在多声部的伴奏音乐中，把和声声部根据歌曲内容的需要进行有机组织的一种形式。其结构类型分为三种。
1 和声性的织体(主调音乐)
其结构有三个层次，分别为：
(1)旋律层(包括主旋律和副旋律)
(2)和弦层(包括柱式、半分解、分解三种基本音型)
(3)低音层
2 复调性的织体(复调音乐)
3 综合性的织体(既有主调，又有复调)
而在钢琴即兴伴奏中，使用最多的就是和声性的织体(主调音乐)，其次是综合性的织体，纯粹复调性的织体因其不适合即兴伴奏而很少使用。所以我们主要研究和使用的就是和声性的织体。
对于伴奏织体的障碍，我觉得学生最大的问题首先在于“层次”的把握不当。对于一些很简单的儿童歌曲，确实有时全曲只需要一种伴奏织体就可以了，关键就是要弹得轻巧、流畅，在某些关键处节奏有些变化就可以了。而对于一些内容稍微丰富、篇幅稍微长一些的歌曲，则仅仅用一种伴奏织体贯穿全曲显然是不够的，这时就需要安排全曲的层次，在呈述的段落中要弹得简单清淡，而在展开的高潮段落时，可以增加和弦的厚度及加密和弦的节奏，并增强和弦弹奏的力度，从而和前面形成对比。如果是三段体，最后结束段可以回归到前面的呈示段落。
其次，和弦音区的选择对于伴奏音型的弹奏效果也是非常重要的。和声声部活动的最佳音区并不宽，仅有以中央C为中心的上下一个八度左右，扩大一点，一般也不超过两个八度。只有在这一音区内奏出的和弦才具有比较理想丰满的和声效果。如果将同一和弦提高八度，将获得明亮但缺乏力度和弹性的效果，如果降低八度，则又将获得浑浊、沉重的效果。而很多学生恰恰是音区选择不当，影响了弹奏的效果。
总之，伴奏织体的合理运用，一定要结合歌曲的内容灵活运用，并在弹奏过程中形成对比，这样才能起到烘托歌曲情绪的作用。
(四)歌曲旋律和节奏的补充“加花”
对旋律的补充要注意以下几个问题：
1 不要在歌曲进行中毫无目的的乱“加花”
一般在歌曲进行到延长音或休止符时，这时为了音乐进行不至于出现停顿，作为伴奏，应当主动对旋律加以补充，从而达到推动旋律往前发展的目的。练习这一手法，要注意音区的安排，一般模仿声部都应该高一个八度或低一个八度，不要与原旋律在同一音区，否则从听觉上很难区分开来。
2 加花的手法主要可分为模仿性、华彩性及线条性三类
(1)模仿性补充的材料主要来源于原旋律，可以用严格模仿或变化模仿的方式，以起到对原旋律进行呼应、总结，使长时值音的内涵及乐句本身所具有的情绪更好地表现出来。
(2)华彩性补充的材料则来自和声，包括和弦、分解和弦、琶音、自然音阶、半音阶、双音等，音区选择多用于高音区或低音区。他们的效果各有不同，适合于各种不同类型的歌曲。
(3)线条性补充的材料是在和声的基础上，加入和弦外音，发展为更具有表现力的线条，所以线条性补充是一种更具有“创造性思维”的补充手法，也更富有抒情性，多用于慢速或中速的歌曲伴奏。
3 要和歌曲伴奏织体的层次相结合，要分清楚将在哪 个层次上补充加花
例如：模仿性补充的材料和线条性补充的材料一般加在旋律层及低音层；华彩性补充的材料更多地加在和声层。
当然，除了这几种主要对旋律的补充手法以外，还有很多其他的手法，如衬腔式、过渡式及装饰性加花、外音花奏等手法。怛不论采用何种补充材料都必须在和声与节拍上与旋律保持一致，而以节奏、音区与和弦外音的对比变化为旋律增色，以达到烘托歌曲情绪，渲染歌曲气氛的目的。
(五)移调
移调练习也是学生的一个普遍难题。钢琴即兴伴奏的复杂性在于，只有同时解决和声、织体、结构、音响、钢琴演奏技能、创造能力等诸多关系，才能成功演奏哪怕一首短小的钢琴即兴伴奏。而为歌曲伴奏时，大部分采用简谱，需要随时移调，也就是说，上述各个必须掌握的方面应当能够临时在任何调性上予以实现，其困难程度可想而知。但移调练习也不是没有规律可循，只要学生循序渐进，持之以恒，多弹多练，是可以逐步熟悉键盘的。现总结规律如下：
1 把C调练熟
首先应在C调上把所有的和弦连接及常用的伴奏织体练熟。当然选择歌曲的时候尽量选C调或靠近C调的歌曲如D调、降B调等，这样演唱起来也比较自然。
2 在此基础上，把在C调上练熟的和弦连接及伴奏织体整个移到相临近的D调及降B调上进行练习
因为相隔得很近，所以在C调上的和弦连接序列可以不用改变其原来的位置，如第一个和弦的位置在C调上是原位，那移到D调上仍是原位，后面和弦连接也照旧进行，只不过是移高了一个大二度而已。这样可以保持和弦位置的相对固定，也有利于学生的弹奏。
3 在和c调相隔四、五度的F、G调上练习
这时由于位置相隔较远，有必要把在C调上的主和弦的位置通过转位加以调整，以取得最佳的音响效果。这就需要对各和弦的原位及转位都要非常熟，特别是带有变化音的和弦，位置更要多加练习。
4 万事开头难
在练熟上述四个调的基础上，再用近关系调的规律逐步熟悉其他的调，总共12个调，练熟常用的9个调，一般的歌曲就没有什么大问题了。
5 在和弦的练习过程中，可采取固调和首调相结合的方式练习
如：固定的F和弦，在首调中是C大调的Ⅳ级和弦，F大调的I级和弦，降B大调的Ⅴ级和弦等。多进行这样的训练，学生就会逐渐地熟悉各个和弦，会逐渐发现原来很多不同调的不同级的和弦竟然是同一个和弦，这样就会达到降低熟悉各种和弦的难度，提高练习效率。
以上所述是本文列举的在钢琴即兴伴奏中存在的最基本的五大障碍，除了这些以外，还有其他的障碍，如确定歌曲的调式、调性，分析歌曲的情感表现及曲式结构；正确处理歌曲的前奏、间奏、尾奏；五声调式歌曲的和声处理；转调歌曲的和声处理；合唱歌曲的处理等等。但这些障碍应该是在钢琴即兴伴奏的提高部分所将要面临的。由此可见，学习钢琴即兴伴奏这门课确实是障碍重重，但是只要我们坚定信心，不畏艰难，认清障碍，用科学的方法刻苦训练，相信一定会有收获，取得长足的进步。
摘要：钢琴在时下已经越来越普及了，学习的队伍在不断的扩大。许多学生特别是幼龄学童，刚开始接触时都兴趣十足，但是经过一段时间的学习后，很多都半途而废，甚至看到琴会产生恐惧和厌恶心里。如何正确的引导，教学期间采用何种方法方式，还是件很值得探讨的话题。
关键词：钢琴；少儿；入门教学
一、培养兴趣，快乐教学
孩子的天性好玩，如何保持学习兴趣，在学习过程中寓教于乐，我们可以从教材的选取和教学方式等多方面入手。教材的选择可以从特定的少儿教程开始。把谱面拉大，配以卡通插画，使得五线谱看起来不难么枯燥和难懂。期间编入了各个国家的民歌和带歌词的儿歌，学生在练习中赏心悦目的阅读谱子，还可以动静结合，自弹自唱，大大增加了学习的趣味性和娱乐性。课堂上的语言和氛围也非常重要。孩子有自己的思维方式和想象空间，所以教学语言要尽量做到儿童化，生活化。特别是一些专业术语，你说十遍还不如打个比喻一遍就让孩子记住了。
其次课堂的氛围也要靠教师调节，针对不同情况的孩子采用不同的教学手段。每个孩子学琴的出发点不同，有些是想增加点美育及艺术修养，有些是想走专业道路的，有些纯粹是启蒙看看有没兴趣爱好等，因此教师要因材施教，少用指责和否定的语气教学，要随时给予学生鼓励，对于一点点的进步或者闪光点，都得给予赞扬和肯定，拉进师生间的距离感，给学生一个平和且能激发创造力的空间，让他们更好的发挥自己的潜能。得到学生的认可和喜欢，是一个教师成功教学的一半，双方之间融洽的氛围，可以为今后的学习打下了良好的基础和动力。
二、根据个体的不同，制定合理的练习时间和方法
艺术门类学习的特殊性在于除了课堂上的教学以外，业余时间的练习在学习中也占了很重要的地位。教师要根据学生的个体差异、练习环境、程度深浅等多个因素出发，合理的留好课后的作业和练习要求。课余的练习时间要合理安排，尽量做到每天接触键盘以及阅读乐谱。练习时间长短可以根据个体性格和年纪来决定。一般年龄较小的孩子要采用少食多餐的练习方法，随着年龄的增加，可以慢慢调整时间长度。切勿逼着孩子坐上琴凳一练就是多个小时，学习效率低下，浪费了时间不说，还破坏了学习的乐趣。
在练习中，首先要加强音阶的练习。音阶作为旋律的构成原素，历来为器乐演奏者每日必需练习的内容，所以每天的练习可以从音阶基础训练开始。拿到新的曲目，开始时慢练是一条金科玉律，其目的是为了正确的掌握旋律，以及完整性，只有在正确完整的基础上，慢慢加快到曲目要求的节奏，这样获得的技术训练是有效的。分段，分局，将难点重点单独提出来慢练，往往比整首曲子的通篇练习效率要来的高，曲子上手的时间更快。正确的练习方法可以让我们少走不少弯路，不少事例告诉我们一个道理，就是放慢练，难变易。
三、注重听觉训练和音乐赏析
听觉训练是器乐学习中不可缺少的一部分。内在的听觉和乐感是一种与生俱来的天赋，每个人对音乐听觉的敏感程度都是不一样的。因此在学琴过程中，针对不同的个体，可以采用不同的手法来适当加强听觉和音准的训练。一开始可用“啦啦啦”的象声词模仿单个音的高度，在一段时间的练习后，逐步加入二个音，甚至三个音的音程模唱。其次，音乐赏析也是学习钢琴的一个很好的辅助课程。赏析对于我们学琴来说是有很大的帮助的。学习一门新课程，大多是从临摹开始的，如何获得临摹的范本，特别是音乐范本，就得通过聆听来感受。通过曲式结构和乐理结果的分析，由浅到难的聆听各类音乐作品，做到听熟听懂，对于学生的练习都是有很大的帮助的。学琴过程里，技巧训练只不过是一种机械运动，比技巧更上一层的是意境和境界。曲子的二度创作源于演奏者对乐曲理解的程度而异，对于初学者来说，音乐形象的捕捉特别的难，因此教师在琴课上，要特别加强对乐曲的分析，从基础的乐理知识，作曲家的背景，以及乐曲所要表达的感情等，在学生掌握了这些细节后，我们再来演奏乐曲，更好的把握风格和音乐形象。除了课上加强乐理知识外，还要鼓励学生在课余时间观摩各类演出，乐器现场的声音还原，演奏者二度创作的音乐风格，多少能激发和调动学生学习的积极性和兴趣。
四、激励学生进行展示和舞台实践
一个展示自我的平台的建立，对于学生来说是对自己学习的一个展示和肯定。才艺展示是学习中不可或缺的一部分，即是对学生心理素质的一种锻炼，也是对教师教学的一种检阅。孩子心理素质的培养是学习中很容易忽略的一个问题，在众人面前演奏容易紧张是我们与生俱来的一种本性。如何克服和得到锻炼，这就得借助于一些平台来解决。台上三分钟，台下十年功。台上的实际演奏作品的完整程度肯定比台下的练习要有所缺少，所以注重平时的练习尤为重要，这也无形中给了学生一定的学习压力，所谓的因果也由此产生，你在台下付出了多少辛劳和汗水，与你在台上的成功与否是成正比的，把这种压力转换成学习动力后，对于以后的学习是很有帮助的。教师或者家长要从培养良好的心理素质入手，在课堂和业余时间得采取鼓励和诱导的手法，培养学习的乐趣和自信心。现实社会中，关心身体的健康很多，但是心灵的健康与否，很容易得到忽略的。人都是有惰性的，极少有学生特别是年纪较小的学生有主动想要做练习的。很多都是三分钟热度，热度过后，就得靠成人的引导和鼓励了。过激和否定的语气都会抹杀学习的兴趣，多鼓励多发现闪光点才是我们要做的。
五、结语
合理的时间安排和良好的教育导向，是我们坚持学习音乐或者其他科目的手段之一。看着孩子身心愉悦的走在艺术大道上，音乐和钢琴成为儿时美好的玩伴，那是一桩何等曼妙的善事啊！
