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二、声乐艺术中多样化的审美特性研究
由于声乐艺术涵盖了诸多内容,因此其所折射出的审美特性也具有多样化。为了进一步了解声乐艺术审美的相关内容,笔者对声乐艺术中多样化的审美特性展开了详细研究。
1.声乐审美的抒情性
就声乐而言,声调既包括曲谱中的基调,也包括歌唱者在歌曲演绎过程中所发出的声音。一般情况下不同的曲谱都有一个属于自己的独特声音,演唱者可以用自身的声音特性将声乐歌曲中的情感充分表达出来,充分体现声乐的抒情性。
2.声乐审美的形象性
声乐审美的形象性主要体现在三方面,第一是动作美,一般情况下在声乐艺术表演中需要演唱者加入一些与声乐相关的动作,才能避免整个声乐表演陷入呆板。当歌曲情感表达上升到一定高度时,适当融入一些动作可以充分表达歌曲的内涵,使听众深刻领悟到歌曲中的情感因素。第二是表情美,在声乐艺术表演中,可以说面部表情最能够直观地表达人的真实感受,所以演唱者在声乐艺术表演中所呈现给观众的表情十分重要,表情到位可以很好地诠释声乐艺术作品的主要内容。第三是服装美,声乐艺术表演的种类繁多,不同类型的声乐艺术表演所要搭配的服饰也不尽相同,通过服饰雕琢可以增强声乐艺术表演的可观赏性,给观众带来良好的视觉感受。
3.声乐审美的沟通性
声乐审美的沟通性可以从两方面来阐述,一方面是人声美,在声乐艺术表演中演唱者通过自身美妙的声音可以向听众传达内心的情感;另一方面是歌词美,歌词是声乐艺术表现中的重要载体,是文学艺术和语言艺术的有效结合,声乐内涵的深刻表达在一定程度上有赖于歌词。声乐艺术作品中极具感性、大众性以及哲理性的歌词,能够在短时间内引起听众的共鸣,于无形中强化演唱者与听众的感情沟通。
4.声乐审美的表演性
声乐艺术具有较强的审美表演性。首先其审美表演性体现在曲谱美上,一段好的声乐曲谱就像是声乐艺术中的设计图一样,演唱者要想赋予该设计图生动而丰富的情感,就要通过表演将其表现出来,在曲谱与听众之间建立起沟通的桥梁。其次声乐审美的表演性还体现在旋律美上,声乐艺术本身所散发出的魅力是通过旋律展现出来的,声乐艺术创作是否具有流行性,主要是看其旋律是否符合当前大众的品位。只有声乐旋律受到听众的认可,才能使整个声乐艺术更具有表现力与感染力。
三、声乐艺术中应遵循的具体审美原则
1.尊重传统的历史文化
虽然音乐本身具有多样性,但是无论是古典音乐艺术还是当代声乐艺术,都需要尊重传统历史文化,使观众对历史有一定的了解。若在音乐中违背了史实,那么不仅会误导听众对历史的认识,同时还会限制音乐作品的发展脚步,经不起历史的考验与推敲的音乐作品必定会被历史长河所淹没。
2.主观创造性与客观真实性的有效结合
声乐是精神文化的重要载体,随着人们审美水平的不断提升,声乐艺术越来越就受到人们的青睐,人们通过对音乐的欣赏、感受及研读可以满足自身对精神世界的需求。由于人们对声乐艺术的审美要求不断发生着变化,因此在声乐艺术中,我们应遵循主观创造性与客观真实性相结合的原则,在声乐艺术表演中既要真实地表达音乐中的情感,同时也要加入一些自身的创造性元素,以此来满足观众对声乐艺术的审美多元化需求。
3.声情并茂地演绎声乐艺术
声音与感情是声乐艺术表演中的关键因素,所谓的声乐艺术表演,实际上就是以歌声为主的音乐表现形式。演唱者不仅要具备先天的好嗓音,同时还要进行后天的努力学习,只有不断地钻研演唱技巧,才能充分展现出声乐作品的艺术魅力。在声乐艺术表演中要彰显其审美价值,不仅要有动听悦耳的声音,同时还要具备一定的舞台表现力,若一味模仿,会显得整个声乐表演过于呆板,毫无艺术性可言。为了避免这一状况,演唱者应注意声音与情感表演的完美融合,声情并茂地将声乐艺术中的内涵与意义充分展露出来。
四、声乐艺术审美要素研究
1.审美要素之人声
人声是声乐艺术的传达载体,不同的演唱者所具备的音质特征也是不同的,其不仅蕴含着人性光辉,还富有蓬勃的生命力。人声在声乐艺术中的表现具有朴实感、自然感以及亲切感,可以为声乐普及创造良好的条件。要想在声乐艺术表演中体现出人声价值,那么就需要采取一定的技术手段,在掌握发声、吐字、用气及运腔等唱法技巧的基础上,结合内心情感诠释声乐作品,从而为声乐艺术增添一份美感。
2.审美要素之音乐
音乐是声乐艺术的灵魂,不同的音乐表现形式可以为声乐作品注入鲜活的生命力,充分展现其审美价值。声乐在运作中会严格遵循相关的美学法则,在表现过程中需要依附节拍、力度、节奏、旋律、速度以及调性等多种音乐构成要素,从而形成完美的声乐表演,由此可见,音乐在声乐艺术中独具魅力。音乐艺术品质的好坏与声乐艺术表演所产生的效果有着密切的联系,其能够对演唱者的艺术品味造成直接的影响。通过音乐这一要素的雕琢,可以提升声乐艺术作品的艺术层次,同时还可以弥补歌词上的不足,对声乐艺术作品起到良好的修饰作用,使听众获得良好的听觉体验。
3.审美要素之表演
声乐艺术隶属于表演艺术范畴,将音乐作品的呈现提升到表演层面,那么其本身的自娱性便会相对减弱,这样声乐艺术作品的表现力与魅力就会在表演过程中得以彰显。声乐艺术演唱活动是一种和观众面对面的表演形式,因此表演这一因素在声乐艺术中相当重要。演唱者在演绎声乐作品时,不仅只是将歌声传递给观众,还包括自身外在形象的展现以及歌声中的情感表露。观众通过演唱者的深情表演可以更好地理解声乐艺术作品本身的内涵。
4.审美要素之伴奏
现今大多数声乐作品都需要音响以及乐器进行伴奏,从某种角度上来说,没有伴奏就没有声乐艺术表演。伴奏用在声乐艺术演绎之初,可以为演唱者营造浓厚的歌唱氛围,引导演唱者缓缓进入声乐艺术所表现的意境中;在声乐作品中间部分进行伴奏,可以为演唱者创造小憩时间,使演唱者有时间调整歌唱的情绪与心态,有利于声乐艺术的良好表现。从声乐艺术作品组成形式的角度来说,伴奏音乐是声乐作品创作与表演的重要组成,可以有效增强声乐艺术作品的艺术表现力及感染力。
(二)民族声乐认识的模糊随着审美观念的改变,大量的民族声乐表演者对民族唱法的认识不准确。演唱者存在严重的跟风现象,而且不懂追求声乐艺术的个性及审美判断,很难从整体上把握民族唱法中的特殊风格;部分演唱者误解了民族唱法的思想和理念,认为传统的唱法和时展不相符合,民族声乐已经过时,没有认真分析歌曲殊的民族特色。
二、民族声乐艺术的审美取向
(一)由单一化向多元化转变现代社会的文化丰富多彩,人民群众在思想意识、审美标准,民族声乐审美方面发生了重大变化,从单一化向多元化发展。声乐艺术的单一性特征已经不再是时代主流音乐的特征,相反多种多样的艺术形式以及民族声乐领域的百花齐放现象,成为民族音乐中最为突出的特征之一,改变和影响了传统声乐的观念以及审美意识。从民族声乐的发展来看,要继续依靠群众来发展和创新多种类型的唱法,还要全面地综合多种唱法,形成新的表现形式。因此,民族声乐表演者要在该领域创作出更多的具有民族风格及特色的声乐作品,不仅要保存深受群众喜爱的传统作品与唱法,还要在创作、表演、欣赏等领域的不同发展阶段,朝着多元化的方向发展,鼓励、支持以及引导不同民族和唱风的声乐艺术的创作,让民族声乐满足人民群众的精神需要。
(二)创造古今融合的美学取向在中国传统的民族声乐中,通常都比较注重表现过程中的字正腔圆、讲究韵味等。长期以来,民族声乐艺术的地位和重要性依然具有很大的影响力,美学取向成为民族声乐艺术不断发展的关键支撑点。在继承及发展传统民族声乐艺术领域美学特点的基础上,还要不断地借鉴和吸收西方美声声乐艺术中的表现方法及表演形式,例如讲究共鸣、良好的呼吸支持等,更好地协调旋律、结构、和声节奏以及配器等,从而不断缩小中西民族声乐艺术领域的差距。
(三)完善教育体系和教学形式在日常训练过程中,要真正把握好民族声乐艺术的科学性以及民族性特征,才能更好地把握民族声乐创作和欣赏过程中的艺术审美倾向,展现出丰富和完善的声音表现力[4]。也只有这样,民族歌曲才能真正具备自身的独特风格。因此,在中国民族声乐建设方面,要构建起富有特色的民族声乐教学体系,且要保证教学体系的科学性和完整性,为人民群众创作出更多的民族声乐唱法和作品。此外,还要不断强化民族声乐教学理论体系,从而为民族声乐的发展和壮大提供理论基础。
三、声乐教育与民族语言的融合
汉语的发展跟少数民族的语言文字存在较大的差别,汉字是单音节,且涵盖了声母和韵母,而且部分汉字还有复合、声化韵母,字的音调也是高低不同[5]。因此,汉语很自然地具备了音乐性以及美学特质。在高校开展声乐训练的过程中,要从汉字实际出发,不仅要练好五个母音,还要按照汉语发音的特征,重点训练辅音以及带词,将汉语的特征、民族风格、声乐技能的心理、音乐技巧的训练等内容全面地融合起来。在此过程中,民族声乐更为关注“声情并茂”以及“字正腔圆”,这也成为民族声乐作品在歌唱过程中的基本范式,是歌唱者应该具备的重要理念。在谈到“字正腔圆”方面,很多人认为这是老生常谈的事情,应该局限在戏曲和曲艺中,从而不关注这些内容。但是,在当前的声乐作品歌唱过程中,通常会存在很多不规范的现象:唱声不唱字、重声不重情等情况较为突出。在这种情况下,语言的准确清晰可以塑造具体的、逼真的声乐艺术形象。如果在演唱过程中连字都唱不清,将很难借助民族语言来表达作品的具体内容,更不能感染听众[6]。因此,民族声乐教学要强调每个字都有正确的发音,在此基础上,才能形成和谐统一的声音线条,再真实、具体地表现每个字的特征及相应的语言风格,清楚、真实、收放自如地演绎作品内容,从而吸引及打动听众。从声乐发展来看,字正和腔圆的关系密不可分,缺少任何一点的声乐演唱都不是完整的。应尚能先生是中国最早学习与研究传统声乐的艺术家之一,早在上世纪50年代,他就总结出“练唱应从字入手,以字行腔,有字就有声”这种结论性观点,将字正当成腔圆的基础,这样才能关注字正。腔圆要以字正为前提,这样才能形成腔圆。在此过程中,要关注好字正腔圆,就要将字当成前提,字为基础,才能谈论腔的内容,如果连字都没有,将不存在腔与歌唱。因此,在演绎歌曲的过程中,要关注字词的重要性,先关注词,再注重曲。此外,从发声过程来说,先关注字再形成声,这是传统的“腔随字走,字领腔行”。与乐器相比,歌声能够深入人们灵魂以及富于表现力的原因就在于歌声可以直接在语言中咬字发音,这样就更容易深入到人的心灵深处。民族唱法中的行腔是必不可少的的关键内容,行腔和文字、声音有着十分紧密的联系[7]。在声乐教学过程中,全面衡量学生演唱民族声乐作品的标准涵盖了以下几个方面:声随字转、以情润腔、字正腔圆。民族声乐教学要根据学生的实际情况,考虑到学生不同的演唱风格,在此基础上,教师要在训练过程中,将西洋发声法中的共鸣技巧与民族唱法巧妙地结合起来,这样可以使声、字、腔、味中被赋予全新的音乐形象,然后再根据各种艺术的具体要求,不断注重力度变化、情绪变化以及速度、共鸣腔体的声音调节、行腔中的声音变化、节奏的变化等方面重点训练学生的能力和技巧,借助生动、美妙的音乐语言来进一步表达以及展现歌曲中浓厚的地方色彩与生活情趣,辅助教师完成相关声乐作品的教学目标,还可以培养学生的声乐表现能力和技巧,规避在教学过程中的“千歌一曲”以及“万曲一腔”等现象。
声乐艺术作品对人们的影响,主要体现在情感表达上,情感上的共鸣,是吸引听众的主要途径。声乐作品的情感表达,是表演者在个人感悟的基础上,通过表演传达给听众的一个过程。而声乐技巧在声乐艺术表演过程中的运用,能够在一定程度上强化表演者的情感,使其更能与听众产生共鸣。声乐技巧的有效运用,使声乐艺术作品中的情感表达更具影响力,听众在欣赏表演的同时,也有一定的情感触动,对表演者的艺术形象也有更深入的认识。声乐技巧在声乐艺术表演中的运用,需要与情感紧密结合,在运用技巧的同时,需要加入一定的情感表达,而在表达情感的过程中,也需要有相应的技巧来进行强化。如莎拉布莱曼和安德烈波伽利的声乐作品《TimeToSayGoodbye》,在声音的力量、轻松度等方面都有比较精细的控制,歌曲的层次感,主要通过强弱变化来体现。在歌曲的处,利用高音引起听众的共鸣,将歌曲中的情感进行了生动的表达。
(二)展现作品风格
声乐艺术作品所表现出的吸引力,除了情感之外,艺术风格也是一个比较突出的特色表现形式。艺术风格,是体现艺术作品独特形式的关键,也是声乐艺术特色的重要表现内容。声乐艺术作品中的不同风格,在某种意义上,也是对不同情感的一种表达。在声乐艺术表演中运用不同的声乐技巧,能够营造不同的情感氛围,表现出不同的作品风格。声乐风格的形成,受语言、环境、风俗、审美水平等因素的影响,在声乐技巧上的表现,主要是在发声、呼吸、咬字、语调、呼吸等方面。从我国南北方的声乐风格来看,南方主要关注音调的变化,在声调方面的变化一般比较小;而北方受地理环境的影响,声调一般比较高,且变化比较大,声腔之间旋律变化的频率也比较快。如从《洪湖水浪打浪》和《信天游》中,根据不同的声乐技巧,就可以感受到不同的作品风格。
(三)促进多元发展
声乐艺术的表演者,在学习和掌握声乐技巧的过程中,对其他民族或国外的声乐技巧也有一定的学习和借鉴。而这些声乐技巧在表演中的运用,在一定程度上促进了声乐艺术发展的多元化。声乐艺术在保留原有风格与特色的基础上,不断融入新的发展元素,产生新的发展动力。如意大利的美声唱法,是为世界所推崇的一种声乐技巧,这种相对比较完善的声乐技巧体系,是其他国家进一步发展的努力方向,这就在一定程度上推动了声乐艺术发展的多元化。我国在不断融合发展的过程中,也形成了独特的“民族声乐新唱法”和“中国美声唱法”,使我国声乐艺术得到了进一步的发展。
声乐技巧借助技巧与人声的有效结合,使声乐艺术的内涵与意义变得更加的深刻,促进声乐艺术模式朝着开阔、积极的方向发展,声乐作品的价值与魅力在得到充分展示的情况下,声乐艺术内涵得到进一步的深化。歌唱者凭借自身声乐技巧来对多元的生命感悟进行表现,如绝望、忧郁、深情、快乐等。国歌《义勇军进行曲》就是对中国人民坚毅精神的良好的体现,通过声乐技巧的融入,塑造了大气磅礴的音乐效果。又如在舒伯特的作品《小夜曲》演绎中,演唱者在技巧上采用非常抒情细腻的唱法来赋予作品圣洁、浪漫、超脱的感觉。正是基于在声乐技巧上的多样化表现,才巧妙融合了艺术精神与艺术情感,使的声乐艺术作品在创作上不断突破。我国历史悠久,地域广阔,在其传统声乐艺术体系中,因民族、地域上面的差异性,使得其在审美的标准上也更加的丰富,在声乐技巧方面,如咬字、语言、共鸣等美学标准上存在着一定差别,也正是基于此,我国的声乐艺术的发展方向才更加的多元,进而呈现出百家争鸣的繁荣。总体来讲,声乐技巧使得声乐艺术内涵得到有效充分的深化。
(二)为艺术风格的塑造提供了条件
音乐艺术的灵魂是情感,风格也各具差异,而情感与风格的彰显均依赖于声乐技巧的辅助与支撑。风俗、环境、语言、审美水平等因素会作用于声乐风格,影响其变化,具体到咬字、发声、语调、呼吸、共鸣等方面,加之调整技巧,便会表现出差异化的风格,这也为声乐风格的多元化发展提供了条件。因地域的不同,我国南北方在音乐风格上也存在着差异,南方人在声调上变化不大,而对音调的变化则格外注重。而北方人则有着较大的说话起伏,相对高昂的音调。对于声乐艺术来讲,乐曲为其提供了一个框架,而色彩的添加则需要通过演唱技巧来完成,在表演实践中,演唱者以具体的情况与需求为依据,通过对声乐技巧的巧妙利用,来对歌曲风格进行表现。如观众在听《信天游》、《洪湖水浪打浪》两首歌曲时,就能从唱法技巧着手,来对感受两者的差异曲风。
(三)使情感的表达更加有力
声乐艺术是由有多个方面组成的,其中情感与技巧就是重要的元素,着眼于传统,声乐艺术的发展过程也是两者彼此协调的过程,对于两者关系的研究也一直为业内人士所热衷。从根本上来说,情感与技巧是相辅相成,而非对立的,任何一方的缺失都将使整个作品的表达变得不完整。在表演实践中,缺乏技巧支撑的情感,在技术方面是存在着缺憾的,在传达情感时缺少力度,显得无力与空洞。反之,歌唱者未投入情感,单纯凭借自身熟练技巧,并不会给听众以美的传递,在释放情感时,声乐技巧的应用使其得到更为有力的传达。《告别的时刻》就是凸显此方面作用的典型作品,在整个音乐作品的演绎中,对于声音力量、张弛度的把握格外精细,并以旋律为依据,采取渐强渐弱的形式对歌曲的整体层次感进行表现,对爱情的生动认知就得到了清晰的传达。加之,演唱者利用明亮饱满的高音,在处作自由延长的技巧处理,从而让歌曲的情感得到了升华。
(四)是声乐艺术取得多元发展的有力助推
对于歌唱者来讲,借鉴其他民族或者更多的声乐技巧,并将其渗透于自身演唱当中去,就会使整个艺术在表达上呈现出多元的状态。整体来讲,多元化是对原有音乐文化、特色的保持,并基于此,注重新鲜血液的持续融入,从而形成声乐艺术不断发展的有力助推。在国际上,论美声唱法,以意大利最具代表,在经历了长达数百年的沉淀与积累后,其歌唱技巧体系已经十分的完善。当然,其他国家的音乐家也在本国音乐技巧的发展上进行了不断的探索和努力,这种趋势下,对于世界声乐艺术的发展是一个良性的循环,而我国也通过积极的吸纳、转化中形成了自身独具特色的“新民族音乐唱法”,使我们中华民族的声乐艺术独具特色。
1.解读课程,统一认识,进行解析本次栖霞中学开展的校本教研活动内容是围绕着高中音乐教学的特色化。主要是针对课外音乐兴趣活动高中艺术班的的探讨。主要是围绕高中歌唱教学中的《声区和音色》和乐理教学中《简谱和五线谱的互译》为专题开展的。音乐课程标准中提到:歌唱是实践性很强的学习内容,是培养学生音乐表现能力和审美能力的有效途径。使他们能够运用歌唱的形式表达个人的情感并与他人沟通,融洽感情。并在歌唱中享受美的愉悦,得到情感的陶冶与升华,在合作中找到和谐。因此。我们教研组成员决定,以理清概念,培养兴趣,增强自信,创造潜能为目标开展具有栖中艺术特色的校本教研活动。
2.确立主线,合理布局,明确教学设计思路我和徒弟着手准备了区级公开课《声区和音色》和乐理教学中《简谱和五线谱的互译》为主线,在确立主线后准备了一些音乐专业理论知识,歌唱的基本技能知识,包括呼吸的方法,音色的辨别,声区的变换,并能够自信的有表情的演唱。并通过多媒体上网查找了一些资料,开拓学生的视野。第一节课我们先准备的是《声区与音色》第二课时准备的乐理专业知识《简谱与五线谱的互译》使学生在实践活动中由自主的学习中上升到理论的探讨。在第一节课我在讲解音区的时候选择了个别学生做示范,来了解人的声区变化,在讲解音色时,我下载了女高音,男高音,女中音,和男中音的视频让学生体会音色的魅力和歌唱的艺术感染力。
通过观看后然后自己学唱歌曲《为了谁》这首歌曲,通过演唱来展示自信和潜能。第二节课主要是讲解五线谱的知识,辨别调号、谱号在简谱中的运用这是考察学生的专业知识水平,比较抽象,能通过学习考察学生的运用能力。
3.发挥专业特长,进行优势互补,确立教学目标、组织课时教学在确认了本课主线。完成各知识点布局和和设计思路后,我和徒弟精心备课,发挥各自特长,取长补短、相互促进进行了反复的实践磨课,向大家展示了两堂具有特色音乐课堂教学实践—声乐课和理论课声乐课《声区与音色》确立3个教学目标:教学目标1了解人的各声部的音域和换声区2进行换声区的训练,学会用复合式的方法进行演唱3聆听不同音色带给我们的美的感受,并学唱歌曲《为了谁》。确定和难点:教学重点声音统一,声区转换避免有裂痕教学难点:避免用白声演唱,学会复合式方法演唱。课堂上,带领学生欣赏、分析、体验、展示,整个课堂彰显浓厚的艺术氛围!理论课所设计的教学目标是1用首调唱名发读五线谱,并把它译成简谱。2学生能够掌握五线谱和简谱的互译的教学重难点是:掌握在五线谱与简谱互译中临时变音记号的运用,本节课学生积极参与,来听课的教师也十分感兴趣,并积极加入探讨!
二、声乐教学和艺术实践需学习相关的文学知识
歌唱是音乐与文学相结合的一种艺术形式,以文学(诗)为内容基础,以语言为手段,塑造形象来反映社会生活、表达作者思想感情的一种艺术。如果说艺术是一栋楼房,那么音乐和文学就是这栋楼房中的每一户,通过文学这种语言文化艺术,为歌曲作词,我们都知道好的歌曲是离不开好的歌词,那好的歌词更加离不开文学功底,一个优秀的词作者,他的文学基础必定很坚实。如大到一部好的电视剧作品、一部电影作品、小说著作;小到一部很好的话剧、小品和相声剧本等,都需要有深厚文学功底的剧作家和编剧来完成。艺术不仅仅是文学,它是一切美好事物的化身,是人们精神和思想上的一种向往。生活中我们都离不开艺术,无论是行为艺术、还是思维艺术,只不过是我们通过不同的方式和方法去表现它。文学和艺术都源于生活而又都高于生活,声乐学习是为了更好的用科学的发声方法,以美妙的声音去表达歌曲的文学思想内容。文学艺术是人们进行情感交流的一种手段,有了这种表达情感的途径,文学和语言就更加不开,在咬字吐字这个语言问题上,字头与字身的连接问题上,字正腔圆的学习中,出现过很多问题,在真正的艺术实践中这部分的缺乏,直接影响了舞台的艺术展现。因为语言不仅能锻炼一个人的说话节奏,还能对有口吃病人起矫正作用。有了语言艺术,就能给人一种精神上的寄托和享受。结合正确的气息和声音的训练,能够达到说话洪亮、结实、吐字集中有力,从而更能显示出一个人的气质与风采。声乐艺术是通过声音,把音乐与文学结合起来,用情感去影响人的意识和感情。通过都种艺术形式的完美结合,进而去影响听众的思想意识和情感。文学也好,音乐(声乐)也好,都是艺术的一支奇葩,是人们生活中不可缺少的一部分。文学和艺术结合起来就是文艺,他让我们每个人如痴如醉,在生活当中感受着他们带给我们的美。
1.歌剧艺术与歌剧声乐的内容美作为一种综合性的艺术,西方歌剧艺术的内容美主要表现为歌剧中的主题美、情节美、人物形象美等等。其中歌剧中的人物形象美是歌剧艺术美的最重要的呈现方式,西方歌剧中的声乐艺术在一定程度上对西方歌剧艺术的内容美有相当的影响。这是因为,歌剧是由声乐演唱来表演的,而声乐演唱中的演唱者借助歌词能够表达歌剧作品所蕴含的思想感情,演绎歌剧中人物角色的特定形象,从而呈现歌剧艺术的内容美。判断一部歌剧是否优秀的重要标准便是这部歌剧能否展现出歌剧中人物角色的丰富情感,能否刻画出歌剧中人物角色的复杂形象。比如,在法国著名作曲家比才的最后一部歌剧《卡门》中,极力塑造出一个集率真、热情、残忍、放荡、泼辣等多种性格于一身的吉普赛女郎的形象,通过刻画复杂的人物形象和展现主人公的爱情由开始到毁灭的结局,作曲家为我们展现出一种悲剧的美。而歌剧中的声乐艺术对这种悲剧美的展现也发挥着重要的作用。《卡门》中的音乐旋律较为紧凑,人物性格的刻画也极为细腻逼真,这就使得作品中出现了很多部分,进而为表现人物形象的多重性和作品结局未知的悲剧性埋下了伏笔。并且,歌剧中的和声的音域也较为宽广,在一定程度上也能暗示出主人公卡门紧张、激动的悲剧情境。
2.歌剧艺术与歌剧声乐的形式美与西方歌剧艺术的内容美相对应,西方歌剧艺术的形式美也体现在许多方面。从西方歌剧声乐题材的视角来看,西方歌剧艺术与歌剧声乐的形式美主要体现在咏叹调与宣叙调在歌剧中的戏剧。首先,咏叹调在西方歌剧艺术与歌剧声乐中具有抒情性与冲突性的功能。西方艺术界判断一部歌剧是否成功的标志之一便是这部歌剧中的咏叹调能否给艺术欣赏者留下深刻的感情共鸣。在西方歌剧中,咏叹调能够很好地调动艺术表演者的演唱性格,并且能以动人的音乐旋律带给观赏者深层次的感情共鸣,这就使得咏叹调自然而然地具备了戏剧中的抒情。除了抒情,咏叹调在西方歌剧艺术中还具备戏剧的冲突。这种冲突性主要表现在:咏叹调在歌剧中具有促进歌剧的情节发展与展开戏剧冲突的功能。比如,在西方古典歌剧《茶花女》第一幕的咏叹调便突出体现了这一功能。当薇奥列塔受到阿尔弗莱德的爱慕时,她心中对爱情既渴望又担心的矛盾心理便是通过其中的咏叹调揭示出来的。其次,宣叙调在西方歌剧艺术与歌剧声乐中具有叙事。以吟诵性的旋律展开歌剧的叙事,介绍歌剧的故事情节是宣叙调在西方歌剧中具备叙事的集中体现。此外,宣叙调的叙事与咏叹调的冲突也是相互联系的,宣叙调的叙事为咏叹调的冲突作铺垫,咏叹调的冲突在一定程度上也促进了宣叙调的叙事的发挥。
3.歌剧艺术与歌剧声乐的风格美西方歌剧艺术的综合美不仅体现在其内容美与形式美方面,也更体现在其风格美的层面。西方歌剧艺术与歌剧声乐的风格美主要表现在以下两个方面。从宏观上来讲,不同时代的歌剧演唱艺术对应着不同的审美风格,这就在总体上构成了西方歌剧艺术多样化的风格美。从17世纪初刚刚起步的歌剧艺术到18世纪下半叶由音乐家发起的歌剧改革,再到19世纪文艺思潮影响下的多种西方歌剧声乐流派,西方歌剧艺术与歌剧声乐的审美风格发生了一系列的变化,呈现出了多样化的艺术特色,而这也正是西方歌剧艺术至今仍然具备别样魅力的根本因素。从微观上讲,同其它艺术形式相类似,西方歌剧的演唱是一种二度创作的过程,歌剧演唱者不同的教育环境、不同的个人气质、不同的演唱风格、不同的审美解读都会对同一部歌剧作品做出不同的演绎,这就在客观上造成了不同的歌剧作品经过不同的演唱者表演会有不同的审美风格,而这就从演唱者个体上集中体现了西方歌剧多样化的风格美。
二、西方歌剧声乐艺术的审美思维与心理建构
歌剧声乐艺术的审美本质上还是对音乐的审美,对于音乐的审美需要充分调动审美主体的审美思维,激发审美主体自身的审美想象,建立审美主体的审美心理。
1.西方歌剧声乐艺术的审美思维艺术在不断地发展过程中吸收各个时期的优秀文化成果,经过时间的沉淀和实践的检验,使得艺术具有极为丰富的审美价值。随着社会的发展,人们对艺术的理论探究也日益深化,人们的审美思维也对于音乐的审美批评可以更好的指导音乐实践活动。具体来说,人们的审美思维主要有以下几点:首先,审美主体对歌剧音乐感觉的审美。音乐感觉作为一种特殊的音乐审美能力,在歌剧审美鉴赏的过程中具有十分重要的作用。具体到西方歌剧声乐艺术领域,声乐所传达的情感是非常丰富的,如果审美主体没有对音乐的审美感知能力,就不能体验到歌剧艺术所传达的深厚内涵和独有的魅力。歌剧艺术属于高雅艺术,音乐感觉的美感跟审美主体的艺术修养息息相关。所以,对歌剧声乐艺术审美思维的养成可以使审美主体获得良好的审美教育,从而更好地指导审美实践。其次,是声音审美。声音的美感主要是歌剧艺术演唱者的声音情感内涵,对于歌剧声乐艺术来说,声音是其重要的组成部分。演唱者将自己对作品的情感灌注进艺术当中,以自己的审美体验去指导艺术实践,这样歌剧艺术就有了鲜活的表现力。表现在艺术形式上就是演唱者的音色,演唱者只有认真把声音音色的美感和自身的审美体验结合起来,才能让声音具有艺术感染力,才能将歌剧艺术的独特魅力完美地表现出来。最后,审美主体对歌剧声乐的情感审美。当代西方歌剧中声乐艺术的美感主要在于声乐艺术的创造者、演奏者,以及欣赏者的真实情感体验。只有将声音的美感与参与主体情感的审美相结合才能将歌剧艺术的美感完美地表现出来。
2.西方歌剧声乐艺术审美心理建构在当代西方歌剧声乐艺术审美心理建构中最主要最基础的就是审美感知的培养,而审美感知又包含审美感知活动与审美感知能力两个方面。但是并不是说二者之间是孤立存在的,因为只重审美感知能力而忽略审美感知活动就不能发现审美客体美感的存在;同样,如果一味的追求审美感知活动却不具有审美感知能力,也不能获得美的享受。因此要想充分获得歌剧艺术的审美价值必须具备一定的艺术修养。其次,要有审美想象。审美想象是歌剧声乐艺术审美心理结构中的重要组成部分。在审美实践活动中,当审美主体作用于审美客体时,充分调动自身的审美想象不仅可以获得审美客体的美学价值,还可以对审美客体进行艺术加工,从而指导自己的审美实践。对于歌剧声乐艺术的审美而言,审美想象尤为重要。再次,要具有审美理解。对于审美客体的理解,是审美对象存在的确认。歌剧艺术具有几百年的发展历程,因此一部歌剧作品必然带有生成它的时代特点,同时又超越这个时代而成为后来人们的审美理解对象。所以对于歌剧艺术的审美理解不仅要注意作品本身的时代特点,还要结合审美主体所处的时代特点进行艺术加工,这样才能深刻地理解艺术作品的审美价值。最后,要具有审美情感。审美情感是审美心理结构中的核心要素,对于歌剧声乐艺术来说,审美主体的审美感知能力都是不尽相同的。如果在审美活动的初始阶段就对一部歌剧艺术作品理解产生偏差,以主观想象作用于艺术作品,忽视作品的时代背景,那么审美主体就会产生偏离作品内涵的审美理解。随着社会的不断发展,审美主体对于艺术的审美需求和审美能力也不断提高,歌剧声乐艺术的实践也在不断发展,审美主体只有建立科学的审美心理和审美思维能力,才能充分挖掘歌剧艺术作品的审美价值,从而更好地指导艺术实践。
(一)、“游刃有余”之“三古”周杰伦的音乐之所以能够突破以往“中国风”类音乐作品,主要突出之处在于其歌词的优美意境。方文山“行云流水”间化用的中国古典诗词,即使单念来这字字句句,也会有齿颊留香的韵味。比如早期的《东风破》,“破”之字可源自“曲破”一词,是一种词调的名称。宋代苏轼有词名为《东风破》:一盏离愁孤单窗前自鬓头奄奄门后人未走月圆寂寞旧地重游夜半清醒泪烛火空留一壶漂泊浪迹天涯难入喉君去后酒暖思谁瘦水向东流三春如梦向谁偷花开却错谁家琵琶东风破岁月流离不解时候仍记总角幼琴幽幽人幽幽琵琶一曲东风破枫染红尘谁看透篱笆古道曾走荒烟漫草年头分飞后对比之下不难发现,方文山在歌词中也引申了苏轼的这首词,例如“而如今琴声幽幽”、“篱笆外的古道,我牵着你走过”等,这种大胆的借鉴也使得这首作品甫一出现就赞声一片;再如方文山经常在作品中运用古典词作“上下阕”的模式,这也是流行音乐运用古典诗词元素的体现。由此可见周杰伦音乐作品“中国风”“三古”中的的“古辞赋”运用完整统一,有着诗画般的意境。对于古文化的运用,这对黄金搭档也是别出心裁,周杰伦音乐中意象包含了很多内容,比如“芭蕉”、“红豆”、“古道”、“琵琶”等,而关于古典文化中的场景题材更是不胜枚举,如“侠义”、“双节棍”、“金钟罩”、“青花瓷”、“伽蓝寺”等等。这些词语的出现既奠定了周杰伦音乐作品的整体基调,同时对于宣扬中国传统音乐文化也是大有裨益的,传统文化的传扬毕竟是现今文化流行的大趋势,也是炎黄子孙不能够丢弃的文化。所以周杰伦的这类“跨界音乐”是其他音乐作品所不能比拟的,这样的作品一经问世,流传久远也在情理之中。不仅仅是辞赋部分,周杰伦的音乐中对于中国传统曲调的运用也是炉火纯青:如《东风破》运用的是G宫七声清乐音阶;《台》运用的是F宫七声清乐音阶,《青花瓷》则是A宫调式转#A宫调式,《千里之外》运用的是D宫七声清乐音阶。同时他也将中国传统音乐中的唱腔运用到自己的作品当中,如《霍元甲》中就运用了京剧的唱腔方式。
(二)、“别具匠心”之“三新”“三新”意指“新概念”、“新配乐”、“新唱法。”在周杰伦的音乐作品当中,“新概念”无需赘述,因为其音乐作品本身很多时候就已体现这一特点,新概念下的音乐才会与众不同。这里笔者想着重阐述的是“新配乐”与“新唱法”,以此来说明流行声乐艺术的“跨界”魅力。“新配乐”,在周杰伦的音乐当中最为明显的就是将西方“Hip-Hop”、“R&B”唱法融入到中国传统音乐当中,这种中西合璧的方式令人耳目一新。同时在很多作品当中旋律起伏都较为平缓,多数以二度、三度浮动为主,演唱起来也很有说唱的感觉。另外乐曲配器上也有别于其他流行音乐作品,周杰伦在自己大部分作品当中大胆运用了各类方式,如在《娘子》中吉他与琵琶的融合、《台》中大提琴与古筝、琵琶之间的交相呼应、《东风破》中钢琴与琵琶的相辅相成,甚至在《夜的第七章》当中编配出了较为完整的小型交响乐总谱。这些中西方乐器的使用相得益彰,既彰显了中国传统器乐的独特魅力,又使得西方先进的作曲技法在其中运用自如,这种和谐也是周杰伦的流行音乐的特点,也是中国流行音乐“跨界”发展的典范。在“新唱法”的运用中,作为歌手,周杰伦的创新突破远优于其他歌手。除在早期作品当中运用中国传统戏曲唱法等,后期几首合作或被改变之后的作品更能显现出这一特点。如2006年与“小哥”费玉清合作的《千里之外》,堪称“中国风”作品的代表作。这首作品涵盖了费玉清的美声唱法,同时也有周杰伦独特的唱法围绕其中。这两种唱法一高一低,一唱一和,毫无突兀感,相反费玉清的“娓娓道来”更能够完美的映衬作为“主人公”出现的周杰伦的唱段。这首作品各方面辨识度极高,一经问世大获好评。有了这一尝试之后,在2009年央视春节联欢晚会上,周杰伦首次搭档宋祖英,演唱其代表作《本草纲目》,在这首作品当中,还穿宋祖英的《辣妹子》,这二人一个是中国民族声乐代表人物,另一个是流行R&B天王,两人的“英伦组合”一出现就引发热议。就音乐作品和演唱方式来说,二者的结合堪称典范,这也是中国流行声乐艺术“跨界”的完美尝试,之后二人在2009年6月30日鸟巢音乐会时再度联手,演唱了著名的《千里之外》。宋祖英沉稳大气的歌声使得这首作品大放异彩。2010年5月1日,《黄浦江深》首次发行,这也是方文山、周杰伦这对黄金搭档为宋祖英本人“量身定做”的新作品,这首作品的问世,是中国民族声乐唱法与流行音乐之间的高度契合,也使众多音乐人看到未来中国流行声乐艺术发展的新方向:除题材、体裁、编曲等方面可以运用中国传统音乐元素之外,这种唱法改变的方式也是一种新的突破。
二、指导思想确立的依据
指导思想的确立,不是长官意志,也不是主观臆断,而要根据客体现实的需要与条件,实事求是、有的放矢地确定,既有指导价值,又有针对性和可行性。
三、高师声乐教学指导思想的具体内容
高师声乐教学的指导思想包括以下几点主要内容:
(一)培养全面发展的合格声乐人才的指导思想
要以我国现行的教育方针为指针,坚持培养全面发展的合格人才的教学指导思想。所谓“全面发展”,是指德、智、体、美、劳各方面都达到培养目标的要求,齐头并进,不可偏废。在高师的声乐教学中,对于“全面发展”的认识理解与具体落实,主要矛盾与突出问题是如何正确处理德与智的关系问题,也就是如何正确对待学生的思想品德培养与专业培养的关系问题。而在对待这二者的关系上,大多数教师与学生的主要倾向又是重专业轻品德,这是必须引起高度重视并认真切实地加以解决的。从古到今,从中到外,关于德与智的关系问题,一直存在着矛盾,各有不同的认识。曾经有一种十分错误的观点,就是:“文人无行,艺人无德。”意思是说,搞文学艺术的人,或文学家艺术家,可以不注重不讲究自己的品行道德。他们并且言之凿凿,列举许许多多艺术成就很高却有严重思想错误或道德缺失的人物,如美国影星玛丽莲•梦露、歌星麦当娜等等。但是,在我国,传统的价值判断标准始终是德高艺劭、德艺双馨。我们中华民族在这方面有许许多多楷模典范,仅以音乐与演员为例,在唐代就有著名的琵琶大师雷海青因拒绝为乱首安禄山演奏,并将琵琶掷地以示抗议,被安禄山支解示众;京剧艺术大师梅兰芳、程砚秋,在时期,一个在上海蓄须明志,一个在北京青龙桥务农,都坚决拒绝为日寇演戏,成为美谈。现代著名作曲家,牺牲在日寇的飞机轰炸中;麦新牺牲在时期的东北战场;著名相声演员常宝垄,牺牲在抗美援朝战争中的朝鲜前线。因此,我们必须牢固树立德艺双馨的声乐教学的指导思想,一定要真正把“学声乐先学做人”、“堂堂正正做人”、“清清白白唱歌教歌”落到实处,将艺与智育紧密结合起来。
(二)以人为本、突出人文关怀的指导思想
在高师声乐教学中,要以人为本,突出人文关怀,彰显人性化教学。教师要为人师表,以身作则,视学生如朋友、亲人,树立甘为人梯、甘于奉献的精神,对学生要关爱、关怀、呵护,如母鸡护雏、母牛舔犊;学生要尊师重教,“一日为师,终身为父”。要营造出师生之间的亲情加友情的人性关系。要尊重人的受教育的权力和人格尊严、名誉、威信乃至个人隐私权等一切人权。这是新时代新教育的新特点。
(三)“实践是检验真理的惟一标准”的指导思想
要确立“实践是检验真理的惟一标准”的指导思想,一切以学生的实践能力(歌唱能力与声乐教学能力)为出发点和归宿,也以其作为评价测试的惟一标准。为此,在教学中就要重点突出、强化细化实践课教学,尤其是演出实践与教学实习,一定要加大教学比例。
(四)与时俱进,面向市场需求的指导思想
高师声乐教学要与时俱进,根据人才市场对多方面音乐人才特别是复合型声乐人才的需求,做到适销对路,培养一专多能的创造型、开拓型、智力化的声乐人才。
(五)强化改革,锐意求新的指导思想
当前,我国的改革开放正向纵深方向发展,全国的教育正处于社会转型期与市场经济的大潮之中,其改革也正向深层面发展。为此,高师的声乐教学也要强化改革,深化改革,要敢于废止旧的不合理的教学思想、教学原则、教学模式、教学方法,创造出全新的高师声乐教学体系和机制。这是时代的要求,也是我们肩负的神圣历史使命。为此,这里有必要简要回顾一下我国艺术教育的改革历史,通过这些历史的改革经验,我们可以探索中国高师声乐教学改革的发展趋势及其指导思想,也为具体实施改革提供必要的、有价值的参照系。
四、高师声乐教学艺术
(一)教学艺术的概念
教学艺术是教学领域中的艺术,是指师生紧密合作,遵循教学规律与美学规律,充分利用教学中的一切条件,创造性地应用各种教学方法和美的形象,最佳地完成教学任务的活动特征与才华。高师声乐的教学艺术,就是在声乐教学中教师的最佳特征与出色才华,因为声乐本身就是艺术,所以其声乐教学艺术从本质上说就是“艺术中的艺术”。
(二)教学艺术的特点
高师声乐教学的教学艺术,具有下列三大特点:
1.形象性
形象性就是把抽象的原理变为具体可感的形象,可以引发学生的联想、想像等,从而有利于声乐教学。例如把歌唱艺术变为教师的范唱或观看歌唱艺术家的演唱录像,就都是形象性的声乐教学艺术。
2.情感性
情感性就是通过情感沟通,教师以自己的情感打动学生,引起情感共鸣,在心心相通的师生情感中进行声乐教学。师爱生、生敬师,师生心有灵犀一“曲”通。声乐艺术本身就是情感艺术,声乐教学同样必须以情感点燃学生的激情,引爆情感的火山。
3.创造性
艺术贵在创新,声乐的教学艺术也贵在独创。声乐教师要刻苦钻研,勇于探索,创造出属于自己的教学艺术和教学风格。
(三)教学艺术的功能高师声乐教学的教学艺术,具有下列四大功能:
1.有利于声乐教学
教学艺术可以把丰富深刻的声乐理论变得易于接受、浅显易懂,可以吸引学生的注意力,提高学习效率。也可以使歌唱技能训练变得轻松愉快,并可以根据学生的实际情况,因势利导,随机应变,使学生“跳一跳,够得着”,避免不费力的“唾手可得”和费力不讨好的“跳而不得”。同时可以启发学生的思路,有利于智力开发。
2.有利于培养学生的情感和意志
教学艺术可以使教师的专业特长、人格魅力与人格形象、情感含量与意志力量,全部展现在学生面前,就会引起学生的羡慕、模仿,在教师的影响、感染下,学生就会变得成熟起来,获得较强的情感体验能力号隋感表达能力。与此同时,针对声乐学习中的疑点与难点,教师通过教学艺术使问题一个一个地迎刃而解,使学生尝到刻苦努力之后的甜蜜、辛勤之后的快乐,在这其中,便自然锻炼了学生的意志。
3.有利于审美教育
美育是全面教育中的重要组成部分,尤其是高师音乐教育专业,美育就更显得十分重要,这是因为:一方面,高师音乐教育专业毕业生要具备教师的素质,要具有“教师美”;另一方面,声乐本身就是美的艺术,教学艺术也属美学范畴,通过教学艺术可以陶冶学生的审美情操,提高其审美能力,使其通过音乐美领会到生活美、社会美、艺术美、心灵美、人格美、创造美等等的魅力,获得艺术创造力,具有崇高的审美理想。
4.有利于教学能力的培养
高师音乐教育专业的培养目标是音乐教师,声乐课的教学艺术可以使学生通过教师学到声乐教学艺术,这就为他们毕业之后的工作打下了坚实的教学能力的基础。上述四大功能,再一次从具体方面充分说明了教学艺术在高师声乐教学中的重要作用。
二、多媒体教学强化了声乐教学方式的多样性
传统的声乐教育模式,是通过声乐教师的口述以及学生做示范达到声乐教学的最终目的。但是在这样教学的过程中存在一系列不足的问题。比如说,声乐教师所教授的学生既有男生又有女生,既有男高音、又有男中音。因为男女性别的差异性、声部的多样性导致教师在进行教学的过程中会遇到很大的麻烦。不仅教师在进行示范的过程中很麻烦,而且学生在接受学习的过程中也存在很大的局限性。出现这样的情况在于,教师在进行声音教学的过程中不能完全性的掌握各种声音,导致教学效果低下的情况。但是,将多媒体技术教学和声乐教学融入在一起,能通过光盘资料的播放,让学生通过图片的形式正确的了解每个声部的特色,从而更好地调动学生的学习积极意识。在多媒体技术的应用下,声乐教师能研究如何整合优化教师、学生、多媒体、教学内容等教学因素,从而达到构建一个新型的声乐教学模式。通过多媒体技术构建相关的情景模式,强化新知识和旧知识的融入,引发学生的讨论激发学生主动研究、协调问题的能力。
三、利用MIDI技术强化学生的音准和节奏感
正确的节奏、准确的音准是学生学习声乐的必然手段和技术,对于学生更好地表达声乐作品内涵具有积极影响。在传统声乐教学过程中,是通过钢琴训练学生的音准和节奏感,其避免在于钢琴自身的音准和调律师水平的高低有积极影响,节奏的正确与否取决于教师自身的水准,阻碍了学生形成准确音准和正确节奏感的意识。但是,通过多媒体教学,利用MIDI技术先制作好钢琴弹奏以及练声曲,通过管弦乐队的配合让学生进行演唱或者是练习声音。在这种情况下,学生进行声音的练习和演唱能具掌握准确的音准以及正确的音源伴奏,能更好的体会音乐的意境和情绪。并且,声乐教师也能从弹奏过程中脱离出来,更全面的指导和注意学生发声的状态,强化其音乐表达能力和意识。对于歌唱技能运用不熟练的学生,经常性的会因为音准掌握不正确、气息等原因会造成音准和节奏等一系列的问题。但是,其实在他们心中音高的准确的,但是因为在歌唱技术掌握不熟练的情况下造成了音准的差异性。在没有任何参照情况下,学生并没有正确的感受到自己发出的音高没有达到标准。但是,对于听者而言却能从其声音中找出转却的效果。除此之外,教师还可以将音高不准的波形剪辑下来,通过问题的指出、研究、分析,从而达到建立准确、修正音高、正确听觉,调整学生在歌唱过程中声音掌握的程度,从根本上调整其气息,帮助其打开喉咙,从而将其声音的位置,达到提高学生音高,强化学生音高的印象。
四、通过多媒体的录像功能培养学生良好的唱歌和舞台表演状态
从目前声乐的教效果来看,尚不理想存在一系列的问题。就此从以下两个方面指出其问题。第一,学生大部分的时间都会在学校度过,其所需要面对的实践表演次数非常少,并且在一定程度上对提升实践能力具有消极影响。对于舞台的表演经验、塑造舞台形象、舞台表演能力等环节存在欠缺。第二,在学校学习期间,学生会在声乐教师的引导下进行演唱。但是,毕竟声乐教师自身的水平有限其掌握的歌曲有限,难易水平有限。因此,导致了学生所学习到的东西只能局限于一个小范围内。久而久之,学生在较易或者是不规范的环境下无论从技能亦或者舞台表现力都呈现一个不良的状态。当学生真正处于舞台当中的时候,会显得尴尬和紧张。这对于学生未来的舞台表现能力的培养和学生声乐练习的培养具有消极影响。因此,笔者认为将多媒体伴奏功能和录像功能融入到学生的声乐练习当中。针对学生演唱的内容进行录音或者是摄像,并且将这些内容作为教学素材进行讲解和播放,能让学生在画面中找到自身的不足之处从而调整自己所存在的不足改变学生的缺点,对学生未来的学习具有积极影响。并且,通过电脑伴奏能调整学生的韵律和整体音乐的感知意识,通过反反复复的练习和纠正能帮助学生调整到一个良好的状态中,从根本上提升学生的表演能力,强化学生的演唱能力。
在声乐表演中,形体表演与演唱是密不可分的,用演唱配合形体,用形体加强演唱的视觉效果,这种相辅相成的关系对于现如今观众的需求是非常符合的。声乐表演中的形体艺术能够使表演更加的富有色彩,表演形式多样化,是视觉和听觉都有良好的享受。在声乐表演中形体艺术通过身体动作、表情等提升了歌唱效果,是现代声乐表演的重要表现手法。
2、形体艺术能够将声乐表演的艺术内涵表达出来
形体艺术包括面部表情和眼神等,眼神对于声乐表演有很重要的作用,往往歌唱的情感都是通过眼神表达出来的。在声乐表演过程中,表演者可以通过眼神的变化生动的将歌曲的内涵以及情感变化表现出来,吸引观众的注意力,调动观众的情感变化。利用形体动作,能够为声乐表演者的表演服务,将表演作品的情感和韵味通过形体艺术淋漓尽致的表达。
3、通过形体艺术能够渲染声乐表演的艺术色彩,提高表演的感染力
感染力对于表演者而言是不可缺少的重要舞台吸引力,在声乐表演中大部分表演者都会通过形体艺术提升自己的感染力,使观众能够亲近作品,形成观众的向心力,引领观众更好的理解表演作品。通过形体艺术与声乐演唱的结合,满足观众听觉和视觉双享受的需求,使观众能够切实的感受到作品的情感变化和作品内涵,加强对观众的吸引,提高声乐表演的感染力。
二、声乐表演中对形体艺术的训练
1、脸部表情
形体艺术中脸部表情是最基本的形体表现,人们的情感变化,包括喜怒哀乐等都会通过面部表情表现出来,在声乐表演中,正确的运用脸部表情能够更好地体现声乐表演的情感和内涵,使声乐表演能够直观、形象的呈现在观众面前。对于声乐表演而言,对脸部表情有重要要求,首先要做到眼眉舒展,其次要松牙关、抬笑肌,使表演者的脸部表情自然,适宜,让观众感到亲切。在脸部表情的训练中,最重要的就是加强表演者眼睛的训练,眼神的变化能够更好地服务于表演者的声乐表演作品。声乐表演者需要通过眼神的变化来渲染作品情感的变化,将形态艺术与声乐表演相融合,强化表演者与观众之间的交流,产生共鸣。
2、手势动作
声乐表演中对于手势动作要引起足够的重视,手势与演唱和呼吸要相互协调,使手势动作成为声乐表演中密不可分的组成部分。在声乐表演中,大部分表演者都会通过手势动作协助表演者的气息控制,使表演者的气息能够稳定、张弛有度。在声乐表演中手势动作包括情绪性手指、指示性手指和象征性手指等。声乐表演者在舞台的表演离不开手势动作,声乐表演的手势动作设计要符合表演内容的音乐律动和风格,通过恰当的手势渲染声乐表演的情感气氛,给整体的形体艺术进行铺垫和烘托。同时手势动作并不是声乐表演的重点,在运用过程中,要自然协调随性不夸张,避免手势动作过于浮夸影响了整体的声乐表演。
3、身体的形态
在声乐表演中,外貌的美丽与身体形态的得体是相互映衬的,而身体形态是重要的声乐表演表现,自信、精神的状态能够调动表演者的兴趣,利于歌唱发声,使身体形态自然协调的展现。表演者要根据表演曲目的内容和风格与身体形态进行结合,不同的唱法有不同的身体形态要求。对于美声而言在演唱中就要保持一种端庄的姿态,民族音乐的声乐表演就要在表演中融入一些民族姿态特点,例如蒙古歌曲表演就可以适当的融入一些耸肩的动作。通俗的声乐表演就要强调身体形态的自然,在歌曲演唱中动作符合通俗歌曲的情景,依情景恰当发挥。同时,无论是哪种形式的声乐表演,其在舞台上的身体形态都不能出现较为随意的动作,精神不振的状况,要时刻保持昂扬的状态,并且姿态优雅。
4、上下场的形态方式
声乐表演者在表演过程中不可忽视的就是上下场。许多表演者在表演结束后精神放松在下场过程中就会放松精神出现不合表演的动作形态,或是在上场前由于没有做好充足的准备,导致匆忙上场,影响正常演出的效果。因此,表演者要对上下场的形体动作进行掌握,树立强大的台风,使观众能够感受到表演者的饱满精神状态和气场气质。在上场时要微笑向观众示意,适当的步伐节奏,淡定的向观众示意。下场时同样要微笑鞠躬,将演唱情绪与动作保持到音乐结束,从容退场。