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声乐艺术是通过语言来表达歌曲思想内容的，这是它与其他音乐形式的不同之处。演奏乐器可以表达乐曲的感情，但无法表达文字具体内容，而声乐不但能唱出乐曲的感情还能清楚地唱出文字，字声结合，感情表达更为丰富，这就比别的音乐形式更能直接地与听众产生共鸣与交流。清晰准确的歌唱语言是听众听懂歌曲内容并与演唱者产生情感交流的关键。因此，在声乐训练中咬字吐字具有十分重要的意义。不能清楚地咬字吐字，歌词和乐音就不能有机地联系起来，声乐艺术形象就无法完美体现。
在声乐训练过程中，如果一发出字音就下意识地把音响横着往外送，就会使音色苍白无力传不远。歌唱要求字正腔圆、声情并茂。用汉语演唱的歌唱者应按标准的普通话来要求其咬字吐字，要像说话一样放松自然，像朗诵诗歌一样准确清晰。
一、字正腔圆的要素——“出声”“引腹”“归韵”
我国传统的歌唱理论根据汉字发音的三个特点归纳为“出声”“引腹”“归韵”的咬字过程是很科学的。
“出声”部分主要由21个声母来承担，也称字头。“引腹”部分即能延长发响的韵母，也叫字腹。“归韵”指字音的收尾。我们可以把字音发生过程概括为三个要点：咬字头、吐字腹、收字尾。
咬字头。字头要闭紧或收拢，字头咬字要重，“重”是针对口腔力量而言的。俗话说“咬字千金重，听者自动容”，就是强调字头咬字用力的要求和声音效果。要求字头适当加强口腔肌肉的摩擦力量，使“出字”喷弹有力。出字前找准口腔内闭拢的部位，喷弹出字时追求一定的爆发力，有助于带动整个字音清楚响亮地送出口外。如“我”（W，双唇收拢）；“江”（J,舌前部与硬腭前部挤贴，i,舌面与上腭收拢）。这些口腔完全关闭或接近关闭而后冲破阻力发出来的音素不通透、不延长，但很有力量，是带字音迅速透出口外并决定字音是否清晰致远的基础部分。但千万不能把“重”理解为粗糙、笨拙的猛冲重击，而是要以巧劲来产生重力。可以说，字正是基础，要“正”，就要施巧劲，从而让参与字头发音的口腔肌肉准确灵活地调动。
吐字腹。歌唱语言中的字腹是声音位置的基础，这与平时的念字发音有着很大区别。歌唱声音的线条主要就是由各个韵母连贯而成的，声音是否圆润，主要取决于韵母发音的准确、连贯、流畅与否。同时，字腹又是歌唱中音色丰富变化的基础。字腹要松开扩充，吐音要圆，“圆”是针对声音共鸣而言的。“字是骨头腔是肉”，“腔”可理解为字腹的造型，“字腹”是一个音节中开度最大、色彩最丰富、共鸣最丰满的部分。因此，圆吐是稳定字音造型、使字头和字尾有所依附从而达到“字正”且“腔圆”的重要条件。如“我”字中的o，“江”字中的a，“普”字中的u，这个阶段发出的是音节中的唯一的元音，如“普”字中的u，有的是多个元音中最响亮的一个，如“江”字中的ia的a，都是整个字音发生过程中最响亮、持续时间最长的音素，是字音的中心和主体。字腹是发声结合最紧密的环节，是最能发挥共鸣作用的关键部分。
字腹发音的口腔动作与字头相反，不是收紧而是放松，尽可能让气流在口腔内自由流动，延长音响，充分发挥各共鸣腔体的共振作用。要做到腔圆，字腹的发音应注意咽腔部位适度打开，做到咬字吐字时，既能将字头字腹拆开，又能圆滑地连贯起来，字腹吐圆后还要具有一定的倾向性，自然流畅，顺水推舟地倾向字尾。收字尾。字尾是字音消失前的收尾阶段，是完成字音、决定字意正确表达的重要部分，这正是我们所说的“押韵”或“归韵”。这是歌词音乐美的基础。如“爱”字的i，“江”字的ng，就是字尾，跟组成字头的音素一样，字尾都是口腔收拢至完全关闭或接近关闭而发出的音素，字尾收韵要轻，要求把稳定成型的字腹轻巧柔和地收到尾音上来，使字音有个纯正、完整的结束。字尾的时值要比字腹短暂得多，力量也比字头松弛轻柔得多。具体的做法是，当字音在字尾上结束时，气流稍减弱，音量稍收小，肌肉稍放松，为下一个字头的有力喷弹而积蓄力量。
事实上，只有把“咬字头——吐字腹——收字尾”三步环环相扣，循环反复，话语流动才会达到连贯清晰、发音准确的效果。
二、说话与歌唱中咬字吐字的区别与联系
说话和唱歌虽然有种种不同之处，这两种词语表达手段也有一些相同的地方。运用这些共同点在声乐教学中是会有一定帮助的。日常生活中的说话习惯，在一定程度上影响着，甚至决定着歌唱者的读字。好的读字本身就是一项声音训练的练习，对于帮助完善歌声的共鸣作用及气息的稳定支持作用，是具有重要意义的一种方法。因此，可以考虑根据具体情况的需要，提醒学生说话可能会影响到他的发声。同时还必须教导学生怎样首先去朗读歌词，读字的整体感觉，还应该捕捉口语感觉，注重一句歌词的逻辑重音和语调的抑扬顿挫。通过字、词、句的含义去支配字音。具体地说，要用情绪和情感的感觉支配字音的高低起伏、抑扬顿挫的变化。并把全部注意力集中在歌词的含义上，以精细准确地表达一首歌曲。正如莎士比亚所说：“好的说话就已经获得了一半好的歌唱。”换言之，好的歌唱自然伴随着好的读字。从歌曲的解释和听众的立场来说，歌唱者的咬字吐字比起歌唱者的声音更为重要，因此，在歌唱中扎实的咬字吐字是正确发声的重要基础。
千百年来，我国历代声乐家们对歌唱的咬字吐字，无不提出严格要求。如清代李渔在《闲情偶寄》中说：“学唱之人，勿论巧拙，只看有口无口。听曲之人，慢讲精麄（粗），先问有字无字。字从口出，有字即有口；如出口不分明，有字若无字，是说话有口，唱曲无口，与哑人何异哉？”又如明代魏良辅在《曲律》中提出：“曲有三绝，字清为一绝；腔纯为二绝；板正为三绝。”这里的“绝”是指歌唱的绝技。他将“字清”列于三绝之首，可见其重要性。我们应该认真学习和继承民族声乐理论这一灿烂文化。
参考文献：
混合声是真声和假声的混合，它既有真声的结实、明亮，又有假声的柔和、圆润和高位置。这种声音上下自如统一，音色甜美明亮，给人以亲切真实的美感。它不存在由于换声而出现的音色不统一现象，又克服了真声唱不上去，假声唱不下来的困难,是当今普遍公认的一种科学的唱法。
人声本来就有真声(声带的全振)和假声(声带的边缘振动)两个机能的存在，恰恰是这两个机能的混合，我们才获得了宽广的音域，这音域大大地超越了生活语言所需要的范围。
真声和假声两者的混合声音,其发声状态为：从低声区开始就使声带边缘变薄，掺入少量假声，随着声音的上行，假声成分逐渐增多,但仍不失少量真声。中声区真假声相伴，混合共鸣较好。混合声的音域统一连贯，无明显的换声区。这种声音的效果是“真中有假，假中有真，真假难分，真声不炸，假声不虚，混在一起”。一般说来唱高音时假声成分多些，头腔共鸣就丰富，唱低音时真声成分多些，胸腔共鸣成分就越多。这种混声的发声是充分运用共鸣器官来配合声带振动变化为依据产生的混合共鸣。
混合声具有明亮、清脆、流畅、甜美的声音特点。由于它具有真声色彩，比较接近我们的语言，容易吐字清楚，声音上下贯通又比较方便，所以它符合中国观众的欣赏习惯。混合声已被越来越多的民族唱法歌唱者所采用。其实，在我国传统戏曲、曲艺、民歌中，混合声早已有应用，只不过由于各自有着不同的剧种风格、语言和地方欣赏习惯，所使用的真假声比例不同而已。民族唱法的自然混合声必须经过科学的训练才能获得，更是初学者所不容易掌握而又必须付出相当大的精力和耐心来雕琢的。所以在教学中，笔者把混合声的训练作为重点来教授。笔者根据多年的声乐教学经验，总结出行之有效的训练方法，收到了非常明显的效果。
一、用“哼鸣”唱法训练混合声
哼鸣是初学者乃至学习有成者练声的极好方法，是获得声音高位置的良好手段，有利于体验头腔共鸣和声音靠前的效果。这种训练非常必要又容易掌握，练习闭口哼鸣时要注意:
1.身体自然直立，胸部自然扩张，两肩放松，吸进适量气息并注意保持吸气的姿势，找呼吸支点。
2.嘴唇微闭，舌头自然放平，舌尖轻靠着下牙根，下腭和颈部肌肉放松,上下牙稍分开不要咬紧。
3.哼唱时颌关节向上打开，鼻道打开，感到声音集中在鼻腔上方，两眉之间感到明显振动，像擤鼻涕时的感觉，找哼鸣焦点，哼在“气上”。不论音的高低，都始终保持这种高位置的感觉,这对上下声区的统一很有益处。
高音开始的下行音阶容易找到头腔、鼻腔的共振感觉，一般说来下行音阶要比上行音阶容易些，气息比较易于控制，声音容易哼得连贯。音阶下行第一个音较高，发声器官的肌肉处于比较紧张的状态。随着音高的降低，肌肉随之逐渐放松，而逐渐放松比逐渐紧张要容易控制，初练时在自然声区练习，不要哼高音，因为哼高音对初学者来说极易形成喉头上提，造成声音挤压。哼鸣是哼出来的，不是唱出来的，声音应无任何振动感。用深的呼吸支点，轻轻推出气息，音量不大但很松弛，很集中。
练习哼鸣时，方法一定要正确，如若不正确，发出的声音又紧又僵，带出来的声音就不会有好的效果。哼唱正确了，带出来的声音才会好。检验哼鸣的对错，可以在哼鸣时看嘴巴能否随便动作，而不影响声音的进行，如若不影响，就说明方法对了。这样，用哼鸣方法练唱时，嘴巴在做咬字动作和做表情动作时，就不会影响声音。所以哼鸣练习对呼吸支点的体会和真假混合都有很好的效果。
二、用打开喉咙喊嗓子的方法训练混合声
喊嗓子本是戏曲演员从祖辈沿袭下来的传统练声方法。它之所以能流传那么久、那么广，必然有它存在的道理，这道理是有其科学性的。多年来笔者在教学中始终保留了“喊嗓子”的传统。需要说明的是，这种喊嗓子决不是一般人认为的“扯着脖子喊叫”而是科学的训练，它首先强调的是打开喉咙，使其处于自然放松的状态。然后由弱到强，由低到高地“喊”。简单地说就是一句话：“打开喉咙喊嗓子”。卡鲁索的夫人在《卡鲁索的一生》的书中写到：“卡鲁索常常对着镜子练声。他把口张得特别大，把舌头伸得很长，像要给医生检查喉咙那样，然后发很尖锐而‘位置’很高的高音来做练习。”我国著名声乐教育家沈湘教授曾说过：“打开喉咙喊嗓子是最科学的发声方法。”事实证明只有在最佳状态下喊嗓子才能做到如下几点。
1.打开喉咙喊嗓子，使鼻腔张开，口腔中口盖抬起，积极收缩成拱形，咽腔中会厌卷起，咽壁直立，喉头放在深呼吸的自然位置，这样发声通道才能畅通无阻。在这条管道中喊嗓子，才能体会到这个管子不仅仅是一个肌肉组成的管子，它像铜管乐的金属管道一样坚实有力，只有这样才能喊出金属般的穿透力强的铿锵之声。打开喉咙喊嗓子，使口、鼻、咽、喉各器官张开，金属般的通畅管道使歌者能获得人体各个腔体的共鸣，声音上下无阻，高高低低、强强弱弱，使真假声混合得不露痕迹，使假声不虚不空，中低声区胸腔共鸣自然混着高位安放的头腔共鸣，真声区自然混着假声，使真声不白不横，做到真中有假、假中有真、虚虚实实、浑然一体。
2.打开喉咙喊嗓子，使所谓“没嗓子的变成好嗓子”。打开喉咙形成“金属管道”使演唱者越喊管道越通。音质、音量、音色也就会有明显的改变。三、u母音训练混合声
唱u母音时唇微闭成“撮口”，喉咙打开放松，上下畅通好似一根管子，口腔形成膛大口小的共鸣箱，呼气出声引起头腔、口腔、咽腔、胸腔的共振，容易找到混合共鸣的感觉。
唱u母音时，上唇要拢住，唇尖用力。如果拢不住，有的人还会出现上唇抖动，这不但会影响共鸣效果，使声音不能到位，还会造成u母音的发音不纯正。从高音开始的下行音阶练习，比较容易找到高位置，体会到头腔、口腔、咽腔、胸腔形成上下相通的共鸣的感觉。随着音高的变化，要保持声音的上下一致，做到“松”“通”“空”。
“松”是指声音松弛，不挤不压，喉咙打开，放松，在深深的气息的支持下，将声音推出，圆润、丰满、浑厚。“通”是指声音从下腹部(即丹田)涌出，至胸腔通过喉直达头顶，上下如同一根管状通道，上通下达，声区统一，气息流畅，音量不大却有明显的上下一体的振动感。“空”是指声音的流动的空间感，“四不靠”即不蹭嗓子，没有明显的着力点。总之，练好u母音是打开头腔共鸣，获得高位置，打开喉咙形成管道上下一致,真假混合声的有力手段，是带动其他母音练习的好办法，可以说是发声练习的“敲门砖”。
四、假声位置混合母音训练
在学习歌唱的过程中,经常会听到声音要高位置的要求。最能体会高位置的声音是假声,唱假声的时候,喉咙一般都是打开的,松弛的,气息也不僵,上下容易连成一条垂直的气柱,所以声音比较柔和圆润,通畅统一,演唱也相当省力。根据假声的特点和音色,可以在保持假声演唱的状态下把声音放出来,以增加声带的张力,并掺入真声成分,就会形成明亮圆润的混合声效果,同时音域也得到了扩展。
也可以这样理解和体会,就是把假声放大,变成明亮有力的声音,但一定要在不改变假声的歌唱状态下发出声音,使所有字都统一在假声的位置上转换。字的转换动作要小,而且每个字都是在相同感觉下转换的。同时也要与气息配合好,保持气息深度,否则声音就会发虚,反而放不出声音。注意假声与呼吸的关系，使用假声位置的练习，一般从上向下练为合适,因为高音容易找到假声位置,从上向下,保持位置来带声音,一直唱到低音时仍然是假声位置的感觉,加上气息的配合,便能得到混合声的效果。
母音是语言和歌唱发音的主要因素,因此,唱好母音对于歌唱来说非常重要。声乐训练的母音是a、e、i、o、u,这些母音的发音有宽有窄,有暗有亮,位置有前有后。为了使歌唱的发音统一,音色统一,符合民族唱法的声音要求,而且便于咬字,在教学中,笔者采用混合母音练声收到明显效果。
混合母音,也叫母音变形唱法,即在一个母音里混入一定量的另一个母音的成分,以达到使口腔内部的调节以适应某种发音的需要,而获得高位置声音的方法。如在a母音里混入适量的o母音,在i母音里混入适量u母音使喉、口、咽等腔体从横转向竖,从窄到内开。把两个母音混为一个音,在发声时,同时吸收了两个母音的优点,弥补了发单个母音的不足,这样可使喉头逐渐放开,发声管道竖起,声音流畅，对真假混合声的训练非常有效。
实践证明,用以上这套教学方法,经过师生的共同努力,一段时间后绝大多数学生都能做到气息畅通，音色明亮、圆润,真假混合声统一。只要不断坚持科学的发声训练,不仅对提高学生的自身素质和技能有帮助,而且会对以后的歌唱艺术实践大有裨益。真假混合声的训练,是教学工作中一项长期的艰苦而耐心细致的工作,仍有不少问题值得进一步探讨。本文谨以笔者多年来教学实践中的感受就教于同仁,以期引起对此问题的充分关注和思考。
参考文献:
[1]金铁霖.《民族声乐的学习与训练》，黄河音像出版社.
[2]沈湘.《美声区别于其他唱法的最主要特点》，中国音乐网.
兴趣生成了，人的思维就比较活跃，感知也较敏锐；反之，则会反应迟钝，注意力分散。如有这样一个学生，在上音乐课的时候不管我问什么问题，他都会非常踊跃的举手。当我没叫他回答问题的时候，他便沮丧地放下手，唉声叹气。我批评了他，从那以后，他上课不举手了，并且还和别人说话。我这才知道，由于我的失误，使他失去了学习的兴趣。如此，教师应重视启发学生的热情，课堂上从一开始就抓住学生的心，在教学上采取表扬和鼓励的方法，将枯燥的发声练习转变为学生们想学、想唱的一种兴趣。只有当学生有了积极的学习情感和心理，他们才会像机器内部有了发动机那样产生巨大的能动作用，不仅能积极配合老师，而且还能取得很好的练声效果，促使其更多的潜在的素质得到进一步发挥。
二、掌握规律，运用正确发声法
对学生进行发声训练，从某种角度说是在人身上制造乐器，这种乐器不同于其他乐器，它完全受人的高级系统指挥，外面是看不见摸不着的。教师对学生发声练习的确定和训练，首先应建立在发声器官的运动合乎其生理自然规律的基础上，要让学生掌握唱歌呼吸的基本方法，即胸腹联合呼吸法，运用胸腔、横膈膜、腹肌共同控制气息，使肺部气息容量增大，控制自如并有明显的呼吸支点。在吸气时，用口鼻同时轻柔、平稳地吸气，要深而自然舒展，身体各部位应自然协调，不要僵持；使气息深入肺底，膈肌下沉，胸腔两肋张大，胸廓下部稍感膨胀，并注意保持；在呼气时，两肩、颈部、下颌及口腔各部位要绝对松弛自然，用胸、腹部肌肉共同控制气息，使气息的运用控制自如注意保持气息，使声音获得气息的支持，不可一泄无余。简单地讲就是打哈欠，使发声器官打开通畅，喉结位置放下。教师在平时要注意对学生进行多做打哈欠吸气的练习，体会喉结的放下稳定和喉结的放松打开，歌唱发声时强调保持吸气的状态，也就是为了使喉头处于较低的位置，始终放松打开，而不堵塞、挤紧。同时强调声带拉紧闭合、向下挡气，也促使了喉头的放下稳定和喉咙的打开放松。只有依靠平时的发声练习去仔细体会，并经过长时期的有意识的训练，才能形成正确的下意识的方法和习惯。当然在平时训练时不可忽视训练过程是受大脑高级神经指挥这一因素。不要将发声练习演变成各种器官的肌肉训练，这样不但不会有好效果，还会出现各种毛病。因此，教师的演唱示范是非常重要的，它能给学生实际的感性认识。正确的示范还能胜过太多或重复的讲解，使学生能在教师正确的示范中，找到自己发声上的不足并加以改正。
三、活跃思维，展开丰富的想象
列宁说过：“有人认为只有诗人才需要幻想，这是没有理由的。”我们在任何创造发明中都需要想象，发声训练也不例外。在发声训练中由于声乐教学语言语义的不确定性，使得学生对教师讲述的要求常常感到不易理解和把握，教师采用形象的语言把比较抽象的概念具体形象化。为了达到训练的目的，教师还常采用启发式的感觉教学方法，启发引导学生在学习中凭借自己的思维展开丰富的想象，通过对一些具体形象的联想，将发声的原理和机能中各种比较抽象、不易理解的概念变得清晰可辨。所谓感觉教学就是将我们日常生活中能做到的一些动作和感觉用于歌唱和训练之中，通过这些感觉体会到科学的发声状态，达到较好的训练效果。如训练气息下沉时，用闻花的动作、双手提水的感觉去体会，就不至于把气吸到胸上；打开喉咙时，用打哈欠的感觉来启发等等。德国著名的声乐教育家莉莉·雷曼在谈到高音的感觉时，也曾形容说：“声音立在喉咙里的一根气柱或喷泉上”。因而用比喻法，能启发学生在唱前作好积极的思考、准备和调整，做到在唱之前，将声音的正确标准想清楚，才有可能协调好歌唱器官的活动，比单纯讲解生理或技能要求的阐述生动形象得多，易于理解和接受，在教学中收到很好的效果。
四、因材施教，采用多种教法
初中阶段的学生，由于嗓音、生理条件与心理素质各不相同，在发声训练中的状态和存在的问题也是各不一样。在教学过程中应采用因人而异、有的放矢的教学法。比如一些内向的学生，在发声训练时，提不起精神，发声状态不到位，不积极。教师就应注意调动这类学生的积极性，谈一些使他们感到愉快的事，在他们情绪达到一定的兴奋时再练声，效果就会好一些。还可采用激将法，逼着他们按教师的要求去做，多唱一些顿音或跳音，这对他们的状态和机能反应的调节有利。对嗓音条件不好的学生，要克服他们的自卑心理，多用鼓励、表扬的教学法，使他们对自己有信心。对一些反应比较慢的学生，应耐心启发、诱导，重复讲解多遍，使他们能够接受。练习曲应由浅到深，由易到难。教师要善于利用学生的某些长处和优点，以攻其坚，进行针对性的发声训练，从不同的实际情况出发，采取灵活多样的方法，做到一把钥匙开一把锁，并能贯穿到训练的各个环节中。
现在有许多中小学生进行声乐训练，那么如何对青少年进行声乐训练，以及用什么样的教学语言对其进行声乐训练，就成为一个重要的实践课题。由于声乐教学有其本身的规律性和特殊性，所以如何在声乐训练中让更多的学生喜欢声乐课、喜欢声乐学习，获得音乐艺术实践能力机会，促进学生音乐艺术感知能力的发展，怎样用“口语化”的语言进行声乐训练？我在这里阐述一下我个人的一些观点，与大家共同研究，探讨。论文格式。
一、青少年声乐训练“口语化”的必要性
青少年声乐训练“口语化”的必要性要追溯到整个中学音乐教学的必要性上。论文格式。以“口语化”进行教学是青少年学习音乐的基础和前提。 首先，对于中小学生而言，他们的理解能力是有一定局限性的。论文格式。声乐教学是一种“听觉教学”，师生交流主要凭借于声音，教学语言必须通俗、浅显、易懂、好记；所以，对于青少年的声乐训练，教学语言以口语为佳。其次，青少年声乐训练从人性化教学的视角而言，“口头性语言”是最佳的表达形式。声乐教学的全过程是一个师生双边互动、双向交流的过程，不是教师单向的传授，学生一味的被动接受，这不利于学生创新精神和实践能力的培养。尤其对于中小学生而言，寻找可以沟通心灵的语言就显得十分必要了，这也是青少年声乐训练“口语化”的必要性之所在。而且，声乐训练中出现的语言都是“一次性”的，不像是录音带那样可以倒带重复，也不像课本那样可以重新翻看，师生的交流必须是通俗的，浅显易懂的，所以对于青少年的声乐训练以口语为佳。
二 青少年声乐训练“口语化”的可行性
“实践是检验真理的唯一标准”，音乐欣赏教学“通俗化”已在实践中被充分证明是切实可行的。
1、当前讲课一般均以“通俗化”为大趋势，即使大专家，大学者也都在进行着口语化教学的探索。例如厦门大学著名教授易中天在央视“百家讲坛”栏目讲演的《易中天品三国》就以浅显的“通俗化”为亮点，深得广大观众的喜爱，有许多小学生因此迷上了《三国演义》。
2、从教学实践的角度来看，“口语化”的教学语言拉近了教师与学生的情感距离，缩短了师生之间的熟悉时间，增强了学生的理解能力，加快了学生的理解速度，明显提高了中小学生、对于声乐的学习兴趣，活跃了课堂气氛，加强了教学的吸引力与感染力，使教学更具有了亲和力，实在是事半功倍、好处多多。
三 青少年声乐训练“口语化”的艺术性
明确了青少年声乐训练“口语化”的必要性与可行性，我们就要重点在具体实施与操作上下工夫，加强“口语化”教学本身的艺术性。这种艺术性具体可分为以下几点：
1.声乐训练运用通俗化的理论术语
声乐教学是一门艺术科学。理论性的知识和专业术语比较多，但要做到声乐训练中的“口语化”，就必须善于化理论术语为浅显易懂的口头语言。对此，一个有效的办法就是用同学们平时喜欢的一些影视作品和流行音乐中出现的一些音乐现象去解读那些理论性、概念性的知识。例如：在演唱中外不同音乐风格的声乐作品的时候，我们可以引用台湾歌手周杰伦的几首歌曲（《台》、《青花瓷》、《夜曲》、《玫瑰花的葬礼》）作为对比，前两首歌曲是运用中国传统五声调式，体现为中国风。后两首歌曲则出现了“4”、“7”，不断出现的主音“6”体现为西洋小调式。通过这样一番讲解，学生不但会比较容易的领悟此类理论性的知识点，并且还会对这类知识点留下较深的印象。
2.声乐训练运用时代化的表达方式
时代在进步，一切事物都在不断创新，不断发展。青少年声乐训练的语言也要具有21世纪的时尚化的新特点。首先，教师的教学语言要生动形象、风趣幽默，并带有鼓动性和激励性，才能更好的吸引学生的注意力和提高学生的学习兴趣。例如：可用“华山论剑”将同时期的几位音乐家作为对比，把这些音乐家的生平和成就以及声乐作品放在具有江湖意味的武侠世界里，学生就会感到更容易理解。其次，教师的教学语言应从学生生活中感兴趣的事情出发，激发学生听赏音乐的兴趣。例如：用时下流行的音乐、电影或歌手、演员来引导学生进入声乐学习的状态，养成自主学习的良好习惯。
3、声乐训练运用韵律化的语言教学
准确的、抑扬顿挫的韵律化语言是表达声乐作品情感的重要手段。如果声乐训练中没有了优美、生动的语言，就会使其变得燥无味，失去了艺术魅力。可见韵律化的语言是青少年声乐训练“口语化”进程中不可替代的部分。赋予韵律性的语言就在于节奏、力度、速度、语气等的恰当运用。这就要求教师自身首先要有情，按不同的教学内容，不同的教学对象，精心安排、设置语境，以达到以语激情、以情动情、以情感人、以情激思，使学生投身于作品之中，展开丰富的想象，动情的表达出对作品的感受。例如：在学习《我和我的祖国》这首歌曲时，可以用时而深情，时而激昂的讲述配以《我和我的祖国》优美的主旋律，将学生吸引到这首歌曲当中中，使学生一下子有了了解、学习和演唱的欲望。这样的交流使学生对声乐作品产生了强烈的兴趣，这一首首动人的声乐作品会长时间的保留在他们的记忆中。也许时间地推移会有遗忘，但当音乐响起时他们又会投入其中，并会随年龄，阅历的增长而不断提高欣赏层次。 教师在青少年声乐训练中要尽可能多的运用韵律化的语言教学，且不断地挖掘和提高，使学生获得更多的情感体验，这些情感体验会影响学生的一生，延伸至学生今后对人生，对社会的体验，认识，理解。.
学前教育专业的声乐教学目前主要以集体课教学为主，这种教学最大的问题是难以照顾到学生在声乐学习中的个性差异， 久而久之， 只有少数悟性较好的学生完成教学内容， 有大部分学生还不能建立正确的发声方法， 本文由wWW. DyLw.NeT提供，第一 论 文 网专业写作教育教学论文和毕业论文以及服务，欢迎光临DyLW.neT 这样必定使这些学生产生厌学情绪，失去学习声乐的兴趣， 严重影响了教学效果。为了解决这一问题，减少差异， 教师在对他们进行初步的摸底、了解之后，根据学生的特点进行分析、归类，分组上课，使教师在课堂上可以有针对性地对学生进行训练，这样不仅提高了学生的学习兴趣，而且提高了教学质量，使每个学生每一节课都有一定的收获，领悟能力好的学生可以使这项技能更加突出，领悟能力一般的学生不会因为进度太快而出现基础还没学会就只能跟着往下学的情况。分组教学让学生清楚其目的不在于优劣， 而是使他们能够清楚自己的进度，科学合理地进行学习，增强他们的信心， 使他们可以愉快地学习。
二、教学中，教师应采取切实有效的办法，循序渐进地进行训练
最初的声乐训练，是打基础的阶段，是每一位学习声乐的人迈出的第一步。俗语说“好的开始是成功的一半。”任何一项技能的训练都不是一蹴而就的，都要有计划、分步骤地进行，才会有真正的收获，声乐训练也必须要遵循客观发展的必然规律才行。不能盲目，也不能操之过急，要在稳中求胜，在坚持不懈的努力中求得发展，引导学生认识到声乐训练的科学性。训练的过程首先是音准训练，其次进行打开喉咙的无声练习，以开口引喉、松舌放喉、打哈欠扩喉、深吸气开喉等练习反复训练，使学生熟练地控制自己的喉咙。这在今后的学习中是至关重要的。接着训练声音的高位置以及深呼吸。在同学们可以理解并且体会到这些要领之后，教师根据学生的特点，选择难度适当的发声练习以及简单的声乐曲目，在实际练习中，使学生掌握深气息、高位置、打开喉咙三者协调配合的技巧。这往往是学生感到最困难也是学习声乐最有趣的一部分。只要在训练过程中教师能够不断地鼓励、认可学生，学生就会有不同程度的进步。与此同时，要求教师要不断地研究新的教学方法，积累丰富的教学经验，提高学生的演唱技巧。
三、利用好课外活动，拓展声乐学习的实践范围
学前教育专业培养的是一专多能的学生，通过一段时间的声乐学习之后，学生对声音的概念会有一个自己的理解。此时教师可以通过对声乐知识的拓展，指导学生多方面正确使用声音的方法，鼓励学生创办一些兴趣小组。例如，创办校园歌手社团、主持人社团、儿歌故事社团等，积累学生的实践经验，弥补课堂中因教学模式单一而造成的学生厌学心理，激发学生的学习主动性。
四、完善考核机制，对声乐的考核模式进行改革
一直以来，声乐的考核成绩都是由学生期末考试时演唱的一首歌曲来决定，这样的考核比较单一，不能反映出学生平时的实际水平，也看不出教师的教学情况。针对这一问题，学校应该采取有效的措施来解决。将学生的成绩做以下几方面的综合考核：第一，课堂情况记录，包括学生的上课笔记以及完成教学情况的记录；第二，学生的单独观摩成绩，也就是在一首歌曲或练习结束后的课堂展示；第三，课外拓展学习成果，包 本文由wWW. DyLw.NeT提供，第一 论 文 网专业写作教育教学论文和毕业论文以及服务，欢迎光临DyLW.neT括学生参加与声乐相关的各种比赛和兴趣活动的汇报展示；第四，学期末演唱的考试歌曲的成绩。最后将这几方面按照一定的比例分配，给出学生该学期的最终成绩。这样的考核方案可以有效地解决老师和学生的管理问题，也可以全面地反映学生的学习情况。
综上所述，中职学前教育的声乐教学任重道远，中职学校的声乐教师更应该不断地在实践中总结、创新。只有这样才能更好地完成教育教学目标，进一步提升教学质量，营造一个良好的教学环境，积极地推进中职学前教育事业的发展，使学生的专业素质和综合能力得到进一步提升，为今后的工作和学习打下良好的基础，为学前教育事业做出积极的贡献。
参考文献：
(一)花腔歌曲的创作
这方面的研究以对尚德义花腔艺术创作的研究最为突出。尚德义是我国当代著名作曲家，他开创了花腔歌曲创作的先河，对歌曲创作和民族声乐艺术发展有着深远意义。目前的研究主要有以下方面：
1．花腔歌曲的创作技法。陈朝霞和李燕的硕士论文中均对尚德义花腔创作技法进行了分析，指出他在创作中旋律的抒情性与舞蹈性、典型功能性和声与传统性终止式的巧妙运用、大胆创新的转调和严谨和谐的曲式结构等方面，对西方创作手法有一定的借鉴和创新⋯2J。蔡莉还对尚德义的转调技法创作进行了一定的阐述，从同主音转调、等音转调、远关系转调、羽徵调式的交替、平行大小调交替等方面进行分析j。另外，也有对花腔歌曲创作的曲式进行研究的，如王玮对胡廷江创作的《玛依拉变奏曲》中变奏的具体元素进行分析，论述了花腔运用在多次变奏中的作用和意义。殷志华和张向侠也分别对《玛依拉变奏曲》和《火把节的欢乐》从曲式结构方面进行了分析研究儿。
2．花腔歌曲创作的民族性。尚德义在歌曲创作方面的积极探索，实现了花腔与民族音调的完美结合，如浓郁哈萨克风情的《牧笛》、新疆维吾尔族风情的《七月的草原》、热情欢快的彝族风格的《火把节的欢乐》、蒙古族长调特点的《小鸟飞来了》、藏族风格的《藏家姐妹踏歌来》等。王娅指出，尚德义在花腔歌曲创作中广泛吸取了民族民间音乐素材及花腔因素，如蒙古族长调中的颤音、小跳音，评剧甩腔里的断音、快速走音及跳音，京韵大鼓、西河大鼓等说唱音乐中的断音以及民族器乐作品中的华彩旋律等，把这些花腔因素与特定地域的音调相结合，创造出了具有民族调式、和声、旋法的花腔旋律。张亚丽论述了尚德义花腔歌曲的题材、音乐语言、演唱艺术、音乐审美中的“民族因素”，以及对我国传统音乐中“散板”节奏的借鉴J。彭根发在“尚德义教授作品音乐会”学术研讨会上讲到，他的花腔旋律“按照中华民族的调式、和声、旋法创作出有民族特色、地方特色的花腔音乐，使他的花腔歌曲具有鲜明的个性”l9。王贺着重研究了各民族地区的典型节奏型和民族风格衬词衬腔在尚德义花腔作品中的运用，并结合具体花腔歌曲的节奏型方面进行了实例地方性分析和探讨。。
3．虚词、衬词的运用。尚德义善于利用衬词在花腔作品中表达内容和情感。他认为，为了更好地表现作品的思想感情，可以不受歌词的限制，“暂时地局部地离开歌词，用‘啊’连音或顿音来表达歌词所不能表达的情绪”，以使花腔有发挥的余地引。李雪峰指出，在《千年铁树开了花》中“以‘啊’唱出的大段花腔部分以四音模进手法，使激动的情绪层层递进直至散板式的华彩长句出现，才使音乐的情绪真正达到了全曲的最”，产生强烈的艺术效果；《今年梅花开》则巧妙地运用东北民歌中的“啦啦调”衬词。王文澜指出，尚德义花腔作品的无词部分，有些是对原有词意的拓展和深化，有些则是对歌词未尽之意的补充，在审美意境上，这样的拓展、深化和补充是必要的。在其他作曲家的作品中，如胡廷江的《玛依拉变奏曲》中各句句末字分别为“拉、家、下、花”，押“a”韵，作曲家在变奏中增加的花腔部分巧妙地运用“啊”的开口音，使得歌曲在语言上无比和谐、连贯，一气呵成，刻画了玛依拉活泼可爱的形象J。杨英在对声乐随想曲《春江花月夜》的艺术特色分析时讲到，通过虚词“呜”和“啊”的运用，实现了“情与景、声与情”的叠合引。
(二)花腔歌曲的演唱
学界对花腔演唱的研究主要是对某一首或某几首歌曲的分析，这类研究针对性较强，多是从某首花腔歌曲的曲式、演唱风格或主要对华彩部分的分析与艺术处理等方面展开的。
1．花腔演唱的技巧与情感处理。如余惠承在对《七月的草原》讨论时，把宋斌廷原词和经过尚德义处理后加了花腔衬词的歌词以表格形式进行对比，认为用衬词“啊”来形成华彩乐章，有利于演唱者的二度创作，使演唱者通过花腔技巧，展示美妙的音乐形象；还分析了具体各花腔部分演唱时的气息要求和母音的情感表现的细腻处理。殷志华对《玛依拉变奏曲》从变奏曲式的角度进行了分析，尤其是每次变奏后长音处用音阶的形式进行不同的加花处理，还强调了很多花腔女高音适当改变曲子节奏音型的演唱手法，丰富了旋律，使歌曲更加流畅、优美，富有歌唱性J。杨明玉结合自己毕业音乐会的演唱进行了探讨，指出在演唱《小鸟飞来了》这首歌的颤音时，不能用西欧演唱颤音的方法来套，而要借鉴极具蒙古地方特色的“诺古拉”颤音方法来唱，放松喉咙和咽部，在富于弹性的气息支持下，用咽部的颤动去唱，以及在处理这类花腔部分演唱过程中下颚、软腭、舌根等部位的具体状态_l。李燕探讨了尚德义花腔艺术歌曲演唱的“情调性”、演唱情感的“真实性”、演唱行腔的“流畅性”、演唱与伴奏的“协调性”等问题|2J。樊霄英在论文中通过分析多首尚德义花腔艺术歌曲的演唱，比较中西花腔演唱技巧异同，得出了富有中国特色的花腔演唱技巧，如倚音、颤音、跳音和快速音阶、琶音等装饰的演唱处理¨。
2．花腔的音色要求。还有研究提到音色与花腔的关系，如罗静和程萍都曾提到在演唱《春江花月夜》时，音色具有很强的形象性，这首歌曲的花腔部分需要一种自然纯净、古朴典雅而不失晶莹透亮、轻盈飘逸的声音音色来演绎。杨英对《春江花月夜》演唱中开头结尾“箫的音色移植”、歌曲中间及部分“花腔吟唱琵琶音韵”、“渔歌唱晚”主题音乐的花腔处理等作了分析研究u。
3．花腔演唱的人文素质要求。花腔演唱者不但要有过硬的技巧，还要注意人文修养的提高，才能真正完整地表现出花腔歌曲的内容和意境。程萍指出，“声乐随想曲《春江花月夜》是一首对演唱者的人文素质和演唱技巧都要求很高的作品”_20]。
(三)花腔歌曲的训练与教学
作为新颖别致的艺术风格，把花腔应用于民族声乐中，不仅能丰富声乐教学内容、发展和巩固声乐学习者的技能技巧、激发演唱者的歌唱欲望，而且还能丰富乐感，启迪艺术创造思维，促进演唱者心态的健康发展，有利于提高声乐演唱和教学的质量。因此，对花腔技巧本身的研究，花腔技巧的训练以及花腔在民族声乐教学中的应用等研究有现实意义。杨娃对西方花腔技法和我国传统润腔技法进行了比较研究，总结了两者的异同与联系，对目前民族声乐花腔的行腔研究有一定指导意义。韦亦瑁指出了传统音阶练习方式对花腔训练的局限性，提出选择优秀花腔歌曲中有针对性的乐句和乐段作为练声曲，加强连贯性、灵活性以及字声结合训练的必要性和有效性_2。沈金华、方露娜等也提出了具体花腔训练方法，即柔软性和圆连音的训练、音阶琶音的训练、渐强与渐弱的训练、跳音的训练、颤音的训练和其他装饰音训练等，并且给出了一定的训练提示或训练步骤_24J。
(四)美学方面
这部分研究多针对某首花腔歌曲展开各部分及整体的赏析，尤其突出花腔部分所展现的意境美，或是从作曲家对花腔歌曲创作的美学思想等方面展开。
1．歌曲赏析。刁笑萌在《鸟儿在风中歌唱》美学研究中，提出花腔部分对表达凄凉之美的重要作用，认为华彩乐段“啊”部分是整首作品意境的点睛之处，花腔部分以富有装饰性的变化曲调表现出快速灵巧的独特色彩，运用了半音阶下行的写作手法将其鸟儿的忧伤、压抑和叹息的无助表现得活灵活现，这也正是作品独特凄凉之美存在的原因，震撼心灵，无词之韵唱出有词之意，达到“此时无词胜有词”l2。王文澜专门探讨了花腔歌曲无词部分的审美意境，华彩性花腔部分无论是跳跃性的节奏、重复模进或是速度上渐快渐慢的处理手法，均恰当而丰富地表达了主题ll。对《春江花月夜》杨英分别从选材、创作题材、器乐化的人声运用及民族化的钢琴伴奏形象等方面进行了全方位的赏析，认为它“将中西方的音乐元素和审美意识融会贯通，用声乐艺术和高超西化的花腔演唱技巧诠释中国古典名曲”。
2．美学思想。正如尚德义本人说：“我写花腔，注重上口，讲究发声自然流畅，追求美的品质，不为花腔而花腔。”_2在尚德义教授作品音乐会学术研讨会上，张小平评价说：“其美学价值在于对音乐本身纯粹性的探索，反映了作曲家纯朴的美学观念。”买岩萍、赛音等在论文中从题材选择的境界追求、艺术风格的境界追求、歌词选择上的境界追求、旋律美的境界追求、钢琴伴奏的境界追求等方面论述了尚德义歌曲创作的美学思想。
二、研究评述
中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）05-0108-02
上海音乐学院的周小燕教授在声乐实践上所做的贡献，大家有目共睹，因为在演唱上所取得的佳绩，上个世纪40年代在法国求学的她就被西方声乐界誉为来自东方的“中国夜莺”，那个时候的中国，内忧外患、苦难深重，深受着帝国主义的和压迫，有如此优秀的中国留学生扬名于西欧的歌坛，可算是为祖国争了光，赢得了美誉。后来她回到国内主要致力于声乐教学，凭她在国外掌握到的美声歌唱艺术的真谛在中国声乐艺术的园地里苦苦耕耘，其效果非常显著，尤其是在改革开放后，她一波一波的弟子们频频在国际国内歌唱大赛中摘得桂冠，更是使她声震华夏，亦名扬海外。由此可见，周小燕教授的声乐教学是非常独到而且成功的，她在声乐教学上的成功，一方面是来自于周先生本人对声乐艺术有着一般人所不具备的先天的禀赋和灵感，另一方面则是来自于周先生个人在长期的声乐演唱和教学实践领域里所获得的一切经验和教训，这些经验和教训经过在周先生的脑海里长期的积淀和思考便形成了周先生自己独特的声乐教学理论和思想。最近几年，全国声乐界几乎掀起了向周先生学习的热潮，我们都在探究周先生声乐教学的“奥妙”，关于周先生独到的声乐教学理论和思想是我们在声乐教学和科研中探究的重中之重，我们应该学习和总结专研她的这些声乐理论和思想，深刻领悟她的声乐理论和思想并用之于我们的声乐教学，不仅应该，而且显得非常的必要和重要，但是，我们应该向周先生学习哪些方面的声乐理论和思想呢？众所周知，声乐教学有别于一般普通学科的教学，它在教学上所表现出来的灵活机动性使个体的声乐教学经验在很多方面是无法用语言给以表述的清楚，用我们传统的说法就是：“只能意会而不能言传”，要详细具体的论述周先生哪些方面的声乐教学理论和思想是值得我们应该好好学习和发扬光大的，这不仅很难而且亦不现实，（所以我认为这也是周先生自己本人至今也并没有奉献出这方面的声乐教学理论专著的根本原因之所在吧）但是，从宏观、整体的角度，尤其是周先生在声乐教学上思考问题和解决问题的方法方面所表现出来的那种博襟和深邃的气魄，那种胸襟气魄下所产生的大智慧所产生的深刻理论思想却是我们每一个人都应该值得好好学习的。这一点是我最近重读她的几篇声乐论文后所想到的，以下是对这一问题的详细阐释。
我们到底应该向周小燕教授学习什么呢？
一、学习她在声乐教学方法上集各家之所长，溶集体智慧于一身，然后归纳总结这些先进的教学理论和思想，做到“广取博收、为我所用”。
这一点是在重读其论文《男高音中声区和换声区的训练》后给我的深刻印象。业内人士清楚，声乐界似乎有个说法：“男高音，难高音，真是困难”。意思就是说训练男高音的难度超过其它任何声部，也有的教授曾经讲过，宁愿自己训练十个女高音，也不愿意去训练一个男高音，这同样是道出了训练男高音的艰难之苦。鉴于此，周小燕教授在上个世纪70年代末专门组织了一个男高音教学“攻关小组”，攻关结束后，周先生在1979年的第1期的《音乐艺术》上发表了《男高音中声区和换声区的训练》的声乐论文，在这一“攻关小组”成员集体智慧的基础上形成了自己独特的训练男高音声部的方法。后来的事实证明，她的这一理论思想指导下的男高音声部的训练方法对男中、低音声部也是适用的，其理论思想对我国乃至世界的男声声部训练都有着极大的贡献。她后来培养出那么多活跃于国际国内歌坛的男高音罗魏、顾欣、王丰、张建一、魏松以及男中音廖昌永、张峰、杨小勇等歌唱家，便是这一事实的有力证明。不管周先生在文中所持的观点是否对每一个声乐教学人员都有所帮助和裨益。但是，重读该文后，确实给了我这样一个信号：声乐教学必须认真总结，我们必须集各家教学之所长，去粗取精、去伪存真、广取博收、为我所用。综观历史，其实历史上任何伟大的理论和思想也无不是在认真总结形成该理论和思想的他（她）人的成果再结合自己的创新而出现的。
二、学习她在声乐教学上不拘泥于单一演唱和教学模式，主张多种演唱风格并存，坚持声乐艺术的“民族性”思想以及提倡互相借鉴、相互学习各自的演唱方法和特色，做到“百家争鸣、百花齐放”的思想。
纵观周先生各个时期的学生，无论是魏松的磅礴大气还是廖昌永的温文尔雅，无论是万山红的雍容华贵还是方琼的细腻柔美，无论是高曼华的激情咏叹，还是鞠秀芳的纯朴清野；无论是廖昌永演唱的西洋歌剧咏叹调还是中国艺术歌曲和地方民歌，其演唱风格都纷彩各异、迥象万千，而且十分的地道，绝没有我们今天所批判的那种“千人一腔、万人同声”的大一统的演唱模式。究其原因，这无不与周先生那海纳百川，有着博大、宽阔的胸襟去包容一切、接纳一切（演唱风格），怀抱着不拘泥于单一演唱的教学模式，始终坚持百家争鸣、百花齐放，多种演唱风格并存和声乐艺术的“民族性”思想以及提倡互相借鉴、相互学习各自的演唱方法和特色的声乐理论思想主张有关。在《中国声乐艺术的发展轨迹》这篇文章里，她将这一思想和主张阐述得再明白不过。她建议学习美声唱法的歌者应该向我们的民族传统学习，认为我们的传统声乐艺术博大精深、资源丰富。她说：“我们的一些专门学习美声唱法的青年学生，对民族声乐传统缺乏了解，缺乏感受，缺乏求知意识，甚至以为民歌、曲艺、戏曲、古代歌曲的唱法与美声唱法行当不同，又何必下苦功研究学习呢？这种片面的观念使他们在实际演唱中尝到了苦味，尤其是在演唱中国艺术歌曲和歌剧唱段时暴露出这样那样的弱点。”②“包括戏曲、曲艺、民歌、民族风格浓郁的创作歌曲和歌剧演唱在内的民族声乐，作为中国文化传统和文化精神的一种生动体现，有着深厚的历史根基和广泛的艺术影响，它在咬字吐音、气口、运腔、音色、真假声运用、装饰性处理、风格表现等方面的独特个性，是美声演唱所不可替代的。”③对于以学习传统声乐为主的歌者借鉴西洋美声歌唱艺术的一些方法取得的进步也是持赞赏和肯定的态度。“京剧演员杜近芳、李维康不仅善于掌握梅派的特点，而且能够适当运用美声演唱的共鸣方法，使其演唱京味浓郁，气息流畅，声音也显得明亮圆润。”④但是她也告诫“以中国传统唱法为专业的青年学生，也需努力提高自身的民族民间音乐素养，倘若满足于表面的形式，而不求传神，依然难以表现好中国歌曲的风格特性。黑格尔在其《美学》一书中写道：‘各门艺术都或多或少是民族性的，它们与某一民族的天然的资禀密切相关。’”⑤总之，她认为从事这两种演唱风格的歌者应该互相学习和取长补短，“现在，一些唱民歌的或是唱京、晋、豫等戏曲的演员，已经不像从前那样憋紧喉咙演唱或单纯采用一部分共鸣（仅用头腔、或咽腔、或胸腔共鸣），而是吸取了美声唱法的优点，注意喉部肌肉松弛，用上一些混合共鸣，声音便有所改善……同样，学美声的也在努力学习戏曲、曲艺演唱的吐字、行腔以及演唱风格，使美声唱法能够较好地结合中国语言的特点。这些现象是符合演唱艺术不断进步的时代趋势的。”⑥ “世界上许多国家，一方面大力发展国际性音乐品种，如交响乐、室内乐、艺术歌曲、歌剧等，另一方面十分重视发展本民族固有传统形式，如民间歌舞、民族器乐、民族的音乐戏剧等，这两者是并行不悖，可以同时提高、互为促进的。民族声乐和美声唱法在中国的发展也应是如此。多种演唱方法共存，有利于比较、吸收，彼此取长补短，相得益彰。”⑦由此可见，周先生虽留法八年，喝的是西洋声乐的墨水，经受着多年西方声乐文化的洗礼和浸润，学的是地地道道的美声歌唱艺术，但她却没有以此而自居自傲，忘掉了我们的老祖宗，没有持祖国的传统声乐艺术落后论的思想只一味的去拘泥于西洋美声歌唱这一单一的演唱和教学模式，相反，她持的是文化相对主义的观点，以开阔的胸襟，博大的情怀去接纳一切，包容一切，认为中国传统的声乐艺术源源流长，精彩纷呈，有许多精髓值得我们去学习和继承，主张美声歌唱艺术和传统的声乐艺术应相互借鉴、相互学习，多种风格并存。正是因为她的这一理论思想主张的坚持，所以，她教授培养而成功的学生，在演唱风格上无不呈现出纷彩各异，迥象万千的良好特色，那种“千人一腔、万人同声”的演唱模式基本上也与她培养的学生无缘，难能可贵的是周先生从不拘泥于古传统声乐艺术在演唱和教学上只重视发展高音声部尤其是女高音声部的习法，各种声部（男高、男中、男低、女高、女中、女低）齐头并进，各种风格竟相迸放，尤其是今天的廖昌永，无论是演绎西洋的古典、现当代声乐作品还是演绎中国的创作歌曲、民歌，包括廖昌永演绎通俗音乐作品（比如专辑《情释》中的《有多少爱可以重来》、《月满西楼》、《爱上你是个错》等），周先生都是持肯定、支持、宽容的态度⑧。也正因为此，在今天，上至学院派的精英，下至平民百姓，都没有不喜欢廖昌永的声乐演唱艺术的。
三、学习她在声乐教学后的自我反思、不断总结、不断否定、谦虚谨慎、虚怀若谷、没有终点、只有起点，永不满足于既有成绩的思想和作风，作到“活到老，学到老”的思想。
一九八四年七月、八月间在奥地利首都维也纳隆重揭幕的贝尔佛岱莱歌剧歌唱家比赛中，中华人民共和国参赛的四名选手又全部进入了最后的决赛，不仅如此，周小燕子教授的学生张建一、詹曼华，还取得了并列第一名的出色成绩。在拥有四十余个国家、二百四十七名选手参加的这次比赛中夺魁。照说，取得了如此骄人的成绩，周先生是应该回到国内好好炫耀炫耀一番的，但是，恰恰相反，周先生却保持着一颗冷静清醒的头脑，她在其学生获奖后不是大肆炫耀而是认真总结这次比赛中我国选手所表现的不足。她说：“……所以，当人们赞扬张建一，说他唱得比卡莱拉斯还要好时，我就对张建一说，‘可不要真以为如此，就以唱过的曲目数量来看，你仅达到卡莱拉斯的一个零头。’当然，这也不能完全责怪他们。因此，我希望今后我们派出国的选手，不要因为比赛需要多少首歌就准备多少首歌。这种‘突击’作法很不好。我们应尽快地把目前这种脱离基础或基础不广的倒三角状态改变过来。它不应该再存在下去了。我们也一定要改变我们的观念和做法，不要把声乐人才的培养局限在声乐的范围之内。他们应该是有深广文化、艺术修养的、有过硬基本功的人才。我们应该培养他们的各个方面，包括高尚的道德品质、丰富的生活经历和艺术情趣等等。”⑨试想，说出这样的话，需要多么大的勇气，在成绩面前，不是夸大其辞，而是自我“检讨”、“自我反思”、“自我责备”，这是怎样的一种胸襟呢？她还说：“……是否可以这样说，今天在我们学生身上出现的许多问题，除有一部分是由于学生的基础、条件等所造成的外，有的就是因为教师本身就存在着这方面的缺陷呢？我说这话当然完全包括我自己在内。因此，我深深感到，我们今天正在从事声乐教学的教师，有必要在看到自己教学成绩的同时，冷静地剖析一下自己，要努力更新知识，进一步完善自己的‘装备’。同时，为了保证‘工作母机’的质量，我们也应该慎而又慎地选择和培养声乐教师，使其成为一支真正称得上实力雄厚的队伍”。⑩“……这次获奖果然令人振奋，但我认为，在这样的时候，我们不能只看成绩，不看缺点，让胜利冲昏了头脑。我们应该把这次胜利看作是一个起点而不是终点。今后的路程会更长、更艰巨”。{11}因此我想正是周先生具有这种善于自我反思，不断总结、不断否定、谦虚谨慎、虚怀若谷、没有终点、只有起点，永不满足于既有成绩的思想和作风，再加上她本身在声乐艺术上的丰富学养，所以，她在其以后的教学生涯中，进而才获得了一个又一个突破和跨越，魏松、廖昌永、张峰、李秀英等等一个个闪亮的高足都出自其门下，这也就不足为奇了。
我们到底应该向周小燕教授学习什么呢？
看看以上三点，也许就明白了我的意思。
基金项目：该文系2013年度教育部人文社会科学研究规划基金项目“20世纪中国声乐留学生群体研究（1900――1959）”阶段性成果，项目编号：13YJA760007
注释：
①主要指《男高音中声区和换声区的训练》（《音乐艺术》1979年第1期）、《中国声乐艺术的发展轨迹》 （《音乐艺术》1992年第2期）、《声乐人材培养中应该注意的几个问题――从维也纳国际声乐比赛获奖谈起》（《音乐艺术》1985年第4期）这三篇文章。
②周小燕《中国声乐艺术的发展轨迹》，《音乐艺术》1992年第2期第37页。
③同上44页。
④同上45页。
⑤同上44页。
⑥同上45页。
⑦同上45页。
⑧廖昌永录完新专辑《情释》后告诉记者，在所有歌曲录完以后，他还是有点担心，于是他把专辑送给了老师周小燕试听，“有点出乎我的意料，她很满意，而她最喜欢的是那首《月满西楼》”（环球日报新闻网）。
二要扎根在中国民族声乐艺术沃土。中国民族声乐艺术源远流长，声乐艺术理论日臻完善和系统化。早在2000多年前，《韩非子？外储说左上》就有了声乐教学理论的记载：夫教歌者，先呼而出之，其声及清徵者，乃教之。一曰：教歌者先揆以法，疾呼中宫，徐呼中徵，疾不中宫，徐不中徵，不可谓教。这即是说，教唱歌应先看学生的基本条件，强调教以正确的歌唱方法和呼吸方法。另据《史记？师乙篇》所载：故歌者[提供写作论文服务，欢迎光临dylw.net]，上如抗，下如坠，曲如折，止如槁木，倨中矩，旬中佝，累累乎端如贯珠。这说明在当时歌唱就要求气息运用流畅，歌唱如线贯珠。中国的京剧唱腔，声区统一，字正腔圆，既能婉转如歌，又能抒发悲壮之情。尤其在唱高音的时候，强劲有力，穿透力强，且高音可唱到小字三组的c-e，甚至更高。此种唱法及其训练之道，能否借鉴于中国声乐演唱训练，的确值得我们思考和研究。
三要借鉴“西洋唱法”的先进经验。人类发音器官的结构和发声原理是相同的，绝对没有哪位歌唱家的发音器官比别人多一个或少一个部件。那么，不管是中国人还是西方人，在进行声音训练时就有共性，就有相互借鉴的地方。“西洋唱法”历史悠久，除语言和音乐风格与我们有区别外，在嗓音训练方法和声音美学方面有值得我们借鉴的地方。过去有人说，“西洋唱法”声音宏亮、宽广、浑厚，有较强的戏剧性，不宜表现中国民族声乐作品。到底如何借鉴“西洋唱法”中的先进经验，中西结合，达到发展我国声乐艺术的目的，我们的先辈和广大声乐工作者已经作出了长期的、艰苦不懈的探索，也总结出了许多丰富的经验，总的来说不外乎两个方面：一方面是在声乐教学中，根据学生声音特点，因材施教，广泛汲取西洋唱法中先进的训练方法。第二方面是如何将美好的、受过良好训练的嗓音运用于风格不同的中国作品的演唱中。
二、正确理解科学的发声机理建立切合实际的发声体系
人的嗓音，就是一件乐器，一件能用不同语言表现音乐的奇妙的乐器。人要做到能正确、科学的发声并利用好嗓音这件乐器表现音乐，了解嗓音生理结构和发声原理是前提。人的发声器大体由声带（含假声带）、胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔构成。简单的发声原理是：声带在气体的冲击下产生振动，然后声带振动发出声音，经过胸腔、咽腔、喉腔、口腔、鼻腔、头腔的共鸣，便发出响亮和动听的声音。音质、音色和演唱能力，都是由共鸣腔体调节出的不同结果。要做到自如调节共鸣腔体，必须经过严格、正规的训练。自然的歌唱与人的情绪、心理和其他肌肉、器官积极配合、协调有极大的关系，甚至是歌唱活动“生死存亡”的关系。如：喉器的位置在哪，气息怎样运动，路线如何，软腭在不同音高时的状态，舌根、舌头的运动，下巴如何运动，怎样张嘴，人的身体如何配合等都关系到声音的好坏。
有的同学急于求成，教师拔苗助长，在短时间内拔音量、拔高音、唱大歌，这样只会适得其反。结果，学生一开口全是毛病，有的毛病根深蒂固改都改不了。因此，初学声乐时，把中声区的基础打牢固，形成正确、积极、良好的歌唱状态是歌唱训练的原则性问题。
树立正确的发声体系，还有一个历史问题要克服，那就是唱法问题。过去人们把声乐分成“民族”和“美声”两大类，后来又有了“通俗”唱法。至使长时期以来，不管生还是教师，在声乐教学活动中，常常说某某学生适合唱美声，而某某学生适合唱民歌；嗓门大的、粗犷的、宏亮的便是好的“美声”料子，嗓门不大，但优美、细腻、抒情、嘹亮的则是民歌料子。在教学方法上也一味去追求某一方面的东西，去“造声音”。其结果是将音乐教学引入误区。正确的发声体系，要尊重实际，尊重民族，尊重发声的科学原理，切不可人为的、主观的去认识。更要强调的是，人的嗓音如人的指纹，是不一样的，且每个人有每个人的特点。
三、运用行之有效的训练方法
声乐教学，难就难在因材施教。要做到对不同的学生，都有行之有效的训练方法。在教学过程中有几条原则是必须遵守的。
（一）先“相才”再“施教”的原则
我国高等院校音乐学科的声乐教学(不包括音乐学院声乐专业)，一直没有钢琴伴奏课，而没有钢琴伴奏课的声乐教学是不完整地的教学。声乐作品大多有难度较大或难度很大的伴奏，至于西方的某些艺术歌曲或歌剧中的咏叹调、宣叙调等，其伴奏的难度就更大了，如果想将这些作品的伴奏完整地弹出，没有一定的钢琴技术是不可能的。而眼下大多数高校声乐教师，虽然在声乐教学中有着各自的经验和方法，但缺少相应的钢琴技术，在学生歌唱时不能按原谱弹伴奏，只是简单地弹旋律，在遇到难度较大的伴奏时就以嘴代琴来伴奏。本来声乐作品是由歌唱部分和伴奏部分组成的一个艺术整体，二者互为补充，具有内在的和谐与平衡，而教师不能完整地弹出伴奏，这就使得所教授的作品失去了艺术上的和谐与平衡，也就失去了它的完整性。换个角度说，正因声乐作品有伴奏部分，而伴奏部分又不仅仅是简单的“背景音乐”，在很多时候它与“歌”是一种同旋律或不同旋律、同声部或不同声部的齐唱或重唱的关系，这就决定了声乐作品是多声的音乐作品。如果在教学中只注重歌唱部分而忽视伴奏部分，那么，学生就缺少多声音乐的训练，而缺少这方面的训练，学生就不能熟练而完整地掌握歌唱艺术，也就无法得到完整的声乐作品。高校声乐教学应该设置钢琴伴奏课并非空穴来风，而是由声乐教学的内在规律和艺术要求决定的。
二、应设置声乐音像欣赏课
声乐课的教学形式是“一对一”的小课，其课堂内容是以训练发声为主，然后再用少量的时间以唱作品来实践发音训练。这种教学方法虽然是声乐课行之有效的途径，但从声乐教学这个角度看，只有这一种教学模式显然是不够的，还应设置音乐音像欣赏课来作为声乐课的补充教学，以改变以往那种只有单一的、以发声训练为主的声乐课的教学模式，使声乐教学变得丰富而不再单调。第一，欣赏课应多欣赏各种风格、各种流派的作品，尤其是世界著名歌唱家的作品，这不仅能使学生开阔眼界，丰富声乐艺术的知识和修养，而且还能在欣赏过程中，通过对不同风格、不同流派的歌唱艺术的对比逐渐树立和形成正确的声音概念。第二，要欣赏有关声乐教学的音像资料，这是因为声乐音像教学资料是声乐专家多年教学经验的精华，其中不仅有如何正确发声、如何处理作品、如何演唱等内容，而且还体现了教师如何教、学生如何学的方法。学生们通过欣赏这类的音像资料，不仅能从中对照出自己哪对哪错，而且还能学到如何在课堂上与教师配合和协调，从而尽快地提高学习的效率。需要强调的是，声乐欣赏课最好是以某一位教师所教的学生为一组来开设，这样学生们可以在自己的任课教师的带领下，在欣赏的过程中，谈自己的感受和看法，进行学术式的探讨和交流，从而更深刻、更准确地理解和认识声乐艺术更快地提高声乐水平。
三、应注重形象思维的教学方法
声乐教学是一门特殊的教学。笔者认为在声乐教学中注重形象思维是解决这个问题的有效方法。因为形象思维能将抽象的变为具象的，把死板的变为生动的，从而使人们在联想和对比中去接近事物的本质。关于这一点，我们可以从声乐教育大师沈湘先生的教学中得到印证。在谈到共鸣和共鸣腔体时，沈湘先生解释：“例如：小提琴，假如只在指板上上好弦，没有琴身，拉起来声音很刺耳，给提琴安上琴身，提琴有了共鸣腔体，声音就理好听了。我们人声乐器的道理也一样，打开腔体，让声音通过腔体振起共鸣再发出来，就成为优美动听的歌声了。”在讲解气息对声带的作用时，沈湘先生把两个纸条放在嘴唇边吹气，纸条立刻向中间的气流靠拢，并碰撞发出声音，把无法看见的气息对声带的作用形象地展现在学生的面前。沈湘先生这种形象思维在声乐教学中的运用，确实把抽象的化为具象的，把概念的变为生动的，从而使高深莫测的声乐原理和理论变得浅显易懂，使难以掌握的声乐艺术变得相对容易掌握。
四、培养学生的研修能力
长期以来沿用着专业音乐学院的声乐教学模式，注重声乐演唱技能的培养而忽视了对其他理论科目的重视。然而，在高师声乐教学大纲中对教学目的和任务这样规定“要求学生掌握声乐基础理论知识和技能技巧；能分析一般声乐作品；有一定的范唱能力；胜任中等学校音乐课的唱歌教学和课外声乐活动辅导工作”。可见培养高师学生的目标是培养中学教师和社会教育机构的音乐教育工作者，以提高国民音乐素质，进行音乐文化的普及教育。因此，在声乐学习过程中，学生不仅要具备高素质、高水准的演唱技能，还必须有扎实的音乐文化基础知识，声乐的艺术表现是依靠丰厚的理论知识与声乐基础技巧的结合。
音乐理论与专业技能训练是相辅相成的，要想成为一名优秀的音乐工作者，在掌握高超专业技能的同时还需具备良好艺术修养。但是，很长时间以来在我们的高师音乐教育中似乎形成这样的现象，对音乐理论感兴趣的同学认为，只需要把理论知识学好就可以了，根本就不懂得演唱技巧方面的内容，甚至瞧不起从事声乐技巧研究方面的人；对声乐技巧感兴趣的同学认为只要会唱，能炫耀的声乐的技巧有多高深，一味地勤学苦练技巧，忽视了理论研究在术科学习中的重要性。因而，应注意课程结构上的综合性和均衡性，合理安排必修课与选修课，提高学生的应用能力和理论水平。
一、注重学生理论方面的学习
优美的旋律，美妙的声音是通过娴熟的歌唱技巧来获得的，然而要想营造一个较高的艺术境界，则需要其他音乐理论知识来润色。在进行声音技术训练中，对其他音乐理论学科的学习与声乐技巧的掌握是相互依托的，精湛技巧的掌握需要理论的支持，理论的领会也需要技巧去充实与体会。对主修声乐的同学来说，我们必须对与声乐技巧有关的理论知识作充分的了解和学习，如基本乐理、和声、作品分析和中外音乐史等方面的知识，如果缺乏了对音乐的基本知识的学习与掌握，我们只能做一个单纯的声音的模仿者。我们只有通过对音乐理论知识方面的学习，我们才能提高对音乐欣赏和理解的能力，提高专业综合水平，才能根据自己的理解进行声音艺术上的加工与创新，以适应声乐教学、创作、表演鉴赏的需要。同时还有必要对更深层次的理论知识作研究，掌握其与技术的关系，以提高自身的修养，努力适应社会发展的需要。
二、注重学生综合技能方面的训练
声音技巧的掌握是歌唱的根本问题，是表现音乐的重要手段之一。一首优秀的声乐作品，如果能够通过声音把鲜明的音乐形象让听众产生共鸣，对于歌唱者来说，就需要具备良好的专业技能修养了。如果没有掌握良好的歌唱技巧，完美的音乐形象就无法表现出来，就无法表现舒展的、紧张的、高亢的、低沉的音乐情绪，不同的内容、不同的情绪需要用不同的技巧来表达。只有这样，学生要真正掌握歌唱的技术要求和音乐的表现力，做到独立思考，提出自己独到的见解，不断提高分析和处理作品的能力。
高师声乐教学的主要目的是培养综合型的音乐教学人才，学生除了具有演唱方面的能力，还应具备其他能力方面的训练，如：教学能力、分析、理解、处理作品的能力、艺术实践的能力等等。我们在进行声音训练时，我们必须认真分析作品并对其进行正确的艺术处理，首先我们了解作品的背景、风格、创作意图、演唱情绪等，还要对作品的曲式结构、节奏特点、调式调性，以及其歌词韵律、作品、声音色彩都有必要解读。“声音作为一种物理现象具有音高、音长、音强、音色等要素，音乐的创造者把这些要素纳入一定的体系中（如调式、调性、节拍）使之系统而有序，并在文化的发展中不断完善与丰富，从而成就无数动人心弦的乐曲，是音乐艺术在人类的生活中产生无法取代的作用”。
三、加强舞台表演的实践
为符合高师声乐教学的目的，培养出来的学生更具有师范性，因此，在对高师声乐专业的学生教学过程中，声乐课堂的教学不仅仅是规范声音技术问题，而是必须重视学生教学实践能力的培养，提高学生的表演演唱水平。舞台表演的好坏直接反映学生综合专业的学习情况和演唱技巧掌握运用能力，这也在于对学生演唱技巧的实际应用。声乐学习是一门集艺术性、技术性、知识性和实践性为一体的学科，学生不但要会唱、会教还有要会演，即加强学生的声乐表演技能的教学能力和音乐活动的组织能力。学生要不断地参加艺术实践，在艺术实践中不断提高自身的演唱水平，锻炼他们的心理素质。学生在舞台上的一招一式，与他们平时的学习积累及生活中的真实情感体验分不开，精彩完美的舞台表演是声乐课堂上理论与技巧的的体现。
在声乐专业学习的过程中，应把理论学习与技能应用有机的结合起来，既要掌握在实践过程中所需要的理论知识，又要在实践中联系理论，要学生知道怎样做，为什么要这样做。音乐理论与声乐技能之间相互依托、支撑，只有真正了解了与技术有关的理论，掌握与技术的关系，才能更好的懂得艺术的奥秘。同学们只有具备全面、扎实的知识以及能灵活地运用所掌握的知识的能力，才能适应社会的需要，市场的需要，也才能实现自己的人生目标。
参考文献：
[1]郭声健.音乐教育论[m].湖南文艺出版社,2004,12.
长期以来沿用着专业音乐学院的声乐教学模式，注重声乐演唱技能的培养而忽视了对其他理论科目的重视。然而，在高师声乐教学大纲中对教学目的和任务这样规定“要求学生掌握声乐基础理论知识和技能技巧；能分析一般声乐作品；有一定的范唱能力；胜任中等学校音乐课的唱歌教学和课外声乐活动辅导工作”。可见培养高师学生的目标是培养中学教师和社会教育机构的音乐教育工作者，以提高国民音乐素质，进行音乐文化的普及教育。因此，在声乐学习过程中，学生不仅要具备高素质、高水准的演唱技能，还必须有扎实的音乐文化基础知识，声乐的艺术表现是依靠丰厚的理论知识与声乐基础技巧的结合。
音乐理论与专业技能训练是相辅相成的，要想成为一名优秀的音乐工作者，在掌握高超专业技能的同时还需具备良好艺术修养。但是，很长时间以来在我们的高师音乐教育中似乎形成这样的现象，对音乐理论感兴趣的同学认为，只需要把理论知识学好就可以了，根本就不懂得演唱技巧方面的内容，甚至瞧不起从事声乐技巧研究方面的人；对声乐技巧感兴趣的同学认为只要会唱，能炫耀的声乐的技巧有多高深，一味地勤学苦练技巧，忽视了理论研究在术科学习中的重要性。因而，应注意课程结构上的综合性和均衡性，合理安排必修课与选修课，提高学生的应用能力和理论水平。
一、注重学生理论方面的学习
优美的旋律，美妙的声音是通过娴熟的歌唱技巧来获得的，然而要想营造一个较高的艺术境界，则需要其他音乐理论知识来润色。在进行声音技术训练中，对其他音乐理论学科的学习与声乐技巧的掌握是相互依托的，精湛技巧的掌握需要理论的支持，理论的领会也需要技巧去充实与体会。对主修声乐的同学来说，我们必须对与声乐技巧有关的理论知识作充分的了解和学习，如基本乐理、和声、作品分析和中外音乐史等方面的知识，如果缺乏了对音乐的基本知识的学习与掌握，我们只能做一个单纯的声音的模仿者。我们只有通过对音乐理论知识方面的学习，我们才能提高对音乐欣赏和理解的能力，提高专业综合水平，才能根据自己的理解进行声音艺术上的加工与创新，以适应声乐教学、创作、表演鉴赏的需要。同时还有必要对更深层次的理论知识作研究，掌握其与技术的关系，以提高自身的修养，努力适应社会发展的需要。
二、注重学生综合技能方面的训练
声音技巧的掌握是歌唱的根本问题，是表现音乐的重要手段之一。一首优秀的声乐作品，如果能够通过声音把鲜明的音乐形象让听众产生共鸣，对于歌唱者来说，就需要具备良好的专业技能修养了。如果没有掌握良好的歌唱技巧，完美的音乐形象就无法表现出来，就无法表现舒展的、紧张的、高亢的、低沉的音乐情绪，不同的内容、不同的情绪需要用不同的技巧来表达。只有这样，学生要真正掌握歌唱的技术要求和音乐的表现力，做到独立思考，提出自己独到的见解，不断提高分析和处理作品的能力。
高师声乐教学的主要目的是培养综合型的音乐教学人才，学生除了具有演唱方面的能力，还应具备其他能力方面的训练，如：教学能力、分析、理解、处理作品的能力、艺术实践的能力等等。我们在进行声音训练时，我们必须认真分析作品并对其进行正确的艺术处理，首先我们了解作品的背景、风格、创作意图、演唱情绪等，还要对作品的曲式结构、节奏特点、调式调性，以及其歌词韵律、作品、声音色彩都有必要解读。“声音作为一种物理现象具有音高、音长、音强、音色等要素，音乐的创造者把这些要素纳入一定的体系中（如调式、调性、节拍）使之系统而有序，并在文化的发展中不断完善与丰富，从而成就无数动人心弦的乐曲，是音乐艺术在人类的生活中产生无法取代的作用”。
三、加强舞台表演的实践
为符合高师声乐教学的目的，培养出来的学生更具有师范性，因此，在对高师声乐专业的学生教学过程中，声乐课堂的教学不仅仅是规范声音技术问题，而是必须重视学生教学实践能力的培养，提高学生的表演演唱水平。舞台表演的好坏直接反映学生综合专业的学习情况和演唱技巧掌握运用能力，这也在于对学生演唱技巧的实际应用。声乐学习是一门集艺术性、技术性、知识性和实践性为一体的学科，学生不但要会唱、会教还有要会演，即加强学生的声乐表演技能的教学能力和音乐活动的组织能力。学生要不断地参加艺术实践，在艺术实践中不断提高自身的演唱水平，锻炼他们的心理素质。学生在舞台上的一招一式，与他们平时的学习积累及生活中的真实情感体验分不开，精彩完美的舞台表演是声乐课堂上理论与技巧的的体现。
在声乐专业学习的过程中，应把理论学习与技能应用有机的结合起来，既要掌握在实践过程中所需要的理论知识，又要在实践中联系理论，要学生知道怎样做，为什么要这样做。音乐理论与声乐技能之间相互依托、支撑，只有真正了解了与技术有关的理论，掌握与技术的关系，才能更好的懂得艺术的奥秘。同学们只有具备全面、扎实的知识以及能灵活地运用所掌握的知识的能力，才能适应社会的需要，市场的需要，也才能实现自己的人生目标。
参考文献：
[1]郭声健.音乐教育论[M].湖南文艺出版社，2004，12.
