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舞台灯光的戏剧性很强。戏剧与电影都是以表演为主的综合艺术，但在艺术表现上却有很大的差别。戏剧与影视各有长短，而舞台灯光则最大限制地强化了舞台戏剧的表现手段。
戏剧的演员与观众处于一个空间，他们可以实现面对面的交流，情绪可以互相感染；而电影、电视则做不到这一点。舞台灯光的运用可以增强和感染演员与观众的这种相互感染。很多剧目中使用光线的强弱变化，明暗对比，局部特写和色彩烘托等技巧使观众情绪大振。电影、电视的优势是场景可以任意变化，非常方便，它可以把全世界各地的画面都集中到一部片子里，而戏剧布景的迁换则不能过于频繁；电影、电视可以运用特写镜头，使观众看清细节部分，而它的变化等更是戏剧所不能与之相比的。舞台戏剧可以通过舞台灯光的各种手段和灯光蒙太奇手法，如纱幕透视、光区的分割、投影效果、光束组合、色彩迭加、追光特写等来实现时光切换、神鬼变换等特技效果。
舞台灯光的多视点性也很强。音乐是听觉艺术，美术是视觉艺术，而影视艺术和舞台艺术则是视觉和听觉同时欣赏的艺术。不同的是电影和电视都是单视点的艺术，而舞台艺术则是多视点艺术。观众在观赏电影或电视时，不论在那个角度欣赏，看到的都是同样的图画，其画面的角度、构图等取决于摄像机；但当观众在欣赏舞台艺术时，坐在不同位置的观众所看到的画面是不同的，也即是说舞台艺术具有多视点性艺术。舞台灯光就是要塑造出有主有辅的多视点舞台形象，必要时还要进行主次切换。
从灯光专业角度来讲，电影电视的灯光只须满足一个镜头的单视点需要就可以了；而舞台灯光则满足观众的千万只眼睛的不同角度的视觉需要。影视照明可以把灯具任意摆放，只要不进镜头就可以了；而舞台灯光的灯具摆放则要受到很多限制。也是舞台艺术对灯光艺术的特殊要求。
舞台灯光还具有整体性与从属性。舞台艺术既然是综合艺术就有它的整体性要求，舞台灯光以至整个舞台美术都不能独立存在。综合艺术的各个门类之间是相互依存的。这也是综合艺术的一个基本特征。舞台艺术是以表演为主的综合艺术。舞台美术则是从属于表演艺术的，这一点，在理论上应该确认下来。戏剧演出可以没有布景，没有灯光，甚至可以没有舞台，在露天就可以进行演出，如广场演出、接头表演等等；然而没有表演的舞台美术则不能存在，如果没有演员表演，戏剧也就不称为戏剧了。观众看的是“戏”，没有那个观众买了票去看“舞台美术”的。这并不是说舞台美术不重要，现代的舞台美术已经是戏剧艺术中不可或缺的重要组成部分了。舞台美术的功能之一就是为演员提供一个更好的表演空间。
中图分类号：J814.4 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）35-0264-01
光的色彩很大程度的决定了舞台画面的色调，富有创意性的色光被用来创造美的感受，具有很强的表现力和感染力。舞台灯光具有四个可控制的属性：强度、色彩、分布、运动。
一、舞台灯光的强度
舞台灯管的强度就是舞台光的亮度，是舞台光在观众视觉中感受的明暗程度。光强，对演出照明起着决定性的作用，对人物和景物的造型起着先导性的作用。光越强形象越突出，光越暗形象越隐匿。光的强度变化很大：由非常弱的微光可到人眼能够忍受的亮度极限。舞台光的调节度取决于：（1）舞台灯光控制系统设备：供电系统的电量、电压;灯具的数量、品质、大小及投射距离等;（2）舞台上布景、服装、化装对光的吸收与反射的性能;（3）舞台边幕布和台面装饰的明暗及材料的品质;（4）舞台的大小、观众席空间的大小、观众到舞台的视觉距离等。
舞台光的亮度上要注意：舞台上光线感觉很亮，实际上人物出现后最暗部都是演员的面部，要充分利用舞台调光设备上的0―10的调光范围。
关于亮度要记住：（1）亮度的主观效果――不是灯有多少，而是看起来它有多亮。很多灯光设计都只注重气氛，而忽略舞台演员表演，应该两者兼顾。一旦有冲突，首先保证的是演员的基本照度;（2）适应――当亮度改变时，观众的眼睛要能够自己适应。一个明亮的场面若与接着出现的另一个暗淡的场面形成对比，就会显得更加明亮。但当眼睛自行适应之后，就会显得亮度降低。这种情况，最好逐步提高亮度，以冲抵这种效应。反之，如一个较暗的场面出现之前，先将观众席灯慢慢变暗，以便观众自行调节眼睛视觉，这样较暗的场面也会觉得很清楚;（3）视觉疲劳――过强的光线和过弱的光线以及灯光亮度急剧的忽明忽暗的变化，极易使观众眼睛疲劳，影响视觉效果;（4）视力感觉――看清某一物体所需要的照度总量取决于颜色、反射质量、物体大小及物体与观众的距离，必须考虑到也要保证到前后排观众一样看得清楚;（5）紧张程度与气氛及亮度的关系――明亮的光线能大大提高观众的视觉敏感度，从而吸引观众留心观看。喜剧需要明亮光线，这条老的陈旧的规矩要多加采用。
二、舞台灯光的色彩
色彩就是对于可见光谱中的每种色相，作为灯光师均可自由发挥运用。运用柔和色调的彩色光，可增加演员面部表情及整个舞台产生某一种色调的效果。运用不同的色相可以突出某一个剧情，达到增强服装及布景的着色效果。
（1）视力感觉。人眼看见光谱中的黄绿区域较清楚，而看光谱末端的红蓝区域则不清楚。色彩对比强烈，能给人以一种强烈的视觉冲击力;（2）色彩和情绪。暖色调和浅色一般多用于喜剧场面，冷色调和浓色则多用于悲剧场面。
色彩的作用：（1）进行人物造型、刻画人物性格、表现人物细腻的情感、反映喜悦、忧伤、紧张、欢乐等情节;（2）掩饰演员本身的缺陷（皱纹多、头发稀少等）;（3）表现舞台空间，创作各种各样的环境扩展舞台空间，满足剧情需要;（4）能在舞台和演播室里产生时间表现力（表现迷人的夜景、春夏秋冬季节，创作早晨、中午、傍晚的时光）;（5）深化主题思想、烘托情节气氛、渲染画面、增加艺术感染力，获得以假乱真、情景交融的效果。
诚然色彩在适当的作品，适当的场景及转换，适当的人物情绪、心理变化和戏奏中对观众的审美情趣具有举足轻重的作用，但是当今舞台上，色彩滥用惯用尤其是近年来换色器的大量使用，灯光设计容易出现强烈的个人表现欲望，千万不可只为一些你自己非常喜欢的样式和方法进行设计，这样设计往往会与戏的主题和人物的要求相脱离，使概念变得狭窄，要知道观众不是专门来欣赏灯光气氛的。要想做好专业舞台灯的配置，道先要了解舞台灯具的常用光位。这是正确选用配置的一个重要环节。
三、舞台灯光的配置
首要的是要达成共识――对剧本、音乐、表、导演、舞台美术设计的分析理解要一致，灯光管理人员同样要分析剧本、听音乐、看排戏，了解、讨论舞美各部门的设计方案，并且有独立见解。要熟悉设计图纸、剧情发展变化，了解舞台调度、情绪、节奏等有关因素，充分理解设计意图。
二、灯光设计艺术构思与灯光设备器材、舞台人员、设施相匹配
灯光设计意念可以天马行空，自由想象，充分发挥，不受时空限制，但最终要落实到灯光体现的可行性上，不同的演出剧种、剧目，千差万别的演出院团及设备、场地、经费、人员投入，不可同日而语。同一院团同一剧目在不同场地演出，其舞台灯光效果尚有差距，更何况不同院团之间，差距确有天壤之别。设计者在构思方案之前要详尽了解该院团的灯光设备、灯光人员状况及经费投入预算。做到心中有数，有的放矢。确保灯光设计方案与灯光体现之准确可行。
三、设计者与体现者之间的默契配合
通过装台、对光、排景、排光、舞台合成、彩排等一系列工作程序，经过演出各部门通力配合，设计者与体现者全身心的投入，不断地磨合、修正、提高设计方案，最后进行灯光管理程序的修改、确定。灯光设计完成了它的历史使命，而将一个富有生命的舞台交予了灯光管理者。能否理解灯光设计意图，把握好舞台灯光的节奏变化，保证演出的顺利进行及达到完美的艺术效果，就全靠灯光管理者的能力与悟性了。所谓心有灵犀一点通，舞台灯光的节奏变化稍瞬即逝，全靠灯光管理者心、眼、耳、手的协调配合。轻、重、缓、急，拿捏得当与不当，差之毫厘，则失之千里。再好的设计意图也无法体现，更谈不上达到完美的艺术效果。
中图分类号：J714.4 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）02-0186-01
在舞台表演当中，灯光色彩不但是表现剧情与展示主题的关键手法，还是打造独特舞台效果的重要途径。在演出过程中，整体情节的展现都需要辅以相应的灯光色彩，才能让观众产生身临其境的感受，从而达到烘托主旨的目的。所以，针对舞台灯光设计中色彩的运用展开深入研究，具有十分重要的现实意义。
一、舞台灯光设计中色彩运用需遵循的原则
（一）统一性原则。在舞台灯光设计中运用色彩时，首先应当遵循统一性原则。对色彩进行设计时，设计人员必须要充分考虑到演出剧本的现实状况，同时结合光和色的对比等，进而作出对应的灯光设计。在运用色彩进行舞台灯光设计时，必须在光和色的挑选环节高度重视色彩的表现效果。要全面综合舞台表演过程中的各项因素，确保色彩及表演内容能够达成和谐统一。
（二）协调性原则。对于舞台表演而言，其灯光运用的主要目标就是丰富并完善表演的内涵，提升表演的吸引力和感染力。而在此过程中运用不同的色彩，能够优化表演的效果，使观众产生共鸣。因此，设计人员在进行色彩的选择和安排时，应当把重心放在色彩和表演的关系上。只有正确处理好此二者的关系，确保色彩的选用与表演的主题具备协调性，才能使观众准确、清晰地理解演出所要表达的含义。所以，在舞台灯光设计中选用色彩时，设计师要充分确保舞台、表演和色彩具备协调性，避免在这一环节产生冲突。
（三）独创性原则。舞台表演的内容丰富多样，其想要传达的精神与意义也不尽相同。设计人员要根据舞台表演的实际内涵，创造性地运用灯光色彩，以此获得理想的表演效果。设计师需要正确看待灯光色彩对舞台表演所产生的影响，再结合剧本妥善安排灯光色彩的运用，从而达到独创性的目的。
二、色彩在舞台灯光设计中的应用措施
（一）重视色彩的起伏变化。舞台灯光色彩应当依照不同舞台剧的种类、风格、主题等进行挑选和布置。在此之中，如果舞台剧的情节不同，那么所选用的灯光色彩与表现手法也应当有所差异。所以，在运用舞台灯光色彩时，必须对色彩进行合理的调节与设置，确保其简繁得当，产生起伏变化，借此渲染出舞台的整体氛围。此外，在舞台灯光色彩起伏变化的过程当中，还需关注整体舞台的主色调变化，进而使舞台灯光色彩的变换能够切合主题。
（二）重视色彩的对比运用。在设计舞台灯光色彩时，设计人员需要科学利用灯光色彩的色调、冷暖对比、明暗对比等，使不同的灯光色彩和谐交融，达到强弱对比的效果。在此过程中，应当遵循如下规律：第一，明度低的颜色会使人产生凝重感与迟钝感；第二，明度高的颜色会使人产生轻快、愉悦之感；第三，色彩明度相同时，起到的对比效果不明显，而明度差异较大时，其对比效果则尤为显著。第四，一种物体若是被亮色包裹起来，就会显得相对暗淡，而若是被暗色包裹起来，则会显得相对明亮。其包裹的面积越大，这种影响就越是明显。舞台灯光设计者一定要掌握这一对比规律，才可设计出更为优秀的作品。
（三）掌握色彩的情感象征。掌握色彩情感象征，首先要利用灯光色彩打造出典型的环境。在舞台灯光设置时，要综合考虑整体舞台场景，并在其中融入m当的色彩变化，以此营造典型情境。比如，在表演《红色娘子军》舞台剧时，“常青指路”一节的舞台剧表演中，设计者使用了多层次网景以及喷绘背景，同时采用了鲜明的灯光色彩以搭配复合式的布景。设计人员运用了偏冷的蓝色调，拉开舞台的景深，之后利用虚化功能体现出舞台场景的空间感。最后将常规灯层叠组合起来，运用角度光影堆砌的方式，强化了主光源，将一片幽深的椰树林展示在观众面前。此外，还要善于利用色彩激发观众的情感。比如表演《哀牢》时，战斗开场便使用了蓝色侧光打在战士们身上，再将红色逆光间断性地穿插其中，使观众产生真实的感受，进而激发强烈情感。
三、结束语
灯光色彩不仅能在舞台上准确传达信息，还能引发观众的情感共鸣。因此，在舞台灯光色彩设计中，需要重视色彩的起伏变化，重视色彩的对比运用，同时还要掌握色彩的情感象征。只有这样，才能将舞台人物形象生动地塑造出来。
参考文献：
[1]谢绍春.色彩在舞台灯光设计中的应用分析[J].通俗歌曲，2015，（01）：128-129.
1、舞台灯光设计的构思
设计者如何在演出中作到把握准确、拿捏适度,这是灯光设计的关键。灯光在舞台上起到了如下几点作用，舞台灯光在完成人物外部描写的同时,进行内心的描示,通过设计者运用、表现潜在的内涵,感性的创造和理性的控制显现出可视的画面,而使这个画面产生情和景巧妙的统一和完美的融合,即表现时空,丰富人物,再现情节。然而，对于观赏者来讲,也许并不能像灯光设计师那样清楚认识到舞台灯光的具体作用,但在过程中观众确实感受到了舞台灯光所营造的剧场氛围,并且观众会被它深深的吸引,灯光成为连接观众与角色的纽带。因此，优秀的灯光设计师一定不会忽视观众的感受。那么，舞台灯光在演出过程中如何作用于观众的心理结构;为何能起这些作用以及灯光运用能否最终唤起人们的美感……这一系列问题应该成为舞台灯光布光可遵循的重要依据之一。
2、舞台灯光设计的创新对策分析
2.1 舞台灯光要进行方案设计
舞台灯光的设计先要根据提供的内容以及所掌握的资料组织舞台画面、设计构图、塑造形体、应用色彩、处理明暗和光比,完成对舞台画面空间转换的初步设想。其次根据可以应用的设备和器材确定演出灯光的表现手段和效果。以初步设想的视觉效果方案安排与其相对应的舞台照明灯具,从而达到演出所需要的特定视觉效果。接下来根据剧情确定所涉及到的情节、情景、情感、心理、形态、对白、独白、幻觉、梦境、联想、话外音描写等表现方式设计适当的表现方法和灯光应用效果。可以从色彩应用、影像应用、投光角度、灯具选择等方面重点考虑,并深入各个具体规定情景之中。
最后的舞台灯光合成方案应根据演出排练制定。方案要与节奏、旋律、曲调、台词、形体动作、音响效果变化相融合,并将舞台灯光转换的契合点具体落实在情节和页面位置之中,为舞台灯光合成做预先准备。
2.2光色上的合理运用
灯光色彩是营造情景气氛的重要手段，光色造型是灯光设计的一个重要的部分，不善于使用色彩，就不能很好地掌握戏的气氛，设计就缺乏生命力。因此，设计者只有掌握好光色对画面的影响，才可能控制演出中的环境气氛。
第一、设计上遵循“一色为主，它色附之”的原则。所谓“一色为主，它色附之”，是指灯光设计在创造每个场面的灯光气氛时要有明显的色彩倾向，在整体布局和它所形成的色彩效果要做到主调明确，在表演区使用色光时，应该简练鲜明，突出特征。在运用色光的技巧上要掌握色光的艺术效果，以保证获得明确的主调，这样才能更鲜明地表现剧情的主题。
第二、运用光色强调色彩对比。在灯光设计上，运用对比的手法，利用色光本身在色相上的区别去营造舞台气氛，是获得色彩效果、创造意境的主要手段。常使用的方法是明暗对比、色调对比、冷暖对比、面积大小对比等。
第三、运用光色要有起伏变化。灯光设计应该根据剧本主题及剧情、导演等诸多因素的要求，在运用色光时做到有明有暗、有冷有暖、有繁有简，具有起伏变化以配合烘托剧情及人物的表现，要全面考虑全剧色调的运用，通过场次间主调的变化，获得全剧光色的起伏变化。
2.3 综艺晚会的舞台灯光设计
舞台灯光亮度的明暗程度,对于创作“综艺晚会”来说,首先要分析“晚会”哪些节目需要亮,哪些节目需要暗,哪些地方需要灯光色彩变化等,这样排在一起就是光的节奏,也是戏剧灯光创作的艺术处理。舞台灯光的亮度,既是艺术构思的问题,也是创作者要掌握的技术措施。控制亮度的办法很多。如:用500瓦、1 000瓦、2 000瓦或者其他的特色灯具,控制舞台明暗最主要的是调光器材。过去由于条件差,从变压器到可控硅调光器已是很好了。可是进入21世纪以来,调光器材发展迅速,从模拟调光器到电脑调光器,这对灯光创作人员也是一个挑战,不光是在艺术构思方面要有丰富经验,还要努力学习和提高技术水平,才能创作出好的艺术效果。
如果灯光师要在节目中使用“色光”,那要注意光的纯洁性。粉、黄、橙、绿、红、蓝、紫,它们的色标很多,要掌握它们的标号,根据自己创作的需要,选用换色器的色标或用色片,一个生动场面必然要选一个准确的基调,把握住冷暖对比,对比的强弱会直接影响观众的情绪。
一、综合文化素质
近年来，在我国的艺术领域，兴起了一股“文化热”，追求艺术作品的“文化底蕴”，强调艺术创作人员的文化素质，已成为一种时尚。这种现象是有道理的，因为自古至今，从中到外，艺术与文化都密切相关：一方面，艺术是文化的重要组成部分；另一方面，艺术又是文化的一面镜子，反映文化的本质与特性。所以，“艺术文化学”作为近年来新兴学科，是以整个人类文化作为参照系来探讨艺术问题、研究艺术现象的综合性学科与交叉性学科。
关于“文化”的定义，五花八门，见仁见智，其中英国的人类学家泰勒关于“文化”的定义，最为确切，也得到大多数人的认同，他说：“所谓文化或文明乃是包括知识、信仰、艺术、道德、法律、习俗以及包括作为社会成员的个人而获得的其他任何能力、习惯在内的一种综合体。”
事实上，文化本身即是一个大系统，它主要包括物质文化、制度文化、精神文化三个子系统。在精神文化的子系统中，又包含哲学、宗教、道德、科学、艺术等子子系统。
世界上每一个国家、每一个民族，都有自己的文化。作为中国的舞台灯光师，就要了解中国的文化精神（天人合一、中正平和等）、文化品格（深邃含蓄、博大精深等）、受众的文化心理结构（文化与政治、经济的密切联系）等等。只有这样，才算具有了一定的文化素质，才能在灯光设计中表现出文化内蕴。
二、综合艺术素质
舞台灯光与整个舞台美术、舞台艺术一起，都属于艺术范畴。因此，灯光师的艺术素质，就成为基本素质与核心素质。
艺术素质的内容也相当广泛，其中主要有中国传统的艺术精神（道、气、心、舞、悟、和）和各种民族艺术的基本知识，如民族戏曲、民族音乐、民族舞蹈、民族绘画（国画）以及民族的书法、雕塑、建筑等等。只有这样，才能算得上具有了一定的艺术素质，才能在灯光设计中表现出民族艺术的神韵。
与此同时，还要对舞台艺术（包括戏剧艺术、曲艺艺术、音乐艺术、舞蹈艺术、杂技艺术、魔术艺术等）的基本常识与主要特征，有大致的了解。
此外，还要对语言艺术的文学，具有一定的修养，不仅要掌握其基本概念与基本原理（如主题、题材、情节、结构、人物、语言、风格、流派等等），还要具有一定的口头与书面表达能力。
所有这一切，均属于艺术素质范畴。
三、综合美学素质
美学是研究自然界、社会和艺术领域中美的一般规律与原则的科学，其主要研究对象是艺术，即研究艺术美的本质、艺术与现实的关系、艺术创作的一般规律、艺术的特征等等，故美学又被称为“艺术哲学”。
金昌大剧院兼会议中心，1500座位规模的大剧院及300座位剧院式会议厅兼报告厅，既可作为剧院场所，又可各种规模会议使用。建筑包括局部地下1层， 地上5 层（包括夹层为6层），建筑面积为22977 m2，建筑高度为23.9m（不含舞台上空部分）。主体结构耐久年限50年以上，为甲等剧场。其中1500座位规模大剧院的舞台装置由三部分组成，包括460m2的主（前）舞台、300m2的后舞台及左、右两个各300m2的侧舞台。本设计依据的主要规范为JGJ 57-2000《剧场建筑设计规范》、GB 50052-2009《供配电系统设计规范》、JGJ 16-2008《民用建筑电气设计规范》和GB 50016-2006《建筑设计防火规范》。
本工程舞台照明按一级负荷设计。本工程在地下一层设置变配电所，采用两路10kV电源同时工作，分列运行，互为备用。根据JGJ 16-2008第9.6.7条第2款规定，为了防止供电电源对舞台的电声、电视转播设备产生干扰，影响其正常运行，要求电声、电视转播设备的电源不宜接在舞台照明变压器上，即舞台照明和舞台音响分别由不同的变压器供电。专设两台1600kVA变压器分别为舞台照明及舞台机械电力设备等负荷供电，另外两台1600kVA变压器为其它照明、动力、空调、舞台音响等负荷供电。舞台机械、舞台照明及舞台音响等重要负荷的供电采用两路电源末端切换，以保证重要负荷的供电安全可靠。为有效抑制谐波，在变配电所供舞台机械、舞台照明及舞台音响的配电干线上，设置有源滤波装置。
二、 舞台照明系统
2. 1 舞台照明系统设计
金昌大剧院兼会议中心作为现代化的高层次表演场所，能适应多种舞台形式的演出需要，同时能够满足电视台现场直播的拍摄要求。作为国内一流剧场，整体系统配置既要满足现代剧场要求，又考虑扩充余量，并要求有合理的性能价格化，保证剧场在相当长时间内不会落伍，满足各类演出团体的使用要求。大剧院的主要使用功能是：举行各种大型会议、歌剧、舞剧、交响音乐会和大型综艺演出，因此舞台灯光照明系统的设计应满足以上使用功能的需要。系统要安全可靠、先进，主要设备选用国际先进产品；灯光回路设计中突出建设的超前意识，充分考虑舞台灯光的回路数，以满足现代艺术对舞台灯光灵活多变的要求；系统采用网络技术，有远程监控、反馈功能，系统有充分的扩展余地，并确定运行安全。舞台灯光照明系统设计要符合演出管理的要求。
2. 2 舞台照明主要设计指标
根据JGJ 16-2008第9.6.1、9.6.2条第规定，舞台照明每一回路的可载容量，应与所选用的调光设备的回路输出容量相适应。舞台照明调光回路数量，应根据剧场等级、规模确定。调光回路的功率一般是4～6KW，而且从安全角度考虑，一般4KW回路带2KW灯具，6KW回路带4KW灯具，均留有一定的裕度。关于舞台照明灯光照明回路分配数量，不同剧场、剧种均有其不同要求，尚未有统一的标准。而且舞台照明发展趋向于对回路多灯位，这样可适应舞台照明多功能的需求。舞台灯光回路的设计是一个大剧院舞台灯光设计的重点，因为好的设计可以在演出时为灯光创作人员提供艺术创作的空间和灵活用光的技术支持，因此要合理、科学的分配，避免回路的闲置问题。
舞台照明设计指标如下：
a. 调光回路：746 回路、5.5kW /回路，输出功率可设定。
b. 直放回路：170 回路、5.5kW /回路。
c. 场灯：5.5kW×20 回路，输出功率可设定。
d. 工作灯：5.5 kW×24 回路，输出功率可设定。
e. 调光台可控2048回路。
f. 照度标准：舞台平均照度不低于1200lx，表演区内任意位置有不少于3个方向的光，每一方向光的最大白光照度（单灯效果）不低于1000 lx；会议时，主席台的平均照度不低于300lx。
g. 显色指数：Ra > 92。
h.色温：常规灯具3200K，追光灯5600K。
i.调光柜抗干扰指标：达到或超过国家标准《电子调光设备无线电骚扰特性限值及测量方法》
中规定的一级机标准。
j.Ethernet 接口76 个，DMX512 接口117个。
2. 3 大剧院的灯位布置
随着舞台艺术的发展，对舞台灯光也提出了更高的要求。舞台灯光是舞台艺术的灵魂，完美的灯光配置和应用，是成功演出的必要条件。舞台灯光，概括起来，需从四个方面突出特点：写意、写实、美感、表现。大剧院为典型镜框式舞台，镜框式舞台的照明系统分镜框外照明系统和镜框内照明系统。镜框外照明系统包括面光、左右外侧光、台唇脚光。镜框内照明系统包括内侧光照明系统、顶光照明系统、天幕照明系统。
2. 4 大剧院舞台照明的控制
舞台照明总装机容量为5280kW。舞台灯光的使用多少根据不同剧目确定。实际使用最大可能是多少，这是很难确定的。有些演出团体根据需要自带灯具，此部分容量无法确定，还会出现负荷分配不均匀，导致中性线上不平衡电流较大。本工程设计中参考了国内同等规模的剧院设计，如新近建成的1800座位的上海大剧院，舞台灯光的总装机容量为2835KW，需要系数取0.5左右。并根据规范JGJ 16 - 2008表9. 6. 8的规定，与业主、舞台照明设计方多次沟通，仔细分析可能同时使用的灯具数量，舞台照明负荷需要系数取0.2，裕量系数取1.2，则舞台照明的计算容量为1267kW。还有待于今后实际使用中积累数据，加以证实。
舞台照明设备控制室与舞台机械设备控制室共用。内设电源配电柜5台，可控硅调光柜10台，网络柜1台。使调光柜引至各灯的线路尽可能短，减少压降损失。舞台灯光控制台设置在观众厅后部的灯控室内（标高6.10 m），方便操作人员对舞台灯光及观众厅内的场面进行观察。
灯光是戏剧这一综合艺术的重要组成部分,是为演员塑造人物,烘托剧情,让观众受到感染而服务的。因此,灯光设计应从观众在剧场里的真实感出发。何谓“真”?也许不同的观赏者有不同的定义,但作为灯光设计者必须明确:舞台灯光无法做到自然的重现,它只能是模拟自然,而且是一种艺术的模拟,不是自然主义的模拟。那么,如何达到这种艺术的真实感呢?我认为包括两个方面,一是外在的场面,二是内在的情理。外在的场面是指灯光设计者把故事发生的时间、地点、场景等客观因素一并考虑,然后加以提炼,做到场面的合理、真实。所说的内在的情理,是根据戏剧情节、冲突的发展,人物的内心感受等诸多心理因素变化,把灯光融入其中,使灯光有助于剧中主人公内心情感的表现。在特定的情境中,舞台灯光对剧情的烘托,人物情感的渲染,具有强烈的艺术感染力和冲击力。舞台灯光伴随演员的内心体验和外部形体的表演,进行密切的配合、渲染、补充而达到情景交融。
戏剧演出过程中,舞台灯光的变换,色调及明暗的对比,光区的变化,将外在场面的塑造和内在情理的体现有机地结合起来,以达到真实、自然和高度综合。为了达到这一整体的综合性,灯光设计者不能随意脱离导演的整体构思而一味玩弄灯光技术,或过多地运用灯种,喧宾夺主,甚至破坏全剧的真实性,影响观众的视觉。
在昆剧《荆钗记》的灯光设计中,我遵照导演的整体构思,又发挥个人的主观能动性。如王十朋与钱玉莲结婚一场,表现喜悦、欢乐、热闹场景,灯光以整台橙色为基调,上场门侧光为橙色,下场门为蓝色,既模拟了自然光效,又配合演员、音乐及各种组合,烘托出一个热烈欢快的场面。随着剧情的发展,欢快的气氛转入到宁静的夜晚,灯光也随之从橙黄色到红、蓝,从光强到光弱,在同一空间中运用光色、光度的强烈对比、反差,来营造时空的变化。又如,孙汝权带领家丁连夜追赶钱玉莲一场,用的是蓝色调加追光,表现深夜、江边的时空环境,又体现出女主人公钱玉莲的舍命抗争。加上光的节奏即光的运动感,与紧凑的音乐相结合,使这两场戏达到了较好的艺术效果。
舞台灯光通过色彩、节奏、强弱,向观众传递情感。我体会到观众对色彩的渴求是强烈的,不同的色彩给人的心理感受是不同的。红色使人联想到血、阳光、火焰,心理感受则是热情、危险、勇敢等;绿色联想到草地、植物等,心理感受则是平和、青春、成长;紫色联想到梦境,心理感受则是神秘、高贵等;蓝色联想到夜晚,心理感受或宁静或阴森等。当然,这只是一般而言。总之,用微妙的灯光效果来烘托剧情,确能引起观众较大的注意和兴趣。因此,灯光设计者既要运用多种灯光技巧、技术,在戏剧演出中发挥其应有的作用;又要深刻认识戏剧艺术的高度综合性,不能突出自我而影响整出戏的风格统一。
(作者单位:桂阳县湘剧团)
中图分类号：J714 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）32-0110-01
色彩在灯光的照射下，产生出不同的效果，灯光在舞台设计中也是非常重要的。灯光技术也是非常关键的，是关系着整个舞台效果的关键；当然灯光在整个表演中，艺术比技术更为重要。色彩没有具体的实物，灯光也是，但是在舞台表演中灯光、色彩都是缺一不可的，舞台上不能没有灯光的照射，也不可能没有色彩的搭配。不同的情节需要不同的灯光配合，不同的情感也需要不同的灯光配合。好的灯光艺术，可以让舞台效果更佳，也能让整个舞美化。
一、色彩在舞台中的灯光设计
色彩从不同的角度可以分为色相、纯度和亮度。有的色彩能让人感觉到心情振奋、有的色彩让人感觉到压抑；色彩可以让人产生出不同的效果，列如红色可能让人想起血或者火之类的，蓝色，可能让人想起天空或者是大海之类的。有时候红色还有象征意义，红色容易让人想起，中国时期的伟大革命，然而，红色在基督教中象征的却是一种关爱。
太阳光是由七种颜色的光组成的，分别是红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，但是我们平时看到的太阳光却是白色的，人们制造的的光源，也是有上面这七种颜色的灯光组成。舞台设计离不开灯光设计，当然灯光设计也离不开舞台设计二者缺一不可，相互相存的；在投射景时，用灯光直接照射，灯光是唯一的媒介。有时候，灯光不是作为主要的媒介，采用不同的灯光、色彩、亮度，也可以产生不同的效果。所以，色彩与灯光在整个舞台中是必不可少的。第一，灯光和色彩他们的目标都是为整个艺术服务的，也是为演出服务的，二者都是为了使整个舞台效果更佳。第二，灯光和色彩之间也是相互互补的，也是相互依存的。色彩还可以唤起人们的情感，有时候，观众在看戏时，都在互相探讨舞台灯光的作用。舞台灯光的冷暖、强弱还影响着色彩的表现。随着科学技术的发展，色彩在舞台中的运用也越来越广泛，越来越突出。有的时候，有的戏曲就是直接运用灯光来转换的。
二、色彩在运用中的案例分析
粤剧《玉簪记》中，这个舞台剧的色彩，主要是清新、淡雅的，在灯光的照射下，使半透明的画面更加栩栩如生。根据莎士比亚的《哈姆雷特》改编的越剧《王子复仇记》，这个剧的要求较高，需要朦胧多变等具有哲学性的变化，舞台设计是由黑色作为底幕，四周运用五块直角站立的片子，一面绘有黑底红线汉马王堆漆器纹饰，一面为浅灰色白边砖刻纹饰，侧面为灰底红纹，这样的格局，加上舞台灯光，为整个表演增添了空间氛围，也达到了创作的效果。
梨园戏《节妇吟》中，这个剧是个悲剧，为了能让寡妇在深夜私奔的心情，表现出来，以白色为主的灯光，变现出在深夜的孤独，在他的决定私奔方向时，灯光由白色转变成黄色，并且色光投射到膝盖，说明他逃跑的动作，灯光的变化，表达出他对自由和爱情的急切追求。
《地质师》中，主要运用的是用光来写实，屋内的环境主要运用的是清淡的光。月亮光照进屋内，表现出的是屋内的温馨、平淡。
灯光在舞台表演的起着非常重要的作用，但是也不是万能和绝对的，也不能为舞台艺术作出质量的改变，只是可以协助让舞台增强感染力。如果有的艺术部门的技术拖了后腿，靠灯光来弥补是不可能的事情。所以说，舞台剧是一个综合性很强的剧，是需要每一个环节都要做的很好，每一个部门也需要合作的好，才能让整个舞台剧达到更好的效果。
三、总结
“抑扬顿挫”主要涉及两个方面：一个是音调的变化，一个是节奏的把握在音调方面为“抑”和“扬”，即音调的降低和升高；在节奏方而为“顿”和“挫”，即节奏的停顿和转折。“抑扬顿挫”的抒情性表达不在于单纯文字的音调高低起伏和节奏停顿转折，而是更多的通过“情”这一载体来指引，“诗的韵律不在字的抑扬顿挫，而在诗的情绪的抑扬顿挫上.即在诗情的程度上。”“抑扬顿挫”对于诗歌朗读的意义就如同繁华似锦中又开出的一朵奇葩，能够为诗歌起到锦上添花的作用，而这种具备变化的声音形式关系往往可以带来比有声音乐更加强烈的抒情性表达效果。
舞台空间中的灯光作为该空间中必不可少的必要艺术体系也具有同诗歌朗读共通的抒情性表达情节。瑞士著名的舞台美术家阿披亚曾言道：灯光是舞台的生命，是舞台的血液，是舞美的再现灯光作为一种舞台空间中灵动的、奇妙的氛围塑造手段，具有广阔而无限的时空穿透性、转换性和营造性，而实现这一系列转变必不可少的步骤就是灯光随情节和情境的变化而变幻，这个变幻的过程即实现了灯光设计的抒情性表达，也就是灯光“抑扬顿挫”的变化形式。
二、抑扬顿挫在舞台灯光设计中的应用
无论是诗歌这种文体形式还是灯光抒情性表达这种艺术表现形式都会有情感上的和低潮，或平脚舒缓犹如静谧海面，或汹涌澎湃如同大浪淘沙。下面就从诗歌朗诵的“抑、扬、顿、挫”四个方面着重分析灯光设计。
（一）低调为之抑；暗淡、弱化为之抑
所谓低调是指语言声调的低沉和舒缓，通常语气也较轻、缓。
诗歌以其简短而极富感染力的语言、以高度凝练的形式传达所要表现的情感。当诗歌意在传递沧桑的、悲哀的、孤寂的诗情时，其文字语言也相应地沉重了许多，朗读这些饱含重量的文字时，人的感情也会不知不觉地融人其中而随之弱化，但低落的只是单纯的音调而非浓重的诗情，通常讲来沉重的悲剧可以给人留下更为深刻的印象。
舞台中灯光的设计也并非偶然，而是应当与舞台环境和情境密切相关的。通常在对灯光环境要求较少的影剧院中比较适合“抑”的手法，这个空间中的灯光无需太多的变化，或许可以单纯地停留在某一种或某几种弱化的形式上，而在歌舞剧院、各种演艺空间则有几种特定的时间点、场合、章节来迎合这一“抑”。如节目开场的前一瞬间，为了与节目的形成对比常常有意识地设置相对暗淡的灯光，其目的在于以灯光的弱化来反衬时的强化。
（二）高调为之扬；光亮、强化为之扬
所谓高调是指语言声调的高亢和嘹亮，通常语气也较重、急。
诗歌在表达激昂的、澎湃的、崇高的诗情时，会极力抓住诗歌这个有限篇幅中的每一个表现点，可以是具有特殊意义的字、词的妙用，也可以是句式上的千变万化，还可以是排比、拟人等各种修辞手法的运用，可以说真正地做到字斟句酌，以排山倒海的气势来抒发作者所要表达的感情。朗读具有这类诗情的文章，常常通过高亢和嘹亮的语调来增强感情的力度，或赞美祖国的大好山河，或吟诵古人之不朽……必要时还可以运用一定的节奏来为之锦上添花。
舞台灯光设计在“扬”的手法上使用更加明显，通常根据剧情和情境的而要贯穿节目始终，当然，这一点特别适用于演艺空间，如演唱会舞台、晚会舞台等“扬”的形式可以理解为光亮、强化的灯光，这种灯光形式变化的余地相当之广，可以是不同的灯光光色的形式，也可以是富于变化的灯光光线形式。在灯光光色方面，所选光色除需配合一定的情境外，多选用暖色调的灯光和高纯度的灯光；在灯光光线形式方面，光线的粗细、长短等也可以有所不同。若这两方面因素同时运用则可以推动节目不断地产生，如不断变幻的光线形式以或平行或相交的方式结合起来，同时加之时而变化的光色，必定会为现场观众增加一场视觉器官上的盛宴。这种灯光的强化通常运用于“抑”之后的节目开始，即突然的今亮化；也可以是某节目的时分，即渐隐的亮化；还可以是整个舞台节目的结尾部分，即最终的亮化。总之，“扬”的作用是实现舞台中软文化的最高点，即将整个节目推向最，而在这一目标的实现过程中灯光的作用不仅是必不可少的，而且是运用最为强烈的。
（三）停顿为之顿；有灯、无灯为之顿
所谓停顿通常是指语占竹奏和语速的起止。
在诗歌朗读中停顿的使用适用于诗歌本身字、词、句、段等之间的转换瞬间，这种转换可以是情境转换也可以是感情转换，而停顿的意义就在于“分隔”的需要，这里的分隔可以理解为一个“区分”，即上下或前后两种或多种情境或感情之间所需做出的区别，这个区别就可以通过“节奏”的变化来实现节奏作为自然现象的一个本能原则，在诗歌朗读的运用中只要是符合诗情的即是合理的。
“停顿”的手法在舞台灯光没计中可视为两个方——短时间的停顿和长时间的停顿，虽然这两个“停顿”的手法单纯石来只是时间长知的不同，但使用的场景或情境则完全是两个不同的概念和空间、“短时间的停顿”适用于舞台上节目之间的转换或情境之间的转换，如两个风格完个不同的节目在交接的那一瞬间，既可以是有灯的停顿也可以是无灯的停顿，但多使用有灯的停顿，即灯光无需变化，这样做的目的是等待下一组灯光的来临。又如，话剧舞台上一个话剧节目之中不同场景的切换，在演员切换、道具切换等的那一刹那 常使用无灯的停顿，即整个舞台空间会全部暗淡和弱化下来等待转场活动的完毕。“长时间的停顿”可以理解为黑暗场景中的一抹亮光，也就是对一个话剧主角所使用的长时间目标聚光，它表现为一个锥形的光束聚集在目标人物身上，随着人物位置的移动而变幻着光束的位置，但无论怎样移动，其“强调”的作用是丝毫没有减弱的以上就是“停”的手法在舞台灯光设计中的应用，在运用的过程中应特别注重时间的精确把握，否则可能起到事倍功半的效果。
（四）转折为之挫；交错、穿插为之挫
所谓转折通常是指一种强烈的对比。
诗歌朗读中“挫”的运用应当是在“顿”之后的，即在短暂的停顿之后一种新的情境或新的感情的开始，这种转折甚至可以包括“抑”和“扬”，如诗情的欲扬先抑或是欲抑先扬，而前者的使用通常多于后者，在诗人表达自己最癫狂的状态之前通常先以弱化的感情甚至是最低潮的感情作为铺垫，这样做的目的是形成一种强烈的对比，用一种高低差距最大的转折来强调接下来要表达的感情同“挫”在诗歌朗诵中的作用一样，舞台灯光设计中的“挫”也可以包括“抑”和“扬”，具体地说是“抑”和“扬”的交叉点。从节奏的规律上来讲，低潮和之间必定有强烈的转折，在舞台灯光设计中或者是灯光光色冷暖色调的强烈对比、纯度的强烈对比、明度的强烈对比等，或者是灯光光线形式的粗细、长短等的强烈对比，又或者是光线布控形式的强烈对比，还可以是几者的结合众多的灯光形式都可以体现出“挫”，但在这个强烈转折的过程中有一个既定的原则是必须要遵守的，即随着舞台的情境和节目的剧情进行有意识、有计划的变化，否则再多的转变都是毫无意义的。另外一个特别需要的注意的问题就是这一手法的尺度问题，也就是强度问题，这一点我们可以理解为：在同一台舞台剧中，且不谈其自身的题材，只要情境需要就可以允许自始至终运用多处转折，但转折的强度应当是有所区别。一般说来，最强的一次转折应当是应用于整个舞台剧的，而其它小型节目中的转折都应当弱于这一次总的转折，否则非但不能有所区别，还有可能影响到整体的运作效应“灯光非但能画龙点睛，更有化腐朽为神奇之效”，只有恰当的运用才能最大限度地发挥作用。
三、结语
总之，舞台中的灯光设计借助“抑扬顿挫”的手法根据既定情境和场合进行各种抒情性表达。现如今，在技术因素已经不作为限制条件存在的前提下，艺术性越来越成为一种追求目前灯光的设计已不是单纯满足照明功能，更多的已成为一门能够给人带来美感、能够传达情谊的独立艺术学科。因此，抒情性表达在舞台灯光设计中实现氛围因素与观众产生共鸣方面是一种具有现实性意义的表现手段，而诗歌朗读中的“抑扬顿挫”正是实现这一目标的最为有力的跳板。
一、综艺类访谈节目演播厅舞台灯光特点
（一）综艺类访谈节目灯光应用场地特点
场地的选择，其实是摄像师的职责，但是摄制场地的条件直接会影响到我们灯光设计开展，所以要严格筛选拍摄场地的环境条件，首先看场景，电视与屏幕视觉为二维空间，如果在狭小的三维空间里表现出很好的空间感，肯定是不能实现的，开阔的场地才有利于灯光师布控、摄像师架机。如果是大型剧场或者演播厅，我们对于环境的考虑和距离的考虑就可以稍微的放松一些，剧场和演播厅基本都能满足我们正常布光和影视拍摄条件。
（二）综艺类访谈节目节目灯具选择特点
舞台灯光的数量和类别，关于灯具种类的选择，还很多步要考虑：第一是查看色温，大型的综艺节目多数在大空间场地搭建演出弓箭，自然光的照度当然是不可能的，透光面基本没有机会进入场地，就要选用相对于比较高色温镝灯灯具，如果是在外景场地晚上就选用相对有源灯具；其次是灯具的功率，一般在小型演播厅等室内拍摄两三个人的访谈时功率再大的话负载和耗电量都将成为困难。相对应来说大型剧场的电流功率和负载能力是相当适合，但是综艺类访谈节目和个人访谈演播室与实景演播室的形式是完全不同的，访谈类节目基本以对话形式，而综艺类访谈节目会加入多元素灯光变化和相对环节灯光的变化，所以灯具和正常演播室灯具截然不同。
演播室访谈灯具：800w泛光灯、1200w聚光灯综艺访谈灯具：综艺演播室除了基础灯光做照明，其他灯以渲染气氛为主，使用帕灯，聚光灯，回光灯，电脑摇头灯，电脑扫描灯，追光灯，换色器，天幕灯，地幕灯。
（三）演播厅灯光与摄像机呈现特点
为使电视系统能充分地重视所拍摄的层次，应使景物的最亮部分和最暗部分之比尽可能不超过30：1，实际上这也是摄像机的“宽容度”之比，正常来说，被拍摄物体白色反射率不超过百分之60，黑色反射率不低于3%时，摄像机工作得最好，以这两功能中反射率的信号分别作为电视信号的白电平和黑电平，这两电平之间摄像机能正确反映亮度的变化，据此可做出10级灰度的测试图。灰度测试图的第一级为白，相当反射率约60%，第10级为黑，相当反射率3%；女性肤色灰度反射率33%，大致与灰度测试图第3级相当，当以演员为中心进行拍摄时，应以演员面部为标准，一般场景控制在比面部大约暗1.5倍～2倍之间。如果需要突出演员表演，场景亮度可控制在比演员面部暗3倍～4倍之间。在实际工作中，被拍摄景物的明暗比都会超过测试卡规定的反射率比例，过白部分受到压缩，而过黑部分则由电视系统黑电平固定，一律成为黑色，表现不出来。灯光人员如发现被摄景物的重要部分处于比例之外时，就必须对照光比进行修正。
（四）演播厅灯光位置特点
首先请摄像师定好机位，设定好人物与被摄物置然后运用中心位置布光，巧妙的利用拍摄场地的各种光源，由于舞台当时的色温与专业光源不能搭在一起，光和人物逆光，在拍摄的现场所有的光源都应该用到，是考虑能用两个灯完成的看能不能用一个灯实现，因为拍外景时受到用电负荷量和携带不便等问题限制，不可能很多灯。但前提是要有主次的概念，定好一个灯位之后，考虑清楚这个灯是干什么用的，其目的实现没有？如果实现了再考虑是否可以放大一些焦距或者打开一些遮扉用来捎带别人的逆光或其它的景光。
（五）演播厅灯光照度特点
一般情况下人的眼睛和摄像机是有区别的，在监视器上看画面，哪不亮就给哪打光。作为电视节目灯光师来说大脑里面一定要记得控制光圈，还有就是控制光的亮度和光比，如果照度过亮会引起摄影的曝光，只能让摄影师降低光圈，但是同时会影响到整个节目的电视视觉效果，有些时候照度低，摄像师会把光圈开到最大光圈的时候，会出现大量光晕影响画面。所以控制灯光照度是一场节目和正常晚会灯光控制的一个重要因素。
（六）演播厅灯光布光特点
画面形象来源于生活，而电视画面是再现生活的一个窗口，它是现实生活的真实反映，为了布好光能充分体现画面的空间深度和物体的立体形象，对于人物的布光一般都是三点式布光规律，这样更能体现空间感和立体感，所谓“三点式布光”就是以主光、辅助光和轮廓光为主来进行仅此只对于人物布光基础，综艺类访谈节目注重与观众的交流和氛围的营造，其主题鲜明，内容丰富、形式新颖、场面宏大、具有很强的艺术感染力。综艺类访谈节目中的灯光构成是一个相当复杂的系统，由于综艺类访谈节目本身是一种综合性的艺术形式，因此其灯光的处理方法不同于戏剧、小品、歌曲、舞蹈等。
