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古人在文学创作中非常注重捕捉大自然中的客观物象，并且擅于利用感性思维来借景抒情，将文学创作和融景写情充分结合起来，从而在描写客观外在事物中寄托自己对生命的感慨，从而形成了丰富的审美意象。“桃”在古代文学中有着重要的地位，自古以来，中国人对桃寄托了深厚的情感。桃在我国的历史悠久，分布在中国各个地区，并且人们在栽培、使用以及食用上开发了多种方式。人们非常重视“桃”，在日常生活中随处可见桃树，这也给古代文人创作提供了充足的题材，“桃”和人们的生活、体验以及情感密切联系起来，“桃”具有丰富的表征意象，在历朝历代的文人创作中，都喜欢用“桃”的意象来指代自身的情感，充分体现“桃”的象征意义。由此可见，古代文学中“桃”的审美意蕴非常丰富，值得人们推敲和研究。
一、“桃”的美感特征
桃花、桃树的形态非常优美，桃花的花朵比较浓密，并带有一种妩媚的丰腴美。桃花盛开在阳春三月，气候怡人，成片的桃花能够展现出别具一格的动态美，桃花嫣然、如彩云、锦霞一般，其艳丽妩媚超过了其它所有花卉。自古以来，我国的文人骚客有很多以“桃”为主题来写作的诗文，在诗歌作品中不仅具有妩媚，而且伴随着清风，带给读者清新自然、舒爽怡人的感受。《诗经》中描写“桃”的诗篇非常多，这些诗篇中无不寄托着诗人的爱情。在宋代诗人陆佃的《埠雅》写到“梅花优于香，桃花优于色。”由此可以发现，古代文人对桃花的花色之美非常赞誉，古代文人在文学创作中把桃花的物色和中国传统文化密切结合起来，从而形成了一种独特的象征意蕴，起到抒情表意的作用。后来，桃花逐渐脱离自然物象，并开始赋予了别具一格的文学意象，桃花的独特文化意蕴使其能够充分行使自身的社会文化符号功能。在理解桃花的观念形态意义时，必须深入了解桃的枝、叶、花等生物特性。
二、“桃”象征了季节物语和爱情婚姻
“桃”生长于阳春三月，作为春天的代表性植物，象征着春天的来临。在早春刚刚来临的时节，桃花的荑萼满枝，逐渐开始呈现红色，给碧绿的春天画上一抹明丽的红色。在宋代诗人黄升的《重叠金•除日立春》有这样一句描写春天的诗句“一笑绕花身。小桃先报春”，这也体现了在春天来临的时节，桃花最是先绽放的。在我国古代诗词中通过用桃花来歌颂春天的美景。就像《采桑子》中写到“桃花已作东风笑，小蕊嫣然，春色喧妍。”桃花和东风在春天到来的时候一同出现，象征着生命的蓬勃生机，这也是春天来临的重要昭示，早春时节，万花齐放。同时，“桃”也充分象征了古代文人的爱情婚姻，桃花盛开在阳春三月，爱情也是发生在三月份的春季时期，桃花是象征着婚爱的重要景物，春季时期也是发生婚嫁和情爱最频繁的时期。在春天时节，运用桃花作为婚嫁的点缀物，能够充分描述女子对爱情的渴望。桃花通常用来比喻年轻貌美的女子，也就是婚嫁爱情中的主人公。在现代生活中也有常以“桃花运”来象征女子和爱情。当人们的爱情产生裂痕时，或失去爱情时，把桃花比喻成飘落成泥，让人们产生了一种怜惜叹惋感。例如：唐代著名大诗人陆游曾经和唐婉分手之后，见到飘落的桃花，从而有感而发，写下了《钗头凤》这一著名的词曲，其中有这样一句描写桃花的词句“桃花落，闲池阁。山盟虽在，锦书难托。莫、莫、莫！”，这代表着桃花已经飘落，美好的爱情变成了回忆，诗人对爱情的叹惋。自古以来，许多文人骚客以“桃”为主题描写了一系列动人的爱情故事，在唐代文学中，以明丽优美的桃花景色为主题，咏叹了诗人对红颜知己的惋惜，对爱情的向往，寄托了丰厚的情感意蕴。唐代著名诗人李熠在《蝶恋花》中写到“桃李纷纷香暗度”，诗人利用“桃花”诉说了自己对红颜知己的阑珊意蕴，惋惜女子的容颜和桃花一样，消逝的速度非常快。
三、以“桃”隐喻个体生命和道德人格
（一）对个体生命的隐喻
在古代的文学创作中，“桃”的意象和古代美貌女子具有异曲同工之妙。桃花和传统的“梅、兰、竹、菊”等植物相比，在喻示文人风骨上具有鲜明的性别特征。桃花盛开在阳春三月，花朵比较艳丽妩媚，姿容丰腴，正是由于桃花具有这种独特的美感形态，才能让文人诗客们联系到青春曼妙的女子容颜，以桃花来形容女子的美丽容颜和婀娜身姿，不仅体现了桃之美感，而且也反映了女子的妍丽，在诗经中曾经有记载“桃之夭夭，灼灼其华。之子于归，宜其室家”，桃花的生物特性和年轻貌美女子具有较大的相似性，形态比较端庄、颜色妍丽，具有淡淡的香气，能够让人们感受到自然朴素感，这也是我国古代文学史上最具有代表性的桃花喻美人诗词。在我国古代的文学作品中，出现了许多桃李佳人的案例，而且自魏晋时期以后，文人在描写女子妆容时，采用更加细腻的笔触来进行描写，在诗词中出现了许多带有“桃”字的词汇，例如：“桃脸”、“桃花面”等等，通过红艳的桃花形容了灿烂的少女面庞。而且在描写桃花的诗词作品中，把“人面”和“桃花”密切联系起来，能够让人们在头脑中感受到美人如花的美好意境。自此以后，在我国古代文学作品中经常出现“人面桃花”这一固定词语。此外，“桃李”的结合应用，用来表现教师育人，从西汉时期著名诗人韩婴的《韩诗外传》中写到“夫春树桃李，夏得阴其下，秋得食其果”，在春天种下桃树和李树，在秋天能够收获到果实，在培养果实时，必须选择具有价值的培养对象，才能获得良好的结果。在我国的诗词作品中，经常可以看到“桃李门墙”、“桃李满天下”的说法。
（二）以“桃”来比喻道德人格
“桃”不仅可以象征个体生命，而且可以比喻道德人格。“桃”代表了正面人格，正所谓“桃李不言，下自成蹊”，也就是说桃树和李树在平时安静生长、开花以及结果，从来不会大声宣扬，但是能够吸引大量的人群来乘凉、品尝果实，长此以往，在桃李树的下面形成了一条小路。古人运用“桃”的正面意象来象征古人的精神品格和崇高境界。同时，许多风流才子喜欢运用桃花来作诗，在字里行间表现了一种超脱于凡俗的境界，能够引起了文人雅士的赞赏和喜爱，也可证明桃花代表了一种洒脱的心态。此外，“桃”也象征了一种“负面”人格，诗人在认可“桃”的同时，也存在着许多对立声音。唐代著名诗人李白曾经写到“桃李卖艳俗，路人行且迷”，其中以桃花来作为讽刺的对象，表明桃花过于艳丽，路人在观赏桃花时，容易被桃花艳俗的外表迷惑。桃花不像梅花一样坚毅果断、松柏一样坚贞伟岸，自身没有任何优点。
四、“桃”所表现的生命意蕴和人生感悟
古代诗人在文学创作中非常注重“天人合一”的思想理念，认为万物都有属于自己的灵性，“桃”作为一种最具有寓意的植物，最早进入了文人的创作视野。桃树的叶子非常茂盛，花朵非常艳丽，以“桃”作为祈求对象，能够使自己的宗族生生不息。桃花盛开就像人的青春一样，绽放时间非常短暂，很快就会消失。所以桃花主要用来比喻红颜薄命的女子，和女子的命运密切相关。在《葬花吟》中曾经写到“试看春残花渐落，便是红颜老死时”，其中桃花寄托了林黛玉一生的感悟和人生宿命，当读者在吟读这句诗词时，就会感到黯然神伤。
五、桃代表了人们心中理想的世界
在我国的原始社会形态中，存在许多群体祭祀活动，而这些群体祭祀活动大多选择桃林作为祭祀地点，这也为桃树赋予了非常浓厚的宗教色彩。在我国的古代神话传说《夸父逐日》中曾经写到“弃其杖，化为邓林”，夸父把手杖抛弃之后，形成了“邓林”，也就是人们常说的“桃林”。自此以后，桃树一直作为古代历史上夸父族的图腾，作为人们重要的精神象征，对神灵的敬畏。同时，桃树的寿命非常短暂，然而在我国的古代文学作品中，却记录了大量关于桃树的资料，其用来代表“长寿”的仙家之物，在《西游记》中曾经写到，孙悟空偷吃蟠桃，获得了高深的法力和寿命。自此以后，在人们祝寿时，通常需要吃“寿桃”，寄托着我们的祝愿。
六、结语
自古以来，桃花一直顺应自然、适时开落，是广大文学作家们进行文学创作的重要素材，“桃”具有丰富的审美意蕴，能够带给人们一种独特的意蕴感受。
参考文献：
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［2］童文俊．浅论古代散文与现代散文中"言、象、意"背后的审美意蕴———以八上《桃花源记》和《背影》为例［J］．中学课程辅导：教学研究，2016（32）．
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［4］曾蒸．浅谈艺术鉴赏中的审美意蕴［J］．科技展望，2016，26（24）．
16世纪法国文学是文艺复兴时期的文学。文艺复兴是欧洲人文历史上最重要的时期，为灿烂的现代文明打下了坚实的基础。从中世纪以“神”以“上帝”为中心的时代，走向了以人为思考中心的新时代。在哲学、美术、文学、建筑等领域内，都产生了伟大的作品。从整个法国文明史的角度来讲，文艺复兴是唯一一个产生了众多文化巨人的时代。
法国在文艺复兴的潮流中，处于相对落后的状态，但是后来居上，受到了英明的国王弗朗索瓦一世（Fran?ois Premier）的大力支持。他将许多意大利的大艺术家请到法国，从而讲文艺复兴的精神传遍了整个国家。
由于中世纪的僧侣和学者都用拉丁语进行写作，所以对法语的发展与完善十分不利。法国学者们迫切地希望法语能够达到与拉丁语一样的地位，与已经发展起来的意大利语平起平坐，所以必须通过大量的文学创作来丰富法语，通过文学规则来规范法语。当时的主要文学体裁是诗歌，所以诗歌就成为文学创作与规范最重要的阵地。
龙沙（Ronsard）是“七星诗社”中最重要的诗人。他精通多国语言，对古希腊罗马文学十分了解。他在结识了另一位诗人杜贝莱之后，志同道合，共同提出了许多诗歌见解， 与1549年成立了“七星诗社”，成为法国第一个诗歌组织。他们发表了著名的宣言《保卫与发扬法兰西语言》，提出了诗人关于丰富、发展法语，进行诗歌革新的基本观点。
七星诗人强调摹仿古代，并在摹仿中进行创新。七星诗社的诗人们从事过各种创作，如爱情诗、圣诗、科学诗、宫廷诗、史诗、诗歌评论、喜剧、悲剧、文艺批评和翻译等，他们的诗歌声望很高。他们要用法语创作民族新诗，创作出可以与古代诗歌相媲美的法国诗歌，从而达到统一，完善法语的目的。具体而言，他们提倡运用“亚历山大体”进行诗歌创作，奠定了许多诗歌的原则，对后来法国诗歌的演变起到了至关重要的作用。他们在发展语言方面的贡献相当具体，从词汇的变迁，到修辞的运用，在他们的诗歌中得到充分的体现，进而影响到整个社会。他们的诗歌韵律优美，形式精巧，融自然与艺术为一体。
一、抒情诗
在现代人的思维中，抒情诗即指诗人用来抒发对人类、社会、大自然等思想感情的诗篇；这些诗同英雄史诗等其它诗歌体裁一样，只能用于阅读和朗诵。然而，如果探究法国抒情诗产生的根源，我们会发现抒情诗(Le lyrisme)一词是由古希腊的竖琴里拉(La lyre)演变而来。事实上，无论是在法国还是在古希腊，抒情诗最初都是一种配乐诗，它的诗句往往伴有一种固定的旋律或曲凋。因此，音乐性强就成了抒情诗的一大特征。
杜贝莱是一位抒情诗人，以十四行诗的巧匠载入法国诗史。十四行诗是一种短小而要求严格的诗体。法国式的十四行诗由四节诗组成（4+4+3+3），杜贝莱运用起来得心应手。他善用跨行、倒装、中间停顿，韵律丰富。喜用对比和词语重复（如“罗马是罗马的唯一纪念建筑，也只有罗马才能将罗马制服”），产生特殊效果。时而用一个明晰的画面描绘罗马的壮美或衰败，时而用细节的罗列表达事务的繁琐。开首以比兴手法，借神话比喻；结尾常用一个判语、一个警句或一个引人回味的画面，议论雄辩有力。
龙沙也是个抒情诗人。他的抒情诗渗透了他的人文主义思想，表达了对大自然、爱情和人生乐趣的爱好和追求。龙沙被称为爱情诗的圣手。他用最美好的、最高级的形容词去赞美意中人，也用启发的方式委婉的描绘爱情，时而也描绘感伤式的爱情。这类诗歌在赞颂之中有劝告，平静的语调带感伤。
龙沙的诗歌感情真挚，流畅自然，韵律和谐，节奏多变；他发现了十二音节诗行的价值；他对古希腊古罗马文学和神话传说了解深入，有多方面的诗才。
二、讽刺诗
16世纪早期的诗人马罗（Clément Marot）是个讽刺诗人。《地狱》鞭挞司法机构施行酷刑，把沙特莱监狱比作地狱，把酷吏写成魔鬼。《重罪法庭法官和桑布朗赛》（1527）指斥法官为“地狱判官”，认为他才该上绞刑。《流亡斐拉拉，致国王书简诗》（1534）怒斥法官将一文不名的无辜者判刑，索邦学院敌视文艺，教士饕餮嗜酒，自称“为了替神圣的教会效劳，理应有些恶习”。
杜贝莱（du Bellay）是“七星诗社”的另外一位领军人物。他出身于安茹的名门世家，自幼父母双亡，身体羸弱，生活悲苦。1545年在普瓦蒂埃大学攻读法律，学会拉丁文。1547年与龙沙相遇，到巴黎求学于多拉，接受了人文主义思想。1549年起草《保卫和发扬法兰西语言》。1550年发表《橄榄集》（Olive）。1553年，他作为总管跟随亲戚红衣主教到罗马，眼界大开。他在意大利写出几部诗集，1558年回国后发表了《罗马怀古集》（Les Antiquités de Rome）、《怀念集》（Les Regrets）和《村戏集》（Les Jeux rustiques）。他看不惯佞臣，写出《宫廷诗人》（1559）；他关心人民疾苦，写出《关于法兰西王国四个等级呈国王的时论诗》（1559）。
杜贝莱是一个出色的抒情诗人，同时还是一个出色的讽刺诗人。他虽然生活在恶浊的上流社会，却决不愿同流合污，他以清醒的目光观察世事，在笔端流露自己的愤懑。在《怀念集》中，在罗马教廷，他随处看到阿谀逢迎、耍弄权术的奸佞，他们“步履稳健庄重，眉宇严肃认真，/对每一个人投以莞尔一笑，/仔细字斟句酌，回答摇头晃脑，/或说声‘不，先生’，或说声‘是，先生’。”他们用稳重的外表掩盖空虚的心灵，而假冒为善“是宫廷最大的美德”。
杜贝莱对红衣主教毫不留情，描写他们权欲熏心，觊觎教皇的宝座。杜贝莱对法国宫廷的那些“宫廷的老猴子”也嗤之以鼻。大臣衣着华丽，举止模仿王爷，只会拍马奉承：“如果主子嘲弄，他们一样照办；/如果主子撒谎，他们不反其意：/为了取悦主子，他们看到的是，/正午升起月亮，午夜太阳灿烂。”杜贝莱的讽刺善于勾画形象，写出奸臣的虚伪和丑态，笔锋犀利。行文中常插入议论，显示出诗人正直的、疾恶如仇的品格。
三、宫廷诗
龙沙1550年发表《颂歌集》（Odes），模仿品达和贺拉斯，歌唱爱情和故乡美景。《颂歌集》是他的成名之作，使得“颂歌”这一体裁在法国流行了很长时间，龙沙诗名大振，受到宫廷垂青，1558年他接替了宫廷诗人的位置，创作应酬诗和喜庆诗。他长期担任国王的宫廷诗人，成为当时最负盛名的“诗人王子”。但作为宫廷诗人，歌功颂德之作经不起时间考验。
16世纪早期的诗人马罗（Clément Marot，1496-1544）。他十岁时他来到宫廷。1519年成为玛格丽特•德•纳瓦尔的侍从和喜爱的诗人。马罗的成功在于他不是循规蹈矩地当他的宫廷诗人，而是勇敢地面对社会，面对生活，并在诗艺上不断进行探讨和摸索。他强调用词的准确和表达的简练，他的诗语言简朴而灵活多变，形象生动而很少用夸张比喻之类的修辞手法。
16世纪法国文学在很大程度上与宫廷有关。掌权者将文人请到宫廷，同时他们的命运也与宫廷联系在一起。诗人的大部分作品也都反映了法国16世纪王宫贵族的生活。
在欧洲各国文学中，文学与政治的关系都非常紧密。但文学与政治的联系方式却有所不同，英国作家相对超脱，德国作家比较逃避，法国作家则对政治十分关注并全心投入。英国作家之所以相对超脱，是因为英国除了上层的宫廷贵族文学外，还有民间下层的市民文学。再看德国，由于落后的政治专制，德国一直到了19世纪都缺乏起码的言论自由和出版自由。在这种情况下，德国作家只有流亡到英国等其他国家才能发表自由的言论，呆在国内，就只能思考一些与现实政治无关的形而上学问题，于是导致了德国相对超越现实的思辨哲学的发达，而关注现实政治的文学相对滞后和贫弱。
法国的情况却大有不同。法国作家对政治非常关心了，与政治的关系很紧密。长期以来，由于法国文学艺术的中心在宫廷和贵族府第沙龙，文学艺术家依附宫廷或达官贵人、靠赏赐和俸禄维生并逐渐形成了一种传统，但依附政治，依附权力，作家寄人篱下，生活不稳定，甚至也不安全，目睹政治腐败，或失去恩宠后很容易产生绝望与反抗情绪，形成了作家与宫廷政府、与达官贵族之间的矛盾冲突。
16世纪法国诗歌，无论是抒情诗、讽刺诗、还是宫廷诗，无论描述爱情，赞美大自然还是讽刺宫廷的虚伪，都是法国灿烂的古代文学的一个重要组成部分，法国古代诗歌在主题和形式上都是多种多样，兼容并包的。另一方面，从文艺复兴法国古代诗歌开始，法国文学与政治的密切关系，即文学的“介入现实性”，就已经逐步显现出来。通过对16世纪法国诗歌艺术的学习，我们大致能够感受到法国诗歌文学的这一鲜明特征。
参考文献：
[1] 郑克鲁．法国文学史教程．北京：北京大学出版社．2008．1
成立于1922年4月的湖畔诗社，是中国新诗史上的第一个诗歌团体，主要成员为应修人、汪静之、潘漠华与。他们以“放情歌唱”的姿态，在当时的新诗坛上崭露头角。他们的新鲜诗风更得到了朱自清、、废名等文坛大家的肯定与欣赏：朱自清认为他们是第一批专心致志做情诗的诗人，废名称许他们“无所为而为”的作诗态度，则形象地将他们的诗歌喻为“天足”。
诚如所言，相较于早期新诗人的“放脚体”，湖畔派诗歌的新鲜特色是可以“天足”喻之的。然而，读过私塾的他们，亦接受过古典文学的熏陶，他们的诗便自然地浸润了古诗的营养。只是深受新思想影响的他们，又以现代人的情思、现代人的手法“与古为新”，从而展示出新鲜活泼的诗歌风貌。本文主要以他们的早期诗歌，即《湖畔》、《惠的风》、《春的歌集》中的诗歌为例，来考查他们对古代诗歌的借鉴与创新。
一.古诗意象的现代抒写
在湖畔派诗人的早期诗歌里所吟咏的意象：或是娇舞的柳丝，或是乱飐的晓风，或是纷飞的落叶，或是恋花的蝴蝶，无一不是传诵千年的古典意象。然而，在他们的放情抒写下，这些古诗意象都蕴含了新鲜的现代意涵。本文不妨以典型意象——“柳”为例，来论述之：
在中国传统文化中，柳以其独有的特质，点缀着古典诗词，是中国古代文学中的一个符号化的重要意象。在湖畔诗人的早期诗歌里，“柳”也是反复出现的意象之一。他们的笔下不时抒写着柳树的倩影：或是着了春色，还只“抽出些又纤又弱的柳条儿”（《新柳》）；或是弯着身侧耳“听湖里鱼们底细语”（《杨柳》）；或是“几天不见”，便换了更清丽的新装（《柳》）。身处“浓妆淡抹总相宜”的西子湖畔，诗人们眼中的“柳”皆是娇柔而美丽的，与古诗里“弱柳扶风”的特质相一致。然而，因 “柳”与“留”谐音，古诗中的“柳”常含离别之义。早在《诗经·采薇》中便有“昔我往矣，杨柳依依”之句，北朝乐府民歌《折杨柳枝》也表达了这种离别之义，发展到后来，折柳送别已成习俗。①既是离别，必含离愁。故而，古诗中的“柳”往往承载着离人的千愁万绪：“柳条折尽花飞尽，借问行人归不归”、“西城柳柳弄春柔，动离忧，泪难收”等古诗词无不借杨柳抒发离别的愁思。
湖畔诗人笔下的“柳”虽是自古有之的“扶风弱柳”，但其意涵已不只是离愁别绪，而是富含时代的气息，乃是出自现代人笔下的新“柳”：在他们天真的笔触下，“柳”是顽皮可爱的：“杨柳弯着身儿侧着耳，/听湖里鱼们底细语；/风来了，/他摇摇头儿叫风不要响”；“柳”是清丽娇憨的：“几天不见，/柳妹妹又换了新装了！/——换得更清丽了”；此外，诗人更赋予“柳”以顽强的生命力量，兼有奉献的情怀：“春寒还重呢！柳呵！你这样地抽青，是为你底生命努力吗？还是为要给太阳底下底行人造成些伞盖吗？”这些都是古诗中所不曾有的新鲜意涵，是湖畔诗人以现代人对自然物的审美直觉所感受到的自然美，也是以五四新人的生命热情所赋予的现代精神，即便是同时期的新诗人都深深佩服他们的生新力量。
二.古诗情致的现代呈现
诗歌作为一种抒情体裁，所抒之情不外爱情、亲情、友情及山水家国情等，然而时代的变更却使情感内涵发生了相应的变化。湖畔诗人是以大胆的情诗闻名诗坛的，因此关于他们情诗的论述不胜枚举，此处只择取他们笔下情诗之外的诗篇。爱情之外，他们着笔最多的则是游子乡思之情，尤以潘漠华为代表。
湖畔四诗人中，“最苦”的潘漠华笔下的“游子乡思”最多，且多取思于孟郊的《游子吟》：如《游子》里“破落的茅舍里，母亲坐在柴堆上缝衣”；《离家》里“我底衫袖破了，我母亲坐着替我补缀”等，都使人联想到“慈母手中线，游子身上衣”的情境来。然而，相较于《游子吟》中委婉含蓄的情感抒发，潘漠华的思亲之情则在反复的直道中，“不胜掩抑之致”：“母亲底悲苦，从衣缝里出来；/姊姊底悲苦，从头发里出来；/哥哥底悲苦，从手掌心里出来:/他们结成一个缜密的悲苦的网”，将他整个地网着（《离家》）。正因悲苦，故归家时他“想戴着假面具，/匆匆地跑到母亲面前”，这样他便可流泪在里面，母亲则能相见而笑（《归家》）。在诗人天真奇特的想象里，饱蘸着凄苦难言之情。同是游子思亲，较之孟郊，潘漠华以参差的句式，交错的音节衍生出更多的内心情致来。朴实如话的语言里浸透了深刻的情感，读之如在目前，感同身受。
游子情思之外，友情也是湖畔诗人常咏之情。虽脱胎于古诗，有着明显的古诗情调，但不拘于音韵形式，因而能真切地将自己的情感呈现在读者面前。因着他们的童心未泯，这些诗里也满溢着浓浓的童趣。如的《小朋友》写他与一个不相识的小朋友的“友谊”，他们相遇“在杭州最寂静的那条街上”，互不相识，只是一笑一问，却难忘而再寻。诗中的情境与古诗里“倾盖如旧”或“儿童相见不相识，笑问客从何处来”相似，但以自由白话写之却更具童真童趣，是古诗里所没有的新鲜气息。
三.古诗手法的现代表达
我国的古代诗歌最常用的手法为“比”与“兴”，二者都是以间接的形象表达情感的方式，故后世往往比兴合称，用于指通过联想、想象寄寓思想情感于形象之中的创作手法。汲取着古典诗歌营养的湖畔派诗歌亦常用此法，或比或兴，表现出与古代诗歌一脉相承的艺术追求。
如应修人的《妹妹你是水》，将情人比作水，流淌着无尽的柔情蜜意：“妹妹你是水”，“自然地引我忘了归路了……”；汪静之将情人的眼一一比作“温暖的太阳”、“解结的剪刀”、“快乐的钥匙”和“忧愁的导火线”（《伊的眼》），表达了对恋人一颦一笑的倾心失落；潘漠华将自己的心比作黑夜，传递出无限的哀婉沉悲：“我底心像个黑夜：/满天星在流陨，/一林柯叶在微语，/秋神也在曼吟而迟步。”（《夜》）随着所比之物的不同，他们的笔下表现出不同的情思，但都“行行是情流，字字心”（《偷寄》），他们的“比”与古诗中“红颜祸水”、“眼若秋波”、“心似春水”等比喻不同，如水的“妹妹”让“我底心儿”恣意游泳，伊人的眼睛让“我被铐的灵魂”得到了自由，皆出自胸臆，发自肺腑。诚如汪静之所言，他们极真诚地把‘自我’融化在诗里，所抒之情皆从心底涌出，自笔尖溢出。②因着他们的真诚不拘，笔下所表现的乃是现代人的觉醒，是现代人的情感体验。
湖畔派诗歌亦常用“兴”的手法，先言自然事物，再发内心情感。如的《有水下山来》，即先言水流带红叶，再寄寓自己的情思：“有水下山来，/道经你家田里；/它必留下浮来的红叶，/然后它流去。……”再如《拾首春的歌》中“没有一株杨柳不为李花而颠狂，/没有一水不为东风吹皱，/没有一个恋人/不为恋人恼着”等。这些诗先兴后咏，情致婉约，深得《诗经》中爱情诗的神髓。然而，《诗经》中咏歌的爱情固然真诚大胆，却因句式的整齐，音韵的拘囿，而更多的是“温柔敦厚”的情趣。的诗歌则因自由的形式，不拘的音韵，使咏歌的相思新添了现代人的自由风貌。他放情地歌唱着对“村野里的姑娘”的相思与倾慕，蕴藉外不失热情，贯注着追求自由恋爱的新鲜朝气，这是产生于远古时期的《诗经》里所不曾有的气息。他是以古诗的手法表达现代人的情思，古诗的手法遂也增加了新的意涵。
湖畔派诗人既取思于古诗里的经典意象、日常情思与主要手法，又以自由的白话，不拘的音节使这些古诗意象、情思、手法生发了新鲜的现代蕴含。对古诗意象的现代白话抒写，对古诗情致的现代情感呈现，以及对古诗手法的现代意涵表达等，都是“与古为新”的，既有借鉴，更有创新，为我们展现了一幅幅朝气蓬勃或真情流溢的美丽诗卷，确如废名所赞：“只觉得这里有朝气，这里好像真有手里底喜悦，足里底喜悦，眼里底喜悦，发里底喜悦”，“诗里的空气如此，写诗的文字如此”。③
注释：
①郑宏：《浅谈古典诗词中的柳意象》，《名作欣赏》，2000年第5期。
说到苏菲诗歌，它可是历史非常悠久的，在苏菲的产生同时苏菲诗歌也开始兴起了。伊历二世纪时期，苏菲的雏形就已经诞生了，在当时有很多苦行者开始通过诗歌的形式来记录并且表达自己的心路历程。苏菲诗歌有一些专有的特点，那就是歌中会经常出现酒、女人以及自然界各类的事物等等这些词汇。苏菲诗歌因它特有的细腻温婉的艺术特点，为阿拉伯的传统文化添加上了美丽的一笔，使阿拉伯文化更显妩媚和神秘。本文将从以下的几点中阐述苏菲诗歌特有的象征表达和它的文化意蕴。
一、阿拉伯传统的诗歌中对于酒的描写
早在蒙昧时代，诗歌就是一种特有的表达形式，阿拉伯人将饮酒看做是一种人生的乐趣，那么自然而然的，喜酒的诗人就会将酒融入诗歌之中。阿拉伯诗人不厌其烦地将酒引入诗歌之中，既描写出了酒的颜色，又描写出了酒杯的样子、颜色以及大小，甚至于对酒的名称也十分的讲究，“吉阿”指的是由麦子酿成的酒品，“比提阿”指的是由蜂蜜酿成的酒品。可以看出，在阿拉伯这个神秘的国度，人们对酒的喜爱和讲究历史悠久。
而阿拉伯人从古时候开始就借酒来抒发自己的情绪，在酒的作用下可以将现实中的烦恼抛至脑后，让思想能够无拘无束的释放出来。从另一方面来讲，诗人内心的细腻和丰富的感情也被激发到了极致。所以，一些阿拉伯人一致认为酒才是诗歌产生最好的助手。不论何时的诗人，在对酒抒发内心情感的同时，也总是携带着对酒的痴迷，因为饮酒可以让他们的思想自由翱翔，这正是诗人们喜爱酒的原因，从饮酒诗中我们就可以看出，阿拉伯诗人对美酒真挚之情的吐露，同时，这也成为了诗人们的创作的热情的结晶。在美酒的基础上，诗人通过对想象力的渲染，变成了现实与浪漫主义的完美结合，创造了无数的流传至今的艺术精品。
二、苏菲诗歌中酒的意义象征
苏菲诗歌中对于酒的描述和苏菲的历史同样的悠久。在伊历二世纪，苏菲诗歌对酒的描写就开始兴起了。在苏菲诗歌第一代中，我们可以清楚的看到“迷醉”以及“清醒”等字眼，它们的最原始的意思当然与酒有着密不可分的关联，在那之后，它就演变成了苏菲诗歌中的一种专门语言。由此我们可以得出两条结论：在伊历二世纪苏菲诗歌对于酒的描写开始兴起。诗歌中“迷醉”、“酒友”、“狂欢”“尽兴”等等词汇并不是诗人们凭空想象而来的，而是根据早期时代的诗歌进行了引用。
在苏菲诗歌中，对于喝酒的描述有三种方式：品尝、畅饮、饮酒，细心的苏菲学者们还给出了详细的分析。当人们逃离了自己的私欲，变得思想纯洁的时候，才算是进入了品尝这一境界；当一个人一直喝酒但还保持清醒时，那么这就是畅饮；当一个人喝酒喝到意识迷糊的时候，这时方为饮酒。如果一个人，不因喝酒而受到影响，并且不会因喝酒改变了他的特征，那么他便是一个平静而稳定的达到一定境界的人。艾布·麦德也奈（1120-1197）曾这样写道：她不是葡萄酒地不是醉人的酒/现世里不曾有/}L是美丽装扮的光辉海一处皆有玄妙。很明显，诗人口中的就并不是我们所说的真正的酒，而是一种意识的反应。在这里，艾布·麦德也奈讲述了他遇到了美丽的绚烂的光，难以置信的光，这与很多苏菲诗人的感受是一样的。
三、女人与爱情的意义象征
几乎在所有的传统诗歌中女人和爱情都是永恒不变的主题。在阿拉伯早期的诗歌中，大多都是以废墟和爱情来做开头的诗歌，比如诗人会在诗歌的开头描写，面对着爱人的故居，心情感情的变化，会回忆起以往美好的时光。在这样的爱情诗歌中，有关于对纯真的爱情，也有关于开放的爱情的描写。以两情相悦作为基调的纯正爱情诗歌中，没有太多的情和欲，没有太多的自私的目的，一切都是爱情至上。这种描法可以在早期的名为盖斯·穆兰吾哈的诗歌中看到，他与莱伊两人的唯美爱情故事如今已成为了千古绝唱，被人们誉为是阿拉伯人的“梁山伯与祝英台”，同时盖斯·穆兰吾哈也被人们誉为是苏菲情诗的创始人。
四、自然界的意义象征
说到道大自然，就会让人们联想到神秘这个词，大千世界为自然最为神秘，对于社会发达的当今世界来说，大自然仍然是一个不解之谜。对于古代的人来说，大自然更代表了伟大和神奇，人们对它顶礼膜拜，大自然一直富有着神秘色彩和苏菲的追求境界不谋而合，所以，神秘、深邃就变成了苏菲诗歌的象征意义。对于大自然中的万千景象，每个人的感受是不同的，有悲伤、有快乐、有幸福也有痛苦。而用苏菲的眼光去看这个世界，虽然纷繁复杂，各型各异，但万物确是一体的，这也就是苏菲的一种名为“存在单一”理论。苏菲文化所追求的就是能够脱离本体的束缚，让思想灵魂放飞。就像鲁米写的一样：艾斯利的废墟/我童年和青年嬉戏的地方/昨天它还是青翠嫩绿冷天却已干旱贫痔。
五、结语
苏菲诗歌让人们感受到了无尽世界中所表达出的内心世界，让人们沉醉其中并被其深深的折服。苏菲诗歌表现的十分茫然且不知所措，直到寂灭在对真主真诚的挚爱中。苏菲诗歌同样也是充满了浓郁的情和爱，让人们感受着人世间最美好的一面。我们需要深入的去了解和感受苏菲诗歌中的含义与寓意。只有这样，我们才能真正的将阿拉伯文化中的一颗明珠真真正正的珍藏于心。
参考文献：
[1]韩中义.西域苏菲主义研究[M].中国社会科学出版社，2008.
[2]〔埃及〕艾哈默德·爱敏.阿拉伯—伊斯兰文化史[M].商务印书4g，1999.
爱情，是人类社会文学艺术和诗歌的永恒主题，是古今中外无数诗人吟唱的人性中美好的情感。爱情的主题是诗歌最普遍的源泉，由于社会环境、文化背景、所受教育、历史传统等方面的差异，中西方在诗歌方面也存在不少的差异。这个世界的人们对爱情都怀有共同的心理诉求，这就是各个国家，各个民族都能跨越语言屏障，彼此欣赏有关爱情主题文艺作品的基础。中西爱情诗歌所拥有的共同主题就是诗人们以饱蘸情感的笔墨，表达他们对爱情的渴望与对爱情的礼赞，描摹他们心目中理想中的爱人形象，抒写得到爱情后的幸福，愉悦及所爱的人生离死别的痛苦，忧伤。中西爱情诗歌不仅内容各有侧重，而且风格也各具特色。中国古代爱情诗多是哀婉朦胧，含蓄隐曲的。而西方爱情诗歌则多偏于宣泄，热情似火，直抒胸意。
本文将徐志摩的《雪花的快乐》和彭斯的《A Red，Red Rose》进行对比，从而进一步了解并欣赏中西方诗歌中对爱情表达方式的不同。
中国诗歌中对爱情的表达相对含蓄，含蓄是中国文学的本色，是不同于西方文学的一个显著特征。“义象贵含蓄”正是要求诗人不要把话说得太直、太露，而是要把意思隐藏起来，不是字面上的简单言传，而是言外之意须使人心领神会。具体说来，汉语爱情诗歌的含蓄主要表现在两方面：第一方面：重环境描写，这是由古人传统的作诗手法决定的。第二个方面：委婉表达，含蓄婉约之美是中国诗歌鲜明的特色。中国诗歌忌讳“说破”。“诗之美常常不在于说了什么，而在于如何个说法”。中国诗歌的表达常常不是一种一语道破、直露的表达方式，而是一种隐晦曲折的、婉转的、别出心裁的表达方式。
一.徐志摩《雪花的快乐》中的情感表达方式
徐志摩在我国诗坛上，尤如一颗划破中天的流星，虽然短暂，却留下了惊人的光亮。他的诗歌，崇尚理想，歌颂光明，哲理深刻，内涵丰富，词句优美。读他的诗，使人感觉到诗里有一种对社会和人生的穿透力，而且回味性强，经得起长时间的咀嚼。《雪花的快乐》发表于1925年1月，收入《志摩的诗》中，是他前期作品的代表作，也是这本诗集里比较完美的一首诗。这首诗真实地反映了诗人前期的思想，也代表了诗人初步成熟的艺术风格。这首诗的最大特征就是巧妙地运用了象征手法。
假如我是一朵雪花，
翩翩的在半空里潇洒，
我一定认清我的方向
飞扬，飞扬，飞扬，
这地面上有我的方向。
不去那冷寞的幽谷，
不去那凄清的山麓，
也不上荒街去惆怅
飞扬，飞扬，飞扬，
你看，我有我的方向！
在半空里娟娟的飞舞，
认明了那清幽的住处，
等着她来花园里探望
飞扬，飞扬，飞扬，
啊，她身上有朱砂梅的清香！
那时我凭借我的身轻，
盈盈的，沾住了她的衣襟，
贴近她柔波似的心胸
消溶，消溶，消溶
溶入了她柔波似的心胸！
在这首诗歌中，现实的我被彻底抽空，雪花代替我出场，“翩翩的在半空里潇洒”。但这是被诗人意念填充的雪花，被灵魂穿着的雪花。这是灵性的雪花，人的精灵，他要为美而死。值得回味的是，他在追求美的过程丝毫不感痛苦、绝望，恰恰相反，他充分享受着选择的自由、热爱的快乐。雪花“飞扬，飞扬，飞扬”这是多么坚定、欢快和轻松自由的执著，实在是自明和自觉的结果。而这个美的她，住在清幽之地，出入雪中花园，浑身散发朱砂梅的清香，心胸恰似万缕柔波的湖泊！她是现代美学时期永恒的幻像。对于诗人徐志摩而言，或许隐含着很深的个人对象因素，但身处其中而加入新世纪曙光找寻，自然是诗人选择“她”而不是他的内驱力。与阅读相反，写作时的诗人或许面对窗外飞扬的雪花热泪盈眶，或许独自漫步于雪花漫舞的天地间。他的灵魂正在深受囚禁之苦。现实和肉身的沉重正在折磨他。当“星月的光辉与人类的希望”令他唱出《雪花的快乐》，或许可以说，诗的过程本身就是灵魂飞扬的过程？这首诗共四节。与其说这四节韵律铿锵的诗具有启承转合的章法结构之美，不如说它体现了诗人激情起伏的思路之奇。清醒的诗人避开现实藩篱，把一切展开建筑在“假如”之上。“假如”使这首诗定下了柔美、朦胧的格调，使其中的热烈和自由无不笼罩于淡淡的忧伤的光环里。雪花的旋转、延宕和最终归宿完全吻合诗人优美灵魂的自由、坚定和执著。这首诗的韵律是大自然的音籁、灵魂的交响。重复出现的“飞扬，飞扬，飞扬”体现他酷爱自由，可为了实现理想，他宁可“消溶”，足以体现他的痴迷。全诗层次分明，段落简洁，章节明朗。从其艺术手法上看，是吸收了闻一多关于诗歌创作“三美”的主张。这首诗在音乐美、视觉美、意境美等方面确实下了一番工夫。他把古典诗词的形式美、意境美与现代诗的自由、洒脱巧妙地熔为一炉，实不愧为现代诗作的名作。徐志摩的诗歌，浸润着其社会理想和人生理想，超越阶级和时空界限，外在形式与内在结构高度和谐统一，具有无与伦比的美学价值，为中国新诗的抒情艺术树立了一块不朽的艺术丰碑。
二.彭斯《一朵红红的玫瑰》中的情感表达方式
与中国诗歌截然不同的是西方诗歌在情感表达方面注重“直接”。如果说“含蓄”是中国爱情诗的本色的话，那么“直接”就是西方爱情诗的显著特征了。西方爱情诗的直接也主要表现在以下两个方面：与汉语诗的委婉曲折，通过外在环境或具体、典型的外在形象的描写去激发读者的想象不同的是，西方诗人们注重主观抒情，喜欢用直抒胸臆的手法来讴歌爱情。关于这一点，首先，可以比较一下中西诗人在叙述方式上的显著差别。汉语情诗中，诗人们常常以一个旁观者的角度来描写恋爱中的人的喜怒哀乐，和诗中的主人公们总是隔了一层，多了一种冷静而客观的色彩，例如各朝代描写后宫宫女们的爱恨情愁的宫怨体诗歌就是如此。而在西方的情诗中，诗人们常常开口就是第一人称的直接的内心告白。Robert Burns在《a red，red rose》中用自己的奇思妙想从一个崭新的角度向世人诊释了他对爱人的炽热。
O，my Luve's like a red，red rose
That's newly sprung in June；
O，my Luve's like the melodie，
That's sweetly play'd in tune.
As fair art thou，my bonnie lass，
So deep in luve am I；
And I will luve thee still，my dear，
Till a' the seas gang dry.
Till a' the seas gang dry，my dear，
And the rocks melt wi' the sun；
I will luve thee still，my dear，
While the sands o' life shall run.
And fare-thee-weel，my only Luve！
And fare-thee-weel，a while！
And I will come again，my Luve，
Tho' 'twere ten thousand mile！
这首诗是彭斯诗集中流传最广的一首诗，诗人写这首诗的目的是送给他的恋人即少女琪恩。诗人在诗中歌颂了恋人的美丽，表达了诗人的炽热感情和对爱情的坚定决心。诗人这首诗是送给他的恋人即少女琪恩。诗人在诗中歌颂了恋人的美丽，表达了诗人的强烈感情和对爱情的坚定决心。这是彭斯最有名的爱情诗，节奏强烈，激情澎湃，很有感染力。作者没有利用环境去渲染，烘托气氛而是采取开门见山的的手法直奔主题，毫不掩饰。“ my Luve's like a red，red rose”写得十分热烈直接，激情飞扬。并用玫瑰来表达对爱人的的情感和留恋。在读者心中产生获取了强烈的艺术效果的同时，也凸现出诗中主体的鲜明形象。诗的开头用了一个鲜活的比喻DD红红的玫瑰.一下子就将恋人的美丽写得活灵活现，同时也写出了诗人心中的感情。在诗人的心中，恋人不仅有醉人的外表.而且有着柔美灵动的心灵，像一段乐曲，婉转动人地倾诉着美丽的心灵。
诗人对恋人的爱是那样的真切、深情和热烈。那是种怎样的爱呀！ 要一直爱到海桔石烂，爱的火焰在诗人的心中强烈地燃烧着，诗人渴望有着美好的结果。但是，此时的诗人已经是囊中羞涩.诗人知道这时的自己并不能给恋人带来幸福，他已经预感到自己要离去。但他知道这样的离别只是暂别，自己一定会回来的。
这首诗是诗人的代表作，它打开了英国浪漫主义诗歌的先河.对济慈、拜伦等人有很大的影响。诗人用流畅悦耳的音调、质朴无华的词语和热烈真挚的情感打动了千百万恋人的心.也使得这首诗在问世之后成为人们传唱不衰的经典。诗歌吸收了民歌的特点，采用口语使诗歌朗朗上口，极大地显示了民歌的特色和魅力.读来让人感到诗中似乎有一种原始的冲动。一种原始的生命之流在流淌。另外，诗中使用了重复的句子，大大增强了诗歌的感情力度。在这首仅仅有16句的诗中，涉及“爱”的词语竟有十几处之多，然而并不使人感到重复和累赘，反而更加强化了诗人对恋人爱情的强烈和情感的浓郁程度。
三.造成中西爱情诗歌表达不同的原因
（1）西方美学历来强调在审美或进行艺术创造时要遵循审美主题要主动地将“主气”，“灌注”给客体审美对象。西方哲学家都强调了主体情感的主动，积极的外射，比较直观外露，畅达热烈。中国的哲学思想与西方不同，因此，情诗也表达出不同的艺术魅力。在中国的哲学里，大自然的人鱼鸟兽，花草树木都是灵气之物。大自然包罗万象，生生不息。而人又居其中与其声息相通，如庄子所云“与天地并生，与万物并齐。”这物与人的情感相互感发，物情与人的心情交融合一，使传统美学不着重主体情感的单向投射，而是主张主体，客体之间的双向交流。这就是中国古代爱情诗之所以体现出朦胧含蓄之美的一个重要原因。西诗热情奔放，感情如火般热烈，其文字常常爽直率真，直抒胸臆，甚至直言不讳。而中国占诗则委婉含蓄，哀婉朦胧，迂回曲折，欲语还休。
（2）由于中国自古以来的儒家传统观念，男女之间必须遵守的道德理念一直深深的束缚着人们，也使他们的爱情受到道义责任的约束，因此男女在表达爱情显得含蓄委婉。和西洋诗相形之下，中国旧诗大体上显得感情不奔放，说话不唠叨，嗓门不提得那么高，力气不使得那么狠，颜色不着得那么浓。在中国诗里算是浪漫的，和西洋式相形之下，仍是古典的。在中国诗里算是痛快的，比起西洋诗，仍然不失为含蓄的。听惯大声高唱的他们只觉得低言软语。这里用来体现中西爱情诗的差异恰到好处。
（3）西方的爱情诗一般与表现人伦融合在一起，写人伦往往也以恋爱为中心。中国的爱情与人伦是有明显区别的。如果说西方始终重视男女的爱情，而中国的诗则更偏重于人伦。中国诗中表现亲友的交情和君臣的恩谊的内容几乎与爱情占有同等地位。在西方诗人中如歌德与席勒、华兹华斯与柯尔律治，济慈和雪莱，魏尔兰与兰波诸人虽也以友谊著，而他们的集中叙友朋乐趣的诗却极少。他们大量的写男欢女谑、男女情爱，从恋爱中去寄托人生的析理，去享受生活的无穷乐趣。
（4）中西爱情诗表达的侧重点不同。西方爱情诗多以追慕爱人，赞美爱情，勇敢追求爱情为主要内容，中国爱情诗则着重表达与恋人的相思别恨，悲欢离合。因此，闺怨诗、送别诗、悼亡诗在中国爱情诗中占有相当大的比重。
总体而言，中国的诗歌在吟咏爱情时往往都是遮掩式的，表现得较为含蓄和内敛，情调委婉、深沉、绵氏、隐约而又细腻入理，使读者有思考和回旋的余地，并讲究意境的渲染，独具中国园林式的美学蕴致。而西方爱情诗则热情奔放，犹如大河奔腾，直奔爱的主题。他们描写爱情总是比较喜欢竭力表述情感之深厚，写一种自然的、纯粹的爱情。西方的爱情诗，为表现那种汹涌磅礴的激隋，总是竭尽渲染夸张之能事，情感的表达是热烈奔放，原始狂野的。在表达方式上，西方诗歌以直接热烈深刻取胜，中方诗人则把“言外之意，味外之旨”作为艺术追求的目标，诗歌以含蓄微妙取胜。
参考文献：
[1]许杰.徐志摩新评序，胡凌芝：徐志摩新评[M].学林出版社，1989.
最近网上流传着这样的一句话：“待我长发及腰，少年娶我可好。”问世间情为何物，直叫人生死相许。古代的诗人啊，也难逃一劫。
1、引言
中国古诗歌语言精练自然，意境优美高雅，韵律和节奏韵味深长、抑扬顿挫、朗朗上口，形式一般工整对齐，是意美、音美和形美 （即本文所指的古诗歌的“三美”） 的三重凝聚。从翻译美学理论来看，译诗皆以译文是否传达原诗的美作为检验诗歌译文质量的最高标准。许渊冲关于汉语的“三美”扩展到中国古代诗词的英译与英译研究中， 他主张应先追求意美， 其次求音美， 再求形美， 并力求三者统一。从意美 、音美 、形美 角度赏析《长恨歌》的许译本和杨译本两译本， 我们发现， 杨氏夫妇和许先生以不同的翻译表达， 再现了中国古代诗词中的意美， 音美， 形美。
2、关于《长恨歌》
白居易的《长恨歌》是一首流传千古、脍炙人口的绝妙好诗。其精炼优美的语言， 形象生动的人物描画， 情景交融的叙事方式以及凄美动人的爱情故事情节让读者见证了唐玄宗和杨贵妃那段浪漫而又悲切的爱情传奇。诗人以“情”为中心，现实主义与浪漫主义相结合，先讽后赞，先华艳后凄婉，其中的景物与人的思想感情描绘的极其生动，诗人时而把人物的思想感情注入景物，用景物的折光来烘托人物的心境，时而抓住人物周围富有特征的景物、事物，通过他们的感受来表现内心的感情，情节更是婉转动人，缠绵悱恻，不愧为千古绝唱。
3、许渊冲先生的“三美理论”
“三美理论”最早由鲁迅先生提出， 他在《汉文学史纲要》中说： 汉语具有意美、音美、形美三大优点。许先生把鲁迅先生关于汉语的三美扩展到中国古代诗词的英译与英译研究中。
20世纪初，英国汉学家韦利认为译诗用韵会因声损义，因此他把诗译成自由诗或散体诗，这就开始了诗词翻译史上的诗体与散体之争。一般说来，散体译文重真，诗体译文重美，所以散体与诗体之争就升华为真与美的矛盾。许钧教授指出，翻译求真而诗更求美，所以译诗应该在真的基础上求美，也就是说，求真是最低标准，求美是最高标准。
诗歌是人们传情表意的重要方式，特别是在古代，由于它特有的音韵便于记忆，在古代文学中占有更加重要的地位中国古诗语言高度含蓄、凝练，有着特别的美集中体现在音美、形美和意美三方面如何在翻译中完美地体现这“三美”，是翻译理论和实践的一个重要而颇有争议领域
诗之根本为诗，就是因为它有谐美的音韵、严整的格律，以及某些规定的形式。这种形式上的严格限制，使得诗歌翻译成为文学翻译中最难的部分。绝大多数译者都主张尽量保留诗歌的形式，以诗译诗。
许氏主张应先追求意美， 其次求音美， 再求形美， 并力求三者统一。 他也很重视从诗歌翻译的角度看“意美” ， 这与中国古代诗词的特点相契合。中国古代诗词多采用以物寓情的写作手法来抒发作者心中美的感受。因此， 他在翻译时试图尽力体现出这种“意美”。许渊冲先生在翻译中国古代诗词时也很讲求“音美”和“形美”， 此处的“音美”和“形美”是指诗词的押韵和句数。中国古代诗词对平仄、韵律以及句数的要求很严格， 就像“戴着手铐脚镣跳舞” ， 而唐诗宋词就在这种严格的诗词格式中诞生了。许氏在翻译中也自觉戴上了这副“手铐脚镣” ， 除了传达诗歌的“意美”外， 还力求译文具有严格的韵律、音步和句数， 使译文于原文拥有同样的“音美”和“形美”。从许渊冲先生的翻译作品中不难发现， 几乎他所有的译诗都韵脚工整，音步整齐， 句数与原诗相当， 很难读出自由体诗的味道来。
4、诗歌赏析
4.1对意美的体现
“一百个读者有一百个哈姆雷特”，对于长恨歌的主题把握众说纷纭。诗歌以唐玄宗和杨贵妃的爱情为线索，赋予了它更广泛的意义。诗歌笔触情真意切，感人至深，整体上看，杨和许的译文都保留了原诗的意境之美。两人译本都为爱情诗，细腻唯美。
对于诗歌题目的翻译，好的题目翻译给你一种耳目一新的感觉，也对整个译本有一个统领的作用。起到了画龙点睛的作用。对于长恨歌的诗名翻译杨戴夫妇和许先生分别给出了不同的译本。
Song of eternal sorro（杨戴）
The everlasting regret（许）
从意美角度分析，这两个译本都各有千秋。所侧重的不同，根据长恨歌的诗歌本意，“恨”应该是懊悔或者遗憾的意思，因此regret更能体现恨得意境和表现力度，更加符合原文。
由于历史和习惯的原因所形成的特有意境是不同的，正是因为这种不同所以具有一定的不可译性。如“抬头望明月，低头思故乡”这样的历史名句，其中的个中意味则是无法翻译出来的。即便是翻译出来也要面临着信息丢失的结果。从古至今，月亮成为了寄托相思的象征，唐玄宗与杨贵妃情深义厚，自然会“行宫见月伤心色”
那么这句诗的翻译有一下两个版本
In his refuge he saw the moon， even it seenmed sad and wan（杨译本）
The moon viewed from his tent shed a soul-sea-ring light（许译本）
两种译本都刻画出了见月伤心的独特意境。
“回眸一笑百媚生，六宫粉黛无颜色” 白居易使用夸张手法，反衬出杨贵妃的倾国倾城之貌。此句诗的英译有两个版本，
Glancing back and similing she revealed a numbered charms. all the powdered ladies of the six palaces at once seemed dull and coreless（杨译本）
Turning her head she smiled so sewer and full of grace that she outshone in six palaces the fairs faces. （许译本）
“百媚生”的“百”字其实是古文中常用虚数用法，类同与“三”等虚数的用法。在这个字的处理上，杨坚持直译，但是目标语读者没有虚数的概念，会产生为什么不是千或者万的疑问。而许的译本中却意译为“full of grace”显得更贴切。
另一处“粉黛”，原指妃子们化妆的用品，实指后宫佳。杨的译本译为 “powdered ladies”，而许的译本翻译为“the fairest ladies” 许的译本对于目标语读者来说显得更容接受而且符合美学特点。
4.2音韵美和形美
汉语诗歌的音韵美指的是诗歌的节奏和韵式。汉诗有头韵和尾韵。尾韵的特点通常是一韵到底。《长恨歌》是古体诗，韵律变化多样。尾韵基本没有一韵到底的。这也决定了英译本中很难有保留汉语诗歌音韵美的特点。是不可译因素的作用。对比两个译本不难发现，杨译本基本没有尾韵，属于自由体诗歌。许译本则每两行压一韵。更好的传达了音韵美的特点。
除了音韵美的特点，汉语诗歌具有独特的固定格式和建行形式。长恨歌是七言乐府诗，共120行。许译本与原文一致共120行，每行12个音节；而杨译本却有208行，单行音节数不一。一般来说，七言诗在英译中可处理为12或者13个音节。英译文的行数会大大超过原文，因为在英诗中每行不必为完整的话，意义可在下一行完成。杨译本208行虽说正常但是比起许译本还是显得有些臃肿。但是12个音节虽然比7个字臃肿，但是读起来抑扬顿挫，节奏感很强烈。
5、总结
中诗英译时，由于中国文化内涵丰富，博大精深，尤其诗歌用词的高度凝练及其丰富的意韵，对诗歌的翻译可以说是难中之难。因此，才有了“诗无达估”及诗歌可译不可译之争。纵观两个译本的风格，杨译本多使用直译方式，重视保持对原词的忠实。字字相对却有失音韵之美。而许译本通过意译“以创补失”把音形意三者有机结合在一起，更讲求意蕴上的对等，体现了诗词的整体美。“音、形、意”三美兼备，不但保留了原词的意境，而且无论是诗歌措辞上的细腻唯美，还是格式押韵上的恰到好处，都给人以美的享受。达到了茅盾先生所提出的水准，即“用另一种语言，把原作的艺术意境传达出来，使读者在读译文的时候能像读原作一样得到启发、感动和美的感受”。
【参考文献】
[1]吕叔湘.中诗英译比录[M].上海外语教育出版社，1980.
[2]许渊冲.文学与翻译[M].北京大学出版社，2005.
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中图分类号：G633．3 文献标识码：A 文章编号：1006-3315（2012）07-022-001`
在诗歌教学的过程中，不仅要让学生记住诗歌，更应该让学生体会到诗歌所要表达的涵义，培养学生对诗歌的鉴赏能力，因此一定要让学生自己主动的去学习和赏析诗歌，如果有条件可以让学生自己创作，这样的教学方式对提高教学质量有着重要的意义。
一、能够快速的把握诗歌中关键字、词、句
古代诗歌都是经过诗人的反复凝练而成的，在诗歌的字词之间可以说凝结了诗人大量的心血和考虑。学生如果能够快速的找出诗歌中的关键点，通过这些关键点来赏析诗歌，更容易体会到诗歌所要表达的感情。教师在实际的教学工作中可以通过“以诗解诗”这种独特的方式让学生融入到诗歌的情境当中，提高学生在用字、词以及句方面的能力。
例如：《诗经》里面诗人写到：蒹葭苍苍，白露为霜。这句的关键字词为“苍苍”和“霜”，只要找出这两个关键点就能够更快速的融入到白露苍苍这样凄美秋天的景致当中，还可以体会到当时诗人的心境也同样是凄凉的。将诗人当时的思念之情和寒霜浓重的凄凉景象更加形象的融合起来。换句话说，诗人这种困在相思当中不能自己的心境，是借着这样凄美的秋天景致烘托出来的。再例如说：“好雨知时节，当春乃发生。随风潜入夜，润物细无声”这首诗来自著名的诗人杜甫，整首诗当中“潜”和“润”两个字就将整个春天幽静的雨景展现在读者的面前。除此之外，“枯藤老树昏鸦，小桥流水人家，古道西风瘦马，夕阳西下，断肠人在天涯。”来自于著名的诗人马致远，虽然字数很少，但是将九个名词有机的联系在一起足以让我们联想到深秋的傍晚那种淡雅的景致，虽然诗歌当中没有用到一个华丽的词语来形容当时美好的景象，但是将这九种景物巧妙的联系起来真的叫人连连称赞。
二、将自身融入到诗歌营造的图画情境当中
虽然有些诗歌已经有几千年的历史，但是它们所要表达的内容却是经久不衰。教师引导学生进入到诗人所处的时代背景当中，会让学生更加深刻的体会到诗人当时所要表达的情感，提高教学水平，达到教学的目的。可以说诗人的情感是极为丰富的，教师在教学的过程中适当的设置一些情境模式，学生更能体会到诗人情感的历程，例如图画可以让学生感觉到当时的自然风光，音乐能够让学生领悟到诗人独具特色的表达方式，最终提高学生的学习兴趣。
对于学生来说，爱情这个主题虽然一直备受欢迎，但是以学生目前的年龄还是无法正确的理解爱情的真正涵义。例如匈牙利著名诗人裴多菲·山陀尔德写过一首名为《我愿意是急流》的爱情诗，在这首诗当中诗人重新定义了爱情，那就是爱情是朴素的，是自然的。在讲授这首诗之前，我先为学生们介绍了诗人在创作这首诗之前所处的历史背景。23岁的裴多菲·山陀尔德在参加一次舞会的时候，邂逅了一个伯爵的女儿，名叫森德莱·尤丽娅，尤丽娅非常的漂亮，有着美丽的大眼睛，身材更是好的没话说，而且个性方面非常的率直天真，裴多菲在第一眼看到这个美丽的姑娘时就爱上了她，可是富有的伯爵却无法接受一个没钱没势的穷诗人，想让他把女儿嫁给裴多菲是完全不可能的。裴多菲在现实的压迫下觉得非常的痛苦，于是经过了半年之后，写下了很多的关于爱情的美好诗歌，而《我愿意是急流》就是其中最为著名的一首。在讲解诗歌之前先介绍诗人所处的时代背景和感情经历，能够提高学生对该诗的学习兴趣，学生会更加积极主动的探索更多的内容，降低了教学的难度。
除此之外，对于一些写景的诗歌，教师可以真实的将诗人所要展现的情境通过多媒体的方式让学生们直观的感受，然后再把美好的情境跟诗歌所要营造的意象结合起来，可以达到事半功倍的教学效果。
三、利用比较鉴赏法提高学生在诗歌方面的阅读能力
比较鉴赏法通常是将一些内容方面有一定的关系但是作品存在很大不同的诗歌进行对比分析，以此来提高学生鉴赏诗歌的能力。通过这种方式开展教学，不仅能够充分带动学生学习诗歌的主动性，还能够将更多的知识有机的联系在一起，让学生了解更多，学到更多。学生可以在同中求异再到异中求同的过程中更加深刻的体会到诗歌所营造的情境和诗人所要表达的情感。
在实际教学工作中，教师还要利用比较鉴赏的方法来提高教学水平，帮助学生在其他事务方面进行正确的比较，通过概括的手段、抽象的思维来逐渐提高学生各项综合水平。比如说，《沁园春·长沙》这首诗歌，教师可以将《沁园春·雪》引入进来通过两首诗之间的对比分析让学生掌握更多的知识，锻炼学生其他的技能。教师可以先让学生对《沁园春·雪》的时代背景以及诗人想要表达的思想感情等进行回忆和讲述，让学生在对比之后说出自己更加喜欢的一首诗，讲出喜欢的原因，加强学生之间的探讨。教师还可以将诗歌所表达的情感、词句、意境等找出来，让学生自己去体会分析这些美是如何表达出来的，然后让学生畅所欲言，提高学生的创作思维。即使学生目前在创作方面还存在很大的不足，甚至可以说是肤浅稚嫩的，不过这种比较鉴赏的方式能够加深学生对诗歌的理解，理清学生的创作思维，提高学生在创作方面的兴趣和自信。
总而言之，在开展诗歌教学的过程中，教师可以结合各种教学方法，提高学生学习诗歌的兴趣，让学生在情境再现下加深对诗歌的理解，体会到诗人所要表达的情感，将学到的诗歌知识真正的转化为自己的东西。
参考文献：
中图分类号:I3/7
文献标识码:A
文章编号:1672-3198(2010)17-0284-02
诗歌,就像歌曲一样是从内心流自然流露出来的一种心理情感。“诗是心灵、情感和思想的高度结晶,它凝练、集中又富有音乐性”,而在《毛诗序》里有一段这样的叙述:“在心为志,发言为诗。情动于中而形于言,言之不足故嗟叹之”,还有类似的“诗言志”、“感于哀乐、缘事而发”的说法,由此可见,诗歌在抒情方面有一种“与生俱来”的优势。在抒情方面,诗歌除了感慨个人遭遇和家国之感以及酬唱赠答,更多的还是表达了一种爱恋,中国诗歌是这样,西方的也不例外。
中国和西方,由于社会环境、文化背景、所受教育、历史传统等方面的差异,因而在诗歌方面也存在不少的差异。本文主要是从诗歌的内容上、表达方式上、诗歌诉求上等方面将中国诗歌和英国诗歌进行对比,从而进一步了解并欣赏不同风格形式的诗歌。
1 诗歌内容上:慕与怨
中西诗歌的表达内容上有不同的侧重点,西方爱情诗多以追慕爱人、赞美爱情为主要内容,而中国爱情诗更加出彩和使人印象深刻的是那些表达恋人之间的相思别恨和悲欢离合的名篇。
《圣经・旧约》中的雅歌,在西方被称是最早的爱情之歌,希伯来原名是最美之歌,英文中称《歌中之歌》,有的则称其为“春日之歌”,赞美它是一个醇美的梦,“愿你吸引我,我们就快跑跟随你。……我们要称赞你的爱情,胜似称赞美酒。他们爱你是理所当然的”、“耶路撒冷的众女子啊,我虽然黑,却是秀美”……,《雅歌》通过一种意象的叠加构筑了一个爱意满满的诗歌理想世界,一个浪漫的意境,诗句中都比较露骨的透露出对于爱情的渴求。此外,后来的莎士比亚的十四行诗中大部分也都是直白的表达了对爱情的追求与赞美,如《Shall I compare thee to a Summers day》,还有雪莱、彭斯等人的作品都是描写“慕”的佳作。他们的共同点都是细致地描摹所恋之人的笑貌身姿,对她们由衷的赞美,往往采用写实的手法。而中国诗歌常用写意的手法,寓情于景,情景交融,向外界倾诉自己心中的所思所想。
《诗经》中的首篇《关雎》是表达的是“君子”对于“窈窕淑女”的爱慕与追求,而《毛诗序》则把它推许为可以“风天下而正夫妇”的道德教材,正因为它表达的是一种合乎儒家道德典范的行为,相对于西方的诗歌,这种“慕”是“小巫见大巫”了。唐代张籍的《节妇吟》:“君知妾有夫,赠妾双明珠。……知君用心如日月,事夫誓拟同生死。还君明珠双泪垂,恨不相逢未嫁时。”在文字层面上,它描写了一位忠于丈夫的妻子,经过思想斗争后终于拒绝了一位多情男子的追求,守住了妇道;而在喻义的层面上,它实则表达的是作者对自己仕途的一种怨,一种怀才不遇的愁绪。
另一方面,中国古典诗歌对于真正爱情的怨主要是表现在离别诗、闺怨诗和悼亡诗这些类别的诗歌中。离别诗如古诗十九首中的《行行重行行》“相去日已远,衣带日已缓”,白居易的《琵琶行》“别有幽愁暗恨生,此时无声胜有声”,闺怨诗如金昌绪的《春怨》“啼时惊妾梦,不得到辽西。”,王昌龄的“忽见陌头杨柳色,悔教夫婿觅封侯”;悼亡诗如晚唐元稹的“曾经沧海难为水,除却巫山不是云”写出自己对爱情的忠贞不渝,苏轼的《江城子・十年生死两茫茫》写的哀婉动人,纳兰性德的《蝶恋花・辛苦最怜天上月》意境凄清。这些诗歌没有像西方爱情诗那样明快、热烈,也没有对女性的直接描写,更多用的是一种心理描写或者比兴的手法。在其他方面,西方爱情诗大多是以男性的视角对女性的赞美以及追求,而中国则大多数是男性以女性的口吻来抒发心中的愤懑。
中西方诗歌就其内容整体而言,西方爱情诗中充满的是轻快活泼的爱情气息,无论这种爱情存在与否;而中国爱情诗中怨的成分远远多于积极明快的成分。
2 表达方式上:直接简明和含蓄委婉
彭斯的《a red,red rose》:“o my luve's like a red,red rose that's newly spring in June:o my luve's like the melodie……”诗中对与爱人和爱情的追求与赞美可谓是直白露骨,爱情在他们看来是生活中一个重要的部分,我个人看来,这在某种程度上也解释西方人骨子里一定程度上的浪漫情调。再如莎士比亚的《Shall I compare thee to a Summers day》:Shall I compare thee to a Summer's day? Thou are more lovely and more temperate……几百年来,这首诗一直以不同的语言记录着诗人心目中的那位美丽的女子,对于爱情的袒露,诗人没有任何含糊的言语,给人一目明了感觉。
由于中国自古以来的儒家传统观念,男女之间必须遵守的道德理念一直深深的束缚着人们,也使他们的爱情受到道义责任的约束,因此男女在表达爱情显得含蓄委婉,尽管有《上邪》:“我欲与君相知,长命无绝衰。山无陵,江水为竭,冬雷震震,夏雨雪,天地合,乃敢与君绝!”写的大胆而热烈,但这也是始终以一个女子的口吻来写,因此即使再大方也显得小家子气了。而且,在中国古代诗歌中,也有很多的诗歌表面上是像《弃妇吟》那样写爱情,实则是抒发个人境遇,这主题就显得更加隐晦了,而这在西方诗歌很少见。正如钱钟书评说中国古诗:“和西洋诗相形之下,中国旧诗大体上显得感情不奔放,说话不唠叨,嗓门不提得那么高,力气不使得那么狠,颜色不着得那么浓。在中国诗里算是浪漫的,和西洋式相形之下,仍是古典的;在中国诗里算是痛快的,比起西洋诗,仍然不失为含蓄的。……听惯大声高唱的他们只觉得低言软语。”这里用来体现中西爱情诗的差异恰到好处。
总体而言,在表达方式上,西方诗歌以直取胜,中方诗歌以委婉取胜;西方诗歌以深刻取胜,中方诗歌以微妙取胜。
3 诗歌价值诉求上:爱情价更高与君子好逑
裴多菲的“生命诚可贵,爱情价更高”一直以来被奉为经典广为流传,而这也在一定上表现出了西方在爱情方面的价值观,爱情就是一切,而中国更加讲究的看一个女子符不符合道德上的要求,更多的是持一种“君子好逑”的眼光来看待异性的,正如朱光潜先生说的:“西方人重视恋爱,有‘恋爱至上’的标语。中国人重视婚姻而轻视恋爱。”
虽然中国历史上对爱情忠贞的也不在少数,例如关于“昙花一现只为韦陀”的典故,关于吴越王钱对于戴妃的“陌上花开,可缓缓归矣”的那份感人至深的情谊,羡煞旁人,但这种爱情似乎是因为太缺乏了或者在中国历史上只有少数这样的例子才会让人觉得弥足珍贵,从而体现出中国爱情诗歌上的价值诉求。中国的传统诗歌的主题始终围绕的是国家民生或个人际遇的问题,对个儿女情长的话语也只是或遭乱世或怀才不遇是来寄托个人兴遇的。西方人是在恋爱中实现人生,而中国人只是把爱情看成闲暇时间里的一种消遣。
但丁的《神曲》中,抒发了自己对贝娅特丽丝的爱恋,他将贝娅特丽丝描述为天使,她集美丽、智慧和高尚的品德于一身:“看来你是一个神祈从天上来到大地,来显示神奇。叫看到的人显得那么适意,令人感到一种甜蜜从眼睛到心里……”;歌德的《五月之歌》,激情澎湃的歌唱爱情:“哦,爱啊,爱啊,灿烂如今,你仿佛朝云,漂浮山顶……”赞美所恋之人高于一切,这更多的是表达是爱情给自己带来的精神力量,无论这个爱情实现了与否,但只要它能使自己的人格得到提升或者灵魂得到升华,这一切已经很然人满足了。
就爱情的价值诉求而言,西方爱情诗歌追求的是一种眼前的快乐,而中国的则强调是一种更加理想和完美的境界。
总而言之,无论中外爱情诗中,都洋溢着一种淡淡的温情,即使是中国古代诗歌中闺怨诗或者弃妇诗,诉说得酣畅淋漓,其中都洋溢着生命的气息,它们的清丽柔婉,自然流动的抒情魅力将永远吸引着人们去品读,去欣赏。
参考文献
[1]乐黛云.比较文学简明教程[M].北京.北京大学出版社,2003:134.
[2]朱光潜.试论[M].合肥:安徽教育出版社,1997:25-64.
[3]钱钟书.七级集[M].上海:上海古籍出版社,1994:16.
话剧《青蛇》
时间：2013年3月29日至3月31日
地点：深圳保利剧院
票价：180、280、380、580、780、980元
染空间疯想喜剧《禽兽》
时间：2013年3月15日至3月31日
地点：上海话剧艺术中心
票价：120、180（平时）、150、200元（周末）
关于禽，关于兽，也关于禽兽。在你的成长过程中，有没有这样一类人，他们干着我们不敢干的事情，说着我们不敢说的话，你也许会称他们为“边缘人”，习惯性忽略或者远离他们。
台湾云门舞集《九歌》
时间：2013年3月8日至3月9日
地点：杭州大剧院
票价：280、380、580、880、1080、1280、1680元
《九歌》以屈原的诗篇作为想象力跳板，来自印度、印度尼西亚、日本、中国的亚洲传统音乐和当代打击乐打破观众时空想象的限制，献上最好的视听享受。
中国广播电影交响乐团音乐会
时间：2013年3月10日
当时的花语所包含的种种细腻的感情并没有原原本本的传到现在，很多花语所包含的特别意思已经为人们所忘却。而且，花语在各个国家得到了不同程度的发展，所包含的意思也有较大的差异。
本篇将举出一些事例,和读者一起比较一下关于花语的中日差异。
1.向日葵的花语
在中国，向日葵的花语是:爱慕、光辉、忠诚、高傲、太阳，勇敢地去追求自己想要的幸福、沉默的爱等等。
至今,还流传着一个关于向日葵的美丽传说: 古代有一位农夫的女儿名叫明姑，被后娘百般虐待。一次惹怒了后娘，夜里熟睡之际被后娘挖掉了眼睛。明姑破门出逃，不久死去，死后坟上开着一盘鲜丽的黄花，终日面向阳光，它就是向日葵。向日葵表示明姑向往光明，厌恶黑暗之意，这传说激励人们痛恨暴力、黑暗，追求光明。
在日本, 向日葵的花语是: 憧憬、热爱、关注你、爱慕、光辉、敬老、热情、光辉等.具体来说:
白色:代表着热恋 紫色: 代表着悲哀
黄色:代表着持假币者或憧憬 大朵:虚伪的财富
小朵:代表着光辉和爱慕 高株:代表着傲慢和光辉
矮株;代表着敬慕和崇拜 东北八重:有活力
意大利风格的白色; 一直思念着你
在日本的徘句等文学体裁中,作为夏季的季语,深收人们的喜爱. 甚至有些词曲家,还把它创作成歌曲。
2.的花语
历来被视为孤标亮节、高雅傲霜的象征，代表着名士的斯文与友情。今日仍然为我国十大名花之一，受到广大人民群众的喜爱。
：清净、高洁、长寿、吉祥、我爱你、真情
（红）：喜恋 （白）：诚实君子
（黄）：失恋 翠菊：追想、可靠的爱情、请相信我
春菊：为爱情占卜 六月菊：别离
冬菊：别离 法国小菊：忍耐
瓜叶菊：快乐 波斯菊：野性美
大波斯菊：少女纯情 坚强 万寿菊：友情
矢车菊：纤细、优雅 麦秆菊：永恒的记忆、刻画在心
鳞托菊：永远的爱
据说产生于中国的唐朝,在日本的平安时代初期传到日本.在日本,有很多幽雅的词语.比如:”初菊、百菊、白菊、青菊、大叶菊、线菊、赏菊佳日、菊和、菊宿、菊友、菊露、菊主、园菊、篱菊、菊时、菊地”等。
在日本,的花语是;高贵、高尚、高洁、请相信我、女性的爱情、清净、破碎的爱、真爱等.具体来说:
红色:代表爱情 黄色:代表着高洁、妇女美丽而文雅的思绪
白色:代表着诚实、真实 色浓:代表着请相信我
和相关的传说,是和中国的长寿相关联的.从叶子上滴落的露水和河水夹杂后,下流的人们喝到那河水,就会长寿,每天喝此露水的老人不会变老,象少年一样变得朝气勃勃。
3.山茶花的花语
山茶是中国传统名花,世界名花之一,也是中国云南省省花.因其植株形姿优美,叶浓绿而光泽,花形艳丽缤纷,而受到全世界园艺界的喜爱.南宋诗人范大成曾以 “门巷欢呼十里寺,腊前风物已知春”的诗句,来描写当时成都海六寺山茶花的盛况。
山茶：质朴、希望 山茶（白）：真情
茶梅（红）：清雅、谦让 茶梅（白）：理想的爱
在日本,山茶花主要分布在西南地区,以兵库县最为有名.早在江户时代就有好多品种,现在已经达到300多种.当时,来到荷兰馆的德国学者兹恩贝鲁克,看到山茶花,把它带回德国,由此,它的种植得到了普及。
山茶花:执着的爱、理想的恋爱、妩媚、谦虚。
4.牡丹花的花语
牡丹是我国特有的木本名贵花卉，花大色艳、雍容华贵，素有“国色天香”、“花中之王”的美称。自古文人墨客以“不独芳姿艳质足压群芳，而劲骨刚心尤高出万卉”来赞赏她；更有白居易的诗词在流传――“绝代只西子，众芳惟牡丹”。
牡丹花语
牡丹：圆满、浓情、富贵
秋牡丹：生命、期待、淡淡的爱
在日本，牡丹花,又被称为”富贵草”、”富贵花”、”百花王”、”花王”、”花神”、”花中之王”、”百花之王”、”天香国色”、“深见草”、”二十日草（廿日草）”、”萱草”、”铠草”等。
花语: 富贵、壮丽、害羞、诚实。它的绚烂多姿，无与伦比，因而也被成为“百花之王”，正好比貌美的少女，深受女性的喜爱。在日本，有「立てば芍、座れば牡丹、く姿は百合の花（站姿如芍药，座姿如牡丹，走姿如百合）的说法。之所以说“座姿如牡丹”，是因为花株较矮，花枝四处伸展，开花的时候最宜观赏。
通过一些对比,不难发现:
首先,日语花语的继承性.也就是说,很多花语来源于中国,并且得到了人们的认可,深入日本社会的角角落落.人们在赏花的时候,常常吟诵中国诗人的诗句，例如:
白居易（白天）
『牡丹芳：「花花落二十日 一城之人皆若狂（花き花落つ二十日、一城の人皆狂ふが若し）
