时间：2023-03-08 15:38:42
序论：速发表网结合其深厚的文秘经验，特别为您筛选了11篇新古典主义范文。如果您需要更多原创资料，欢迎随时与我们的客服老师联系，希望您能从中汲取灵感和知识！
当由法国室内装潢设计师Catherine Pommier设计的新古典主义风格的公寓在里昂出现时,在这个红色屋顶连绵不绝的城市中,你能感觉到,这座现代黑白两色和古典巴洛克式设计相结合的公寓,呈现出的新古典主义的个性气息。
当夜幕降临时分,拉上厚实的卡其色落地窗帘,开启餐桌上方的烛台式吊灯,仿佛能嗅到一点儿凡尔赛宫的优雅气息。但极具现代简约风格的深棕色木质方形长条桌及长板凳,又会把你拉回到现实的简单明了当中。
整个公寓的最大特色,就是和白色的墙体珠联璧合的一扇扇门。门框的设计典雅大方,凸起的匡形条纹层层包裹,仿佛在向你诉说古典和精致的人文气息。客厅和厨房连接处是里昂式的经典门洞设计,大面积的厚重雕花再一次证明传统的文艺气息无处不在。在“门洞”这个看起来有些浪费的空间里,布置了两把透明材质的椅子,如果你愿意,这个雅致的小连接处完全可以承载起浪漫的下午茶时间。
卧室的衣橱采用的是壁橱形式,仍然是风格统一地镶嵌在墙体中。壁橱门框表面是椭圆形、方形、多边形等几何图案的集合,床头上方的墙壁上,不厌其烦的层层匡形雕刻极具立体感,仿佛整个空间都是雕塑而成。墙体、门体,包括天花板,仿佛都是一个个画框,而家里的每一个摆设,都是画框里的内容。
李黎：Bouthentique分为时装和家居两大类，以时装为主。
Bouthentique集合了一群年轻设计师，希望可以和大家分享我们所感受到的一种美和我们的体验，我们追求的关键词是复古、文艺调性、简约和优雅。
现代社会是一个失去节制的社会，快时尚、快消费带来的是品质劣化，连带人们的审美也变得急躁与粗糙。我们希望大家能静下来，慢慢品位来自手工的精细感觉，这与十八世纪中叶工业革命初期那种半手工、半工业，还带有手工的精细气息的感受很相同。
在店面的布置上，采用一些木头、铁架。这些木头的设计和欧洲旧式的门、墙面设计是相同的；然而金属又带有工业气息，二者结合代表着我们品牌所诉求的东西――在现在工业化生产中的些许精细，让顾客拿着衣服能细细品味。
我们很追求细节，比如衣服上镶边的处理、绣花；在材质上我们追求天然，包括真丝、羊毛，跟皮革的相呼应，在粗犷之中体现细致，达到一种优雅的风格。
时尚北京：这些手工艺如何能在现代的生产模式上实现？
李黎：我们有专门的团队，来在生产工艺上进行一些研究，他们跟设计团队进行沟通，来确定一些工艺怎样在生产流程中保留下来。希望大家对于一件衣服不光是穿着，更是在内部和细节上有所感受。这些装饰性细节，能够让顾客和我们有所共鸣，分享我们内心的一些感受，让大家一眼看到我们的服装，就知道这是Bouthentique。
时尚北京：Bouthentique崇尚新古典主义，新古典主义是什么？
李黎：在十八世纪中叶，工业革命初期，英国美术工艺运动最重要的代表人物William Morris，他提出“重拾传统手工艺，追求质量上的可靠”的概念，这与我们的诉求不谋而合，我们期望能把欧洲手工艺的精细与优雅，与工业化生产所展现的简洁、规则之美结合在一起，形成新古典主义美，这也是品牌呈现给消费者的概念。
Bouthentique服装工业化的体现就是在线条上面，适度的设计、简约的线条，还有精细的细节，这些相融合，呈现出新古典主义风貌。
时尚北京：请介绍一下2013春夏系列？
李黎：Bouthentique春季的颜色是红色和蓝色，相对会浓郁一些。给大家一种开春了，万物复苏的感觉，这些浓郁的颜色会让人从冬季的气氛中脱离开来，感受春季的喜悦。夏季颜色会偏向粉淡，橙黄、粉蜡色系的出现让人感受夏天的飘逸、浪漫和清爽。
在服装上，春季Bouthentique注重层次搭配，有外套、毛衣、内搭，还有一些针织和真丝无袖的服装，让大家脱掉厚重的冬装，穿着轻薄有层次感。这样穿出来就绝不呆板，不同色阶、层次让人有一种玩味的感觉。
另外垂坠的效果也是我们春夏主推的，面料上选用真丝、雪纺、针织类，利用面料轻薄垂坠的特性，穿在身上有一种流动感。
春夏系列还会推出的一个细节――雕花，雕花其实相当于传统工艺的雕刻，我们把它用镭射的工艺把复古的花纹体现出来，在面料方面我们选用了薄透的欧根纱，非常亲肤。
Bouthentique很多衣服可以给出多种穿法，比如有的衣服利用腰带可以变幻出多种穿法，有的衣服正反两面穿会有不一样的效果，让人有一种每次穿这件衣服都是新衣服的体验。
时尚北京：你们设计时灵感来自于哪里？
李黎：针对每一季我们都会寻找一个灵感人物，我们春夏在追求一种诗意的摇滚的感觉，人物选择了Bob Dylan。他是六十年代摇滚先驱，音乐是带有诗意的摇滚。穿着我们服装的女性会带一点刚，带一点柔，穿Bouthentique时，静态的时候要有一个造型，但走动起来会有流动感，这就是我们整体的灵感来源。
在颜色上，刚才提到春季偏浓郁，夏季偏粉，但Bouthentique的基础色调仍是黑、白，这是贯穿始终的色调，黑色刚硬，白色柔软，相当于我们品牌的刚柔并济，是手工与工业化的有机融合。
时尚北京：Bouthentique名字来源于哪里？
李黎：之前提到了复古，“Boutique”原意是精品屋，后指复古二手时装店，我们引申为收藏的意思，把这个词拆开，中间加一个“Then”，就带有节奏感，整体的感觉是收藏、复古。让你慢慢地琢磨，一直穿下去，珍惜它，这是我们想带给大家的。
时尚北京：Bouthentique来自于广州，广州的设计环境和时尚氛围是怎样的？
新古典主义，外文名“Neoclassicism”，也被人称为革命古典主义，十八世纪末兴起于古希腊的罗马，是源于当时人们为了颂扬那些为资产阶级革命战斗而英勇牺牲的勇气与精神，运用古典主义艺术形式和当时社会题材来表现的前提条件下产生的。新古典主义通过资产阶级革命的，在欧美地区广泛而快速的得到传播，并凭借它独树一帜的艺术表现力吸引了无数人们的关注。新古典主义艺术家们希望可以再次振兴古希腊、罗马的艺术理念，在设计的风格和题材的选择上都包含着明显摹仿古典艺术的痕迹。以客观的角度理性的来描绘人与社会的关系，由于新古典主义特殊的背景，它倡导的是个人的完美道德就是要牺牲自我，强调人的责任与义务，认为应该像古代的英雄人物一样为自己的国家尽职尽责，在艺术风格上，注重将古典艺术形式的完整性，以雕刻版的造型营造出典雅、庄重、和谐的艺术氛围，同时坚持严格的素描手法和明朗的轮廓结构，极力削弱绘画的色彩元素。
新古典主义在继承古典主义风格的同时，又具有突出的现实主义意义，虽然随着时代的变迁，各种不同的艺术风格与流派层出不穷，但是新古典主义经过时代与历史的验证，为人们的审美艺术与文化生活增添了不可缺少的一笔色彩。
新古典主义设计风格
新古典主义设计风格特点：端庄、雅致、和谐。当时的设计理念及设计思维从法国开始，随着欧洲资产阶级革命浪潮，革新派的艺术家与设计师们主观地把一些传统的艺术形式、语言通过筛选，保留与添加，通过新的形式来传达，对保留下来的传统文化进行重新优化，同时资产阶级革命的影响带来生产力的极大提升，新的材料、新的工艺的产生，促成了新古典主义的最终产生。新古典主义不仅保留了传统古典文化中高贵典雅的气质，还继承了传统文化所崇尚的秩序均衡的艺术规律。并且在与新的意识形态的融合过程中， 改变了古典主义艺术时期文化意识狭隘这一问题。
新古典主义在室内设计方面有它独特的特点。一是整体意蕴的体现。用现代的技巧和新的材质重新来打造古典神韵，不仅达到很好的装饰效果，还同时具备了古典与现代的完美的结合，让人们在享受现代物质文明所带来的满足的同时精神需求也得到了的满足。二是追求风格特色，在造型的设计中不是一味的仿古，放弃复古，而去追求神韵。三是用简化的技法、现代的技术和材料去打造古典主义式样的基本形态。四是注重视觉效果，摆放陈列品来增添历史文化特征，常常会照搬古典家具、陈列品及一些设施来衬托室内环境氛围。五是以白、金、黄、暗红等色作为主色调，加以少量白色融合，使整体色彩看上去亮丽。
新古典主义设计理念的表面特征以豪华奢丽为主，呈现绚丽之美，极尽奢华之能，别无其他。从文化角度来看，奢华艳丽之美受到大众普遍摈斥的态度，但从人们的日常生活或对于设计的创作来说，人们对美的不同形式却往往具有双重的感受。任何一种艺术形式，美都是追求，富丽堂皇，绚丽多姿，或许会给人精致的感觉。在创作的过程中追求这样的艺术风格，往往被人排斥，被认为这样的风格会沦为低俗。不过，在人们的生活中，绚烂明丽又能表现出另外不同的文化底蕴。新古典主义设计风格不仅保留了材质和色彩的一些特征，能够感受传统的继承痕迹与深厚的文化内涵，同时又摒除了过于复杂的表现手法和视觉效果。
新古典主义对包装的表现特征
1.设计理念的特征明显
新古典主义强调均衡、对称以及秩序等，其最明显的特征之一即为--理性。作为一种排斥主观思想的风格流派，它在包装中最常运用的手法即为简单的线条，强调出的流线感，给人一种既简单又直观的现代感。它所强调的均衡、对称等观念在包装的运用上更为广泛。这就类似于元素的简洁运用。一个元素多向运用。但这种运用，绝不是杂乱无章的，为了显示其严肃性，排列手法通常是有序、均衡的。这种表现手法的产生跟其发展过程中所经历的各种局势不同的政治动乱存在着密切的关系。
而在色彩的运用上，市场现有的包装并未太过脱离新古典主义原本所具有的特色。它们颇具欧洲色彩。跟设计的特征相结合，摒弃花哨的色调，广泛的运用白色、黄色、金色。营造出一种欧式效果。看到这样的包装，就像置身于欧洲的街头购物一样。当然，包装所体现的类别多种多样，虽然设计的手法和观点会有所改善，但在色彩的运用上来说，白色、黄色、金色所传递出的高端、大气、上档次的品质是色彩本身所具有的一种特色。这类色调更能表现出精致优雅，高端古典的感觉。
2.装饰效果的古典美
新古典主义的重要原则是以现代的技法与材质还原古典的神韵，寻求具有历史底蕴的精神内涵。近两年来，全球刮起一股“复古”风潮。无论是服装、家具还是汽车，各类别的产品都掀起了“复古热”。而新古典主义所具备的重要原则恰恰是向潮流靠拢的精髓。对于包装而言，不仅仅是局限于表面的色彩装饰。更重要的是在材料的选取和结构的创新上有所突破。怎样能够在现有的市场上做出让人眼前一亮的设计，怎样能够将不同领域的设计风格相交融是设计师需要考虑的首要问题。将不同的风格流派所具备的特色融入到包装中来，是一种不错的表现手法。新古典主义擅长以现代的技法与材质去还原古典的神韵，这也是人们所追求的端庄之美的体现。设计师可以使用具有年代色彩的牛皮纸进行不同手法的印染，或者是将古典的纹样进行再设计，挑选不同质感的木材进行雕刻，做出有质感，有态度，有风格的产品包装。
新古典主义风格对包装的影响与意义
1.提升产品的文化内涵
当包装融入新古典主义风格时，能够迅速地提升其文化内涵。新古典主义讲究形式的地道、纯正，制作的精良、细致。在设计手法以及制作工艺上都具有很严苛的要求，这样的条件下所做出的包装更能体现出产品和企业所具有的文化内涵。原有的设计元素包裹上新古典主义风格，使得整个设计效果严谨中带着艺术气息，高贵中又不失平和感。既能达到提升品质的效果，又能在市场中脱颖而出。从而，包装本身就成为了一种艺术，其所传递出的文化气息也为产品的销售增添了筹码。
2.契合审美需求
新古典主义追求端庄、雅致、和谐。而在社会高速运转的今天，人们往往在忙碌中无暇顾及自身的塑造。但是，他们往往会将这种诉求转移到对消费产品的欲望中去。中国自古以来都是以“和”为基。无论是满清时的唐装还是民国时的旗袍，人们对于美的定义的较高层次就是“庄重、典雅”。而新古典主义风格带着浓浓的欧式气息，将欧式的绅士、典雅的情怀带入到包装中去，同时，融入其理性的设计手法，既符合了大众的审美需求，也未冲破“中规中矩”的界定。如果在未来的设计中能够将这一元素巧妙的运用，必将产生不错的品牌效应。
结语
作者简介：马旭（1978-），女，辽宁人，北京服装学院04级硕士研究生，主要研究方向：服装结构设计。
1789年的法国资产阶级大革命，不仅冲击了王室贵族的宝座，也冲击了他们日渐堕落的审美趣味。法国古典主义艺术应运而生，它力求恢复古希腊罗马所强烈追求的“庄重宁静感”，强调自然、淡雅、节制的艺术风格。
在服装设计方面，复古的倾向主要体现在女服上。帝政共和制的自由性使服装脱离了中央集权的限制，古典主义倾向更加明显，自然简单的服装款式取代了华丽夸张的样式，排除了拘束、非自然的紧身胸衣和裙撑，追求淡雅自然美。因此，在服装史上1789-1825年被称为“新古典主义时期”。
新古典主义时期的女装可以看作是对文艺复兴时期以来的极端造型的反思。洛可可时期那繁缛、庞大、装饰过剩的女装造型遭到扬弃，女装造型又一次回到自然优美的形态。本文之所以以此时的女装为研究对象，就是因为新古典主义时期女装典雅自然的人本主义风格与今日服装上所倡导的人性化设计理念相统一，那么研究当时的女装结构必然对现今的服装结构设计有着重要的借鉴意义。下面分别从当时的服装制作技术、典型的长裙和短外套等几个方面来分析论述。
1服装制作技术
关于19世纪之前服装制图的书籍保存至今的少之又少。那时，裁缝们使用标记好的绸带或者以纸条为工具来测量，并在纸样裁剪的地方做记号。有许多妇女的服饰都是披挂在身上或是从现有的衣服的纸样上复制出来的。19世纪早期，伦敦和巴黎的裁缝们发明了卷尺，这成为重大变革的标志。这一时期最重要的突破莫过于标准化度量单位的使用，即英寸和厘米。这些单位易于划分，于是更复杂的制图和尺寸确定方式有了进一步的发展的可能。
2长裙
长裙（图1）是新古典主义时期具有代表性的女装样式之一，那时候的女性大都穿着轻薄面料的秀美长裙，领口宽而低，腰线提到胸下，以便使宽松的胸部更为突出，裙子自腰线自然垂下，线条非常流畅。衬裙只穿一条或根本不穿，行动扭转之间显露出自然的腰身曲线。图2是长裙的结构图，通过分析，新古典主义长裙的结构特征主要有以下几点：
2.1胸、腰、臀三围的表现裙子腰线提得很高，位于胸围线以下9.8cm，相当于在乳下缘的位置上。这样，由于胸点到腰线的距离大大缩短，在胸突量不变的情况下，如果靠1个省道来解决胸腰差量，胸省量会很大，形成的胸部造型就会比较尖锐、不自然。在这里，胸省被分散成3个小省道，省尖指向胸点附近，造型柔和自然，含蓄而不夸张，毫无生硬的感觉。除了收省之外，捏褶也是处理胸腰差量的常用方法。
另外，下部的裙子由前后两片构成。侧缝线倾斜程度较小，只有9.95°，形状接近矩形，在腰部用褶裥达到收腰的效果，面料直垂到脚或地面。因此，裙子属于直线造型结构。这样的结构使得单纯从结构图上找不到明确的臀围位置。只有穿上它，在人体的支撑下才表现出隐约的腰臀曲线，充分体现新古典主义时期宁静、淡雅的艺术风格。
2.2上部衣身的立体结构处理上部衣身由前、后侧和后中三部分构成。胸立体通过3个分散的胸省塑造。后片的肩背结构用破缝的办法解决。后中片的肩胛骨以上部分被剪开，将后片肩线对接到前片肩线上。增加了前片的完整性。从后片分割线的位置上看，当时人们已经注意到后片结构的关键在于肩胛骨和背部的处理。分割线从袖窿向后中靠近，在视觉上具有收紧腰部的效果。上身严谨的立体结构与下半身裙子的直线造型形成了鲜明的对比。但在整体上，它们都表现了柔和的身体曲线和稳重的外观。
2.3比例整件衣服被腰围线分为衣身和裙子两部分。由于腰线被提升到乳下，甚至腋下附近，下身的比例被拉大了。自然直垂而下的裙子前中长114cm，再加上方形领口挖得很低，领口与胸点的纵向距离只有5.5cm。那么从前中来看，上下身的比例是12.5:114，即1:9.12。另外，后中裙摆呈弧线形，裙长达到150cm，形成长拖尾，于是更显得肢体的修长和优美。视觉上给人以肃穆感。
3短外套
短外套（Spencer）是新古典主义时期又一种典型的服装样式（见图3），它来自男装，因最初穿用它的英国Spencer伯爵而得名。它穿在长裙外面，起保暖作用。短外套被设计得极短，短到腰线以上，或到袖窿底。颜色通常是深色，与浅色的裙子形成对比。
图4是短外套的结构图，通过对结构图的分析，短外套的结构特征与长裙的上部衣身结构有类似之处：首先，衣长很短，下摆仅在胸点以下7-7.5cm，跟长裙腰线平齐。第二，胸部的处理方法相同，都使用了3个小省道。第三，后片也使用了分割线解决背部结构。而与长裙相区别的结构特征主要有：
3.1面料斜纱向的运用外套的胸围（一周围度）仅仅比长裙胸围大4cm，袖型也比较紧瘦，前身片和袖片采用正斜丝裁剪，一方面便于穿脱，另一方面也使面料柔和随体。另外后侧片跟前片结成一体，同样用斜丝，这样方便了拉动手臂和身体前驱动作。
3.2借肩处理从结构图中可以清楚的看到，后片肩胛骨上半部被接到前片肩线上。后片肩线用缩缝的方法解决肩胛骨突量。这种结构取自男装。因为通常用较厚的面料制作短外套，所以肩线很容易缝得平整。
3.3合体的长袖结构为了在袖山形成泡泡袖的膨起状态，袖山底部围度增大，袖山高减小。展开后的袖山弧线长度较长，前后区别减弱。在袖山顶端和后部抽碎褶，使袖山头成泡泡状。袖肥到袖肘附近迅速的变得细瘦了，袖子紧瘦是短外套的显著特征之一。
3.4翻领结构这是男装中的一种领型结构，应用在女装中显出一种独特的活泼和帅气。从结构图可以看出，这是一片的翻领结构。近似于现代男女衬衫的翻领结构。装领线起翘很高，有7.5cm，后中领面宽6.5cm，领座高3.5cm，差量3cm，这样大的差量要求外领口弧线必须有足够的长度，翻领才能平服。较大的起翘量可以满足这一点。另外，采用斜丝裁剪，使领子更容易平服和柔软。
4小结
新古典主义时期在服装史上是具有突破性的一页。理想主义和共和制的思想在服装上表现为放松和自我表达。服装样式和结构与矫揉造作的洛可可时期形成强烈的对比。造型非常简洁朴素。腰线提高到胸下，衣身部分较合理的利用胸省解决胸突量，利用分割线来处理肩背曲面，体现出立体的空间构成形式；裙子部分直垂而下，并不强调腰、臀的位置和曲线造型，属于平面构成结构。这样，整体上立体与平面和谐统一。在结构处理方面，开始借鉴男装的造型方法。在裁剪方面，注重面料纱向的运用，对提高服装的穿着舒适性具有积极作用。
虽然时间已过去两百年，但新古典主义时期的女装在我们今天看来仍有清新自然的感觉，近年以这种古典风格为设计元素的女装也较流行，比如：各种针织或机织短上衣，在胸下系带或抽褶的女衫等等，这些都源于新古典主义时期的女装。古时的造型方法为我们提供了丰富的资源，非常值得借鉴与利用。
参考文献
[1]FrancoisBoucher.AHistoryOfCostumeInTheWest[M].London:ThamesandHudson,1987:333-360.
1.新古典主义室内设计的风格新古典主义设计注重对细节的把握。在家具选择方面，新古典主义室内设计采用的实木家具，并且这些实木家具多采用镶花刻金。镶花刻金的工艺，保持了整体的高贵与典雅。同时实木家具的使用，这样会使人们在生活过程中，享受温馨的室内环境，也感受到了浓厚的历史和人文气息。古典主义室内设计的线条和颜色选择都显得十分厚重，会使人们的内心感到压抑，而新古典主义的线条使用上有了很大的改进，使用简明轻快的线条，让人们感受到了生气勃勃的时代气息。
2.新古典主义室内设计的特点（1）形散神聚。新古典主义室内的最重要的特点就是形散神聚了。新古典主义对装饰效果非常的重视，为了还原古典的气质，新古典主义采用了新的技术工艺和材料。这样使室内设计既有厚重古朴的历史气息，又有明快生动的现代生气。（2）讲究风格。（3）工艺精简。新古典主义在工艺上采用大量新的材料，同时工艺手法也更为简洁明快。只是保留了古典主义传统样式的大致轮廓，其浪漫、优雅、豪华和舒适的艺术设计特点是在看似简单的设计而其实是在精湛的工艺要求下方能完成艺术风格受到了越来越多人的喜爱。（4）重视装饰效果。（5）注重色彩。新古典主义对色彩的使用同样十分重视，金色、黄色、白色为室内设计的主要色调。在色彩搭配方面相得益彰，这样使避免了室内压抑的气氛，给人以开阔、明亮的空间。
二、符号在新古典主义室内设计的运用
新古典主义在室内设计方面采用了大量的符号，室内设计的符号多以点、线、面、体等基本形式呈现出来。然而不是所有符号都适用于室内设计的，具有指示性的符号，在室内设计中就很少体现，人们往往会采用具有装饰性、寓意性、象征性的符号，对自己的房间进行适当的装饰在室内设计中人们运用符号，点缀着设计的基调。现在的人们在室内设计方面追求“场景化”追求一种既舒适又真实的场景。为了营造这种氛围，人们在室内设计方面也采用了大量的符号。符号的加入增加场景真实性的同时，也提高了艺术工艺的真实性。
三、新古典主义设计中符号使用的特点
1.抽象性、象征性在新古典主义室内设计中，人们运用的符号，不仅是为了装点。一些抽象性和象征性的符号被广泛运用，人们运用这些符号，代表的意思也广泛，有的是希望身体康健，有的代表平安幸福，还有的是代表生意兴隆等，这些美好的寓意都是对美好幸福生活的期许。
2.历史性符号的发展具有久远的历史性。人们使用古老的符号来点缀室内，这样使就烘托出了历史感和时代文化内涵。
3.形式多样性、灵活性符号的形式不是统一不变的，它呈现出的形式比较多样，有的是花草形式、有的是几何图形等，并且在人们对装饰房间的时候，还可以对原有的样式进行改进，形式的多样性，图形的使用灵活性。这样人们在对室内装饰的时候，就有很大的想象与发挥空间。
4.广泛性符号在室内设计装饰中具有很大广泛性，符号使用它不是拘泥于特定场所。所以室内设计中符号的使用随处可见，吊灯、地板、墙壁等。
四、符号在新古典主义中室内设计装饰中的作用
1.美化点缀新古典主义强调室内设计整体高雅，因此注重对室内进行美化和点缀。如果没有一些符号的点缀，这样室内设计看起来过于死板，缺少生气与灵动。符号的使用一方面装饰房间，提升美感，另一方面也为房间增加了一份灵动与生机勃勃的生活氛围。
2.改变房间的格调符号具有很强的象征意义，从而使房间的格调得到改变。比如：客厅是会客场所，应给客人以干净、整洁、舒适的感觉，几何图形的规整性和客厅的要求相得益彰，因此，几何图形是客厅的最好选择；卧室是工人休息的的地方，要烘托出温馨的氛围，人多可以选择一些“心”型和“星星”等类似的符号来装点，这样也有助于人们的休息。
3.强化室内设计的风格新古典主义的风格着重强调高雅的气质、优雅的文化底蕴，并有具有奔放的情怀。新古典主义符号的使用也使得古典与现代的完美结合。
五、新古典主义室内设计装饰中符号的创新
1.符号的叠加为了体现出个性美，人们会采用新的、特有的符号来装饰房间、这个时候人们可以用一些简单的符号，进行叠加来产生出新的符号。通过符号的叠加层层筛沙，创造出自己满意的符号。
2.地域符号的加入新古典主义虽然在全世界的范围内深受人们的喜爱，但是毕竟它的发源地在欧洲。在不同的地域，人们在室内设计中可以适当的加入本地区的特有符号。中国文化有着五千年文明史，孕育着无数的特色符号。我们可以添加一些中华传统符号，让中西文化的相互融合必定产生出意想不到的美感。
3.加入具有时代内涵的符号室内符号的使用不是一成不变的，在符号创新的时候，可以加入一些具有鲜明的时代气息。根据社会大众的审美、社会文化的风向标来进行创新。时代内涵符号的加入，更加具有进步性。
文艺复兴时期的作品特点：宗教题材的世俗化倾向。客观描绘了所存在的世界。
新古典主义的主要特点：艺术形式是古典的，但它的内容是革命的。
联系：文艺复兴时期大概在14到16世纪，而新古典主义是在18世纪末，必然文艺复兴时期影响新古典主义的产生和发展。他们都是以一些宗教、神话作为题材，外在形式上相同，而在不同的时期所表达的内涵不相同。
（来源：文章屋网 ）
中图分类号:F091.33 文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)14-0005-02
西方经济学自诞生以来,就崇尚竞争、反对垄断,他们认为,垄断本身有着诸多缺陷,对经济发展起消极作用。新古典主义更是对垄断忌讳陌生,他们认为,垄断会造成效率损失和价格扭曲,所有的垄断都是有害的,应该对其采取严格的反垄断政策。但随着社会的发展,越来越多的事实表明,垄断并没有新古典主义所说的那样没有效率,而且现在主流的经济学教材所讲述的垄断几乎都是新古典主义的垄断观点,所以,我们有必要对新古典主义的垄断观点进行进一步的分析。
一、新古典主义垄断观点的基本内容
由图1我们可以得知,市场在竞争的情况下,假设平均成本等于边际成本,在价格PC和产量QC相交的D处达到均衡。这时,由APCD这个三角形面积构成了消费者剩余,由消费者获得。但是,如果产生了垄断,就会在价格Pm和其边际收入MR等于AC=MC的C点的延长线Qm相交的B处达到均衡。这时,原由APCD三角形构成的消费者剩余就被分成三个部分:最上面的APmB仍然是消费者剩余,中间由PmBPCC构成的正方形由生产者获得,由原来的消费者剩余变成生产者剩余。这时与原来的竞争情况比较,BCD三角形就是由垄断导致的效率损失,因为这一部分面积,既没有给消费者,也没有给生产者,而白白的损失了。哈伯格(Harberger,1954)证明与完全竞争相比垄断导致产量减少、价格上升,存在资源配置低效率。
所以,图中的BCD三角形也叫哈伯格三角形。
在垄断的传统福利分析中,隐含地假定要素投入像在竞争市场上一样被有效使用,企业的实际成本等于技术上最小的水平。然而,莱本斯泰因 (Leibenstein,1966)敏锐地意识到,垄断不只影响价格,还影响成本。
塔洛克(Tulloek,1967)认为,以哈伯格三角形衡量的垄断的价格扭曲效率损失和以莱本斯泰因四边形衡量的垄断的成本扭曲效率损失都低估了垄断的社会成本。他认为,垄断的最重要的社会成本是潜在厂商为了成为在位厂商,以及在位厂商为了保有垄断地位和垄断利润而进行的非生产性寻利活动(寻租)所造成的社会成本。由此说明,企业争取垄断利润的寻租行为造成了社会资源的浪费。这是垄断与寻租行为相联系的扭曲。 这种扭曲所造成的社会资源的损失被称作塔洛克四边形。
从以上的论述我们可以得知,垄断的损失主要包括三个方面:一是垄断所造成的效率损失,即哈伯格三角形;二是垄断提高了生产成本造成了X无效率;三是为保有垄断地位和垄断利润而进行的非生产性寻利活动(寻租)所造成的社会资源的浪费,即塔洛克四边形。由于有这三方面的损失,使得持有新古典主义垄断观点的人对垄断是激烈的批判。
垄断的正面效应有如下几个方面:首先是避免租值的消散,在规模经济效益不递增的前提下,要素的自由流动最终使要素在该产业中的收入和在其他产业中的收入一致起来,从而达到均衡。所以,按照经典的总体均衡理论,只要市场是自由竞争的,要素在各产业之间的流动不受阻碍,任何要素在任何产业中的经济租都不可能长久稳定的存在。所以,在垄断条件下租值可以长久存在,从而避免了租值的消散。
其次,可以获得有利的成本结构(规模经济和范围经济)。产业从竞争性到垄断性的演化一般体现生产方式的革命性变化,垄断体现和利用了规模经济。现代企业,尤其是大企业,进行单一产品生产只是属于例外,绝大多数是多产品企业进行联合生产,在这种情况下,同一种资源可能被不同产品的生产过程所共享,因此,形成了联合生产的范围经济的基础,给垄断企业带来了成本降低和效益的提升。
最后,还可以获得有效的创新激励。熊彼特断定垄断是有利于生产发展的。他的这个观点主要基于他自己的创新理论。他强调大企业的研究和开发活动使技术创新成为企业内生因素,并促使市场结构发生变化,创造新利润,从而形成垄断地位。因为技术创新,一方面使得既定资源投入能够具有更大产出,从而覆盖更多的市场占有率;另一方面能够制造出差别化产品,包括全新产品、换代产品、改进产品和新牌子产品,尤其是全新产品(即新发明产品)的出现,一定时间内使得现实中很难找到相关替代品。这两方面无疑都能促进生产和市场集中,形成垄断。而在技术创新基础上形成并且受到专利法保护的垄断,反过来又会促进技术的进一步发展。也就是说,垄断企业有资本,也有动力去创新,从而通过创新来保护垄断地位,因此,垄断对创新有着有效的激励。
关于哈伯格三角形的分析。哈伯格认为垄断存在效率损失,效率损失的大小由哈伯格三角形来度量。但是哈伯格只看到了垄断的哈伯格三角形的存在,而没有看到垄断所带来的正面效应。如果不要垄断的话,或者不能独占要素投入,这就会导致租值消散;或者放弃有利的成本结构(规模经济或范围经济);或者放弃有效的创新激励。如果垄断的避免租值消散、获得有利的成本结构以及有效的创新激励这些好处超过了哈伯格三角形,我们怎能一般地说垄断存在效率损失?也许哈伯格三角形只是获得这些好处要支付的必要的代价。既然天下没有免费的午餐,那么也不会有只有成本而没有收益的事情。垄断与定价行为相联系的扭曲必须在考虑了需求的规模和弹性、成本结构以及交易费用的一般均衡框架下才能得到说明,而一般情况下我们是很难拥有这样的信息的。 而且哈伯格对垄断存在效率损失的分析,是一个传统的典型的零交易费用分析范式,是简单地以并不真实存在的新古典世界作为现实世界的效率标准。问题在于,如果交易费用真的为零,那么垄断厂商就会实施完全价格歧视。在完全价格歧视下,垄断厂商的利润最大化产量将达到价格等于边际成本的水平;不考虑收入分配效应,完全价格歧视实现了资源的最优配置,垄断的资源配置扭曲效应并不存在,也就是根本不存在哈伯格三角形。
关于莱本斯泰因四边形的分析。一个为大家广泛接受的解释是:在垄断情况下,追求利润最大化的企业没有了拥有相似技术和需求的企业的绩效来做参照,很难有效监督和控制企业雇员的活动,于是成本无可避免地上升了。垄断虽然会导致成本上升,但如果不要垄断的话,我们也得不到前面所提到的垄断的好处。把这一点考虑进来,虽然不排除垄断使生产成本上升的可能性,但是我们并不肯定垄断一定使生产成本上升了。如果规模经济或范围经济显著,超过了因垄断而起的成本上升,那么垄断并没有使生产成本上升,莱本斯泰因四边形也就不会存在。反之,莱本斯泰因四边形才可能存在。但这仍然只是必要条件,还不是充分条件。必须是垄断者在产品市场上扭曲价格和产量所带来的利润的增加超过垄断导致生产成本上升从而带来的利润的减少,莱本斯泰因四边形才可能真正存在。否则,股东们一定会把企业拆分成多个企业,选择竞争经营来节约成本,这种情况下,垄断不会发生,更谈不上莱本斯泰因四边形之存在了。
中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）02-0108-01
一、法国新古典主义绘画的素描阶段
西方绘画是建立在可靠的知识和对材料训练有素的运用之上的。新古典主义绘画延续了欧洲油画对材料的充分认识和研究的基础上把直接画法和间接画法有机地结合在一起。从新古典主义中坚力量安格尔未完成的许多油画作品可以看出，对于画布的处理和油画底子的制作上新古典主义画家依然沿用了历代油画制作传承的成功经验。大部分会选择石膏、铅白、白垩或半白垩很好地给画布做上白底子。这种底子也会根据每个画家的具体需要做上二至四遍不等。
古代油画制作过程和今天一样选择好稳定的画布并做上白底子后，画家会用铅笔或炭笔之类的工具起稿。通过观察新古典主义画家作品并未完全覆盖的地方我们可以看到类似铅笔或炭笔的起稿痕迹。在起稿完成后就开始严谨而充分的进行单色素描的描绘，画家通常选择黑、白、褐色作为这个阶段所用颜色。等到素描关系已经完成得相当的精致了才开始使用丰富的颜色进行作画。在这个时期，很多画家作画时还是把素描和色彩分成两个阶段分别完成。
二、法国新古典主义绘画的色彩阶段
在进入色彩阶段时新古典主义画家把罩染和直接画法结合起来自由发挥，保持画面的统一性又不失色彩的流动性和人物的生动自然。从整体画面而言，在最初的白色底子基础上画面变得更加的平整和光洁，这也体现了这个时期的画家对于古典油画的延续和尊重，所有颜色都控制在一个很薄而透明的状态，多遍颜色之后画面依然十分平整犹如一面明镜。达维特和安格尔的油画技法都很纯熟，用笔精巧，他们喜欢将笔迹揉的很平，平滑如镜。安格尔深受古典技法的影响，反对外显的笔触，通常在安格尔的画中，主体部分如人体，着衣人物，饰品都不见笔触，表现得十分的精细，具有很强的真实感，也和其追求的艺术理念是想呼应的。
前辈巨匠和所有的大艺术家，从拉斐尔开始都是按照草图从事创作的，小幅绘画至少也得依靠详细的素描稿。一幅肖像画要画得成功，首先要反复推敲所要描写对象的脸部，进行仔细分析，甚至有必要把大量时间花在这个上面。在他们看来如果不善于准确地再现形象，如果在寻求合适的色调上力不从心，与其追求调子，不如干脆在灰调子中沉沦，孤注一掷地练习素描。组成一幅画面色调的基本要素不在于一幅画的明暗色块分别有多美，多半是显示在每一个被描绘对象的特殊的色彩和谐上。例如：发亮的白色织物就会影响到黝黑的人的肤色。古典主义画家特别讲究白色颜料的使用。忌讳轻率地使用过量的白颜料，导致不得不盖掉或用其他颜料调暗。
三、法国新古典主义绘画的审美倾向
古典主义艺术家们普遍持一种观念：世界上不存在第二种艺术，只有一种算艺术，其基础是：永恒的美和自然。在客观自然中就能找到作为最可敬的绘画对象。再精美的雕像永远超越不了客观自然，人类构想永远不可能超越自然造物身上的美。“画素描绝不单纯是打轮廓；素描不是仅由线条所组成。素描――它还具有表现力，有内在的形，是艺术的雏形。”安格尔对于素描的重视充分体现了他对客观之美的高度重视。只有当造型到酷似造化，以假乱真的程度，才能达到高度完美的境界。对造型的绝对尊重使得艺术家们对于手上的艺术作品的写实性和准确性都有了较高的要求。温克尔曼把古典主义风格总结为：“高贵的单纯，静穆的伟大。”这一古典美术理想也号召了当时一批雕塑领域的新古典主义者。达维特，安格尔等给了我们极高的审美品质，能在这个浮躁的时代保持一份安静，是我们与他们的作品对话所得到的，如能在我们的绘画中也体现出一丝静谧，说明这次的穿越之旅是成功的。
四、结语
所谓创作必须来源学习，没有凭空想象的创作，就像没有无根的树木一样。一个学习的过程就像经历一次路程，走一次别人走过的路，在这个过程试着站在别人的角度去思考、去感受、去处理。最后你就可以理解：他为什么会这样做，得到这样的结果，你就能深深的懂得他。而对于我们自己则收获了别人的经验来放在我们自己的世界中。谋划一次类似的路程就是所谓最初的创作吧！学习越多，模仿得越深，你可以选择的路程就越多，再结合自己的现实，也许就能得到更多的体会。无规矩不成方圆，我们必须遵照一定的规则，在这个规则下玩出自己的心意。如果毫无规则可言，这样的游戏就没有任何挑战和意义了。学习得越深刻，创作的时候就越有深度，因为你和前人进行了一场深刻的对话，他告诉了你无数前人摸索的宝贵经验和真理。
参考文献：
[1][法]安格尔.安格尔论艺术[M].朱伯雄译.沈阳：辽宁美术出版社，2010版.
[2]谭平.新古典主义美术[M].重庆：重庆出版社，2010版.
20世纪20年代的欧洲，“几位作曲家用17， 18世纪的形式和风格来创作音乐，以反对19世纪后期浪漫派的极度繁复的配器。”其主要代表人物是斯特拉文斯基（lgor Feodro-ovich Stravinsky，1882- 1971）等作曲家，后来，人们把这一流派叫做“新古典主义乐派”。国内学术界涉及到斯特拉文斯基或新古典主义乐派的研究成果数量并不多，集中反映在两个方面，一是硕博学位论文，如徐孟东的《20世纪帕萨卡里亚研究》、张艺昆的《新古典主义音乐的形式超越》、川徐立翔的《现代与古典的有机融合一一斯特拉文斯基音乐的感悟与分析》、陈雅春的《斯特拉文斯基的一“深躺五寻之下的父亲”之分析》、洪奕哲的《普罗科菲耶夫及其的演奏》、孙洋的《斯特拉文斯基与他的》等。这些文章差不多都在围绕新古典主义作曲家们的作品做个案研究，在微观上有对新古典主义创作技法和风格形成的认识结论，但缺少纵向上的历史描述和总结。有鉴于此，本文拟对新古典主义音乐在20世纪的发展情况做一梳理，以期获得对该音乐流派的清晰认识。
历史地看，新古典主义音乐流派的产生，与第一次世界大战以及围绕着战时社会生活的突变有着密切的关系，生活在这一时期的人们，对音乐的要求和观念发生着变化，不同程度上在作曲家的创作中都有所反映。而且，在斯特拉文斯基创作新古典主义风格音乐作品（如《管乐八重奏》）之前，己然预示出了新古典主义风格的露出。
从目前所能见到的材料来看，将新古典主义音乐风格的产生起点归结在斯特拉文斯基的身上，事实确实也如此，在这位现代作曲家毕生音乐风格的变化中，新古典主义风格在他的创作中一如他的国籍变化一样富有意义。他一生的音乐创作风格变化也是先后由俄罗斯风格时期转向新古典主义风格时期，最后进入十二音乐时期。50余年的音乐创作历程中，斯特拉文斯基的新古典主义音乐风格的创作约占31年，是他艺术生命总历程的一半多的时间。在新古典主义风格时期，他先后创作了《浦尔钦奈拉》（以大利作曲家佩格莱西未曾发表过的一些乐谱片断为素材，于1919年动笔，1920年完成）、新歌剧《马甫拉》、清唱剧一歌剧《俄狄浦斯王》（1926-1927年）、《魔女之吻））（1928年）、《诗篇交响曲》（1930年）、芭蕾舞剧《帕赛芬尼》 （1934年）、《小提琴与钢琴双协奏曲》（1931-1932年）、《敦巴顿・橡树园协奏曲》（1937-1938年）、（C大调交响曲》（1940年）、《三个乐章的交响曲》（1942-1945年）、《钢琴奏鸣曲））（1843年）、（D大弦乐协奏曲》（1946年）。最后以三幕歌剧《浪子的一生》（1951年）结束了他的新古典主义音乐风格时期，转而开始了十二音序列创作。
斯特拉文斯基的新古典主义音乐风格的创作，走的是一种折衷主义的通道，他吸收了巴洛克时期以来音乐中的结构因素，将早期浪漫主义的抒情性风格特征也纳入自己的创作之中。具体在创作中，主要采用自然音阶，谱面上看起来虽然是大小调体系的，实际上的旋律线条可以是任意一个音的附加，或者是一个三度或四度叠置的和弦，或者是多声的网状音群织体等，但是，风格显得十分纯朴。这就是斯特拉文斯基的新古典主义特征，在这种观念之下创作的声乐作品，“不是纯音乐，却很接近纯音乐”；而器乐作品尽管由于作曲家主观上一直追求音乐的“无感情性”，“但有的作品还是存有一定的感情因素的”，如《诗篇交响曲》。而且，在斯特拉文斯基的创作中，他早期的作品如舞剧《浦尔钦奈拉》就没有过多注意到不同时期的风格特点，有些受到柴科夫斯基的《野玫瑰》的创作影响，作品中，较多地强调了节奏、和声方面的改变。
同时代秉承斯特拉文斯基的新古典主义艺术精神的其他作曲家中，主要是生活在巴黎的一批法国作曲家，他们与斯特拉文斯基一样，对过去同样采取了与往常不一样的态度，如诗人让・科克托领导的“六人团”。科克托宣称“贝多芬在他的发展方面是令人厌烦的”，“瓦格纳的作品是一些为长而长的作品”，他们的先期的老师德彪西也过时了，现在的音乐必须是率直坦诚的，干净利落不加渲染的，且是最新的。
参考文献：
[1]徐孟东.20世纪帕萨卡里亚研究（上海音乐学院博士学位论文，2000年）[D].北京：人民音乐出版社，2003.
[2]刘瑾.萨蒂研究：风格、技术与价值[D].上海：上海音乐学院博士学位论文，2005.
Keywords: new classical, European town, leisure
中图分类号：[F213.2] 文献标识码：A 文章编码
1.背景：
1.1项目概况
中央景城项目位于苏州工业园区，具置为星湖街东边、沈浒路南边、万盛街西边，由苏州工业园区建屋发展集团有限公司开发建设。总占地面积18.8353公顷，景观面积10.0578公顷，建筑设计简洁、明快，以新古典主义风格来彰显社区的品质和价值。景观设计的重点是创造出与建筑风格相统一的社区环境，让人置身其中能充分体验一种欧式精致的生活。
1.2 新古典主义风格
新古典主义的设计风格是用新的美学观点去审视古典主义的装饰风格，用多元化的思考方式，将怀古的浪漫情怀与现代人对生活的需求相结合，兼容华贵典雅与时尚现代，让古典的美丽穿越岁月，在现代生活中活色生香。它注重用现代的设计手法和理念还原古典气质，打造宜人的高品质空间。以不断创新设计手法满足现代生活需求的同时，又保留了古典主义风格所体现出的历史气度与文化底蕴，同时摒弃了过于复杂的肌理和装饰，简化了线条。
2.设计构思
1.1 设计定位
在欧洲，耐人品味的不是大都市，而是那些让人空明澄澈的小镇，他们荟萃了人文历史精华，古朴、生动，处处体现着品质。景观设计中，我们试图寻找出欧洲小镇生活的精髓，把它渗入到社区中，让古典的魅力与现代时尚很好的结合。与小区环境共融，营造出欧式浪漫，休闲的生活意境。
1.2设计理念
“游走欧洲小镇”
景观设计中，我们提取了几个典型的欧洲小镇：法国的普罗旺斯，意大利的托斯卡纳，西班牙的塞维利亚，英国的肯特郡以及德国巴伐利亚的新天鹅城堡，归纳、总结其特色，并根据其不同的气质而赋予“春 夏 秋 冬”的不同季向的特征。
设计中，依据原有的空间布局及建筑特点，把各具特色的组团空间统一、串联起来，形成社区的动线，让人游走之中能充分感受欧式小镇的生活气息。
3.具体设计：
3.1 主轴（神秘的“新天鹅湖城堡”） ——人文 艺术
“艺术——时尚与经典——流动与恒久——通过雕塑、水体、灯具、铺装、景桥、亭廊来演绎欧式经典生活——人文社区的标志 ”
社区中心的南北向轴线位于新区管委会的延长线上，是景观规划中的主轴，也是连通
南北入口的主要景观步行空间。
轴线的景观设计一气呵成。首先通过许愿树、音乐喷泉、景观树阵、灯柱等，渲染了入口的大气恢宏的气氛。水景中央设计一景观桥连通东西。
整个轴线以 “新天鹅湖城堡”花园为中心竖向展开，设计强调了“文化、艺术、传说”的理念。笔直的竖向景观沟通了各个组团空间，形成了整个社区的主要人行动线，并且在强化了景观结构的同时能够更好的引导人们的视线，缓解建筑造成的压力，把视野释放到更广阔的空间。
中心区域的“新天鹅湖城堡”花园以天鹅湖为主题元素，展翅的天鹅在静谧的水面嬉戏，
静静的古堡叙说着优美的传说。湖岸的轮廓依建筑的形式梳理，自然流畅的线条不但加大了
水岸线的长度，同时也联系了各个不同特色的景观空间。其中既有能体现异域风情的广场和
构筑物，也有开满鲜花可供儿童嬉戏的阳光草坪。
水的形式在设计中得到了更好的阐释：静水池、水渠、跌水、喷泉、自然水面等不同形
态水体的使用，不但增添了空间的节奏感和趣味性，提供了更多的亲水场所，同时也加大了周边建筑景观的均好性。不同形态的水体贯穿在轴线空间的变化中，从听觉和视觉上满足了人们的需要。
3.2 次轴 ——运动 健康
“绿色——自然——植物——鲜氧——运动——健康”
社区中心的东西向轴线是景观规划中的次轴，也是社区中主要的运动活动区域。同时集中设置了一部分停车位，用绿篱围合。
东西向轴线的设计强调“自然、自由、自己”的理念，以自然生态的绿色植物造景元素，塑造自由开放的运动活动空间，为业主提供心灵和体魄健康的生活方式。
景观设计中，将新古典主义的线条、流畅的曲线、简约的手法从一而终。通过蜿蜒交互
的快走及慢跑道路布局，划分了诸多趣味空间，将各具特色的运动场地如门球场、篮球场、
慢跑道、室外器械区、开敞式运动草坪等分布其中，同时又在部分活动区域周围设置可供休
息的场所、微地形草坡、花径等。整个空间由点的个性化过渡到面的生态性与自然性，将温
馨健康的生活掩映在绿色与自然之中，呼吸着过滤的鲜氧，享受着和煦的阳光，在绿意中拥
有着健康的生命与惬意的生活。
3.3 艳红的“肯特郡“ ——拥抱英伦风情
本区域的景观定义为英式自然园林，将新古典主义的手法与自然造景元素相结合。强化开敞的阳光草坪和密植的植物群落,形成起伏的地坡景观。以植物和水为主题元素，借鉴英国自然风景园的设计手法，强调各个景观空间的和谐统一。从建筑到景观，采用由规则向自然的过渡手法。植物采用自然式种植，种类繁多，色彩丰富。以植物为主题，点缀装饰有景亭、观景平台、景观小径等。
点式硬质景观、岛式水岸景观、带式花卉景观相互协调，达到了形式和功能的统一，营造出宁静、安逸的春季景观。
3.4 橙红的“塞维利亚”——欢乐的沉淀
西班牙塞维利亚阳光普照的斗牛比赛，热情似火的吉普赛女郎体现着热情奔放的气息，
本区域的景观同样具有这样的特质。塞维利亚风情塔、弗拉明戈舞之草坪以及大型的景观喷泉和草地上舞动的雕塑演绎着不同凡响的奔放气质。在植栽的设计上同样突出了热烈与绚丽的夏季特色。
3.5 金黄的“托斯卡纳”——秋天的童话
本区域的景观以意大利的托斯卡纳为设计蓝本：粗糙的石铺地面，大片的水体，跳动的
喷泉，宽阔的草坪和晚秋的落叶。其中跌水将水景的奇幻特色凸显出来。水生植物、汀步等散落水体，形成步移景易的变幻景象。茂密的大树围合着大片草坪和茂密的灌木，在休息亭下聚会聊天，一定体会着不同的惬意舒适。地下车库的上人口和通风口等巧妙的掩藏在绿色当中，立面上通过壁雕或水景的修饰，巧妙地为景观所用。
3.6 蓝色的“普罗旺斯”——芳草园舞曲
普罗旺斯有灿烂的阳光，暖冬的气候。美丽的薰衣草细细诉说着普罗旺斯地区无穷无尽的美丽色彩与芳香。本区域设置紫花溪岸、野花谷、音乐主题标识、林荫大道，营造百花盛开、繁花似锦的景观意向。在安静的石板路上走走，人们能体会清新浪漫的优雅氛围和细致丰富的艺术气息。一大片迎风摇曳的紫色花海，交织出紫色的梦境，又像奏响了欢乐园舞曲。
4.结语
中央景城整个地块通过变幻丰富的水上形态、绿地空间、铺装、构筑、雕塑等等细节的处理及穿插，体现了新古典主义的设计风格，打造一个梦幻般的社区景观，满足居民的日常生活休闲需求，动静皆宜、形态功能兼备。
参考文献：
1.郦芷若、朱建宁 著，《西方园林》，河南科学技术出版社，2002(02) 2.马凤林 著，《新古典主义——现代生活与传统美学》，湖北美术出版社，2005(04)
【摘 要】法国大革命之后，资产阶级与封建贵族达成妥协，新古典主义绘画中向现实挑战的积极因素已消失，此时浪漫主义兴盛起来。浪漫主义最突出的艺术主张是将个人感情无拘无束地表现出来，不受任何形式与法则的限制。作为一种艺术思想，浪漫主义与古典主义是对立的，但作为一种时代思潮和文艺运动，它们又有着密切的联系。本人拟从浪漫主义巨匠德拉克洛瓦的作品着手，寻找论证浪漫主义对古典主义的继承。 【关键词】德拉克洛瓦；浪漫主义；古典主义；继承中图分类号：J209.9
文献标志码：A
文章编号：1007-0125（2016）06-0166-01一、浪漫主义美术的绘画创作理念19世纪30年代，浪漫主义成为一种普遍的文艺思潮，它是在反对官方学院派和古典主义的斗争中发展起来的，在审美思想上注重个性化和感情的发展，重视色彩的对比，主张创作自由、个性解放，善用象征、寓意、夸张、对比等手法。与古典主义重视以线与轮廓为主导的严谨素描造型相反，浪漫主义特别重视用色彩来饱满形象，用奔放的笔触创造有生命力的动感造型，在浪漫主义绘画创作方式上取得显著成就的是席里柯、吕德、德拉克洛瓦等。二、德拉克洛瓦作品中对古典主义的继承众所周知，德拉克洛瓦是著名的浪漫主义画家，被誉为“浪漫主义雄狮”，但在他的身上除了闪现着浪漫主义的光辉外，还体现了古典主义精神，艺术都是相互吸收和继承的，作为浪漫主义的画家，正是有古典主义的积累，才有浪漫主义的精彩，在德拉克洛瓦的身上，深刻地体现了这一点。首先，德拉克洛瓦继承了新古典主义的革命精神，流露出对高尚、伟大和崇高的追求。德拉克洛瓦成名作品《但丁的小舟》，取材于但丁的《神曲・地狱篇》片段，描绘了古罗马诗人维吉尔引导但丁乘舟来到地狱中斯蒂吉河的情形。画面色调阴暗，给人一种紧张恐怖的感觉，这正是波旁王朝时期人们精神世界的曲折反映。这幅画引起巴黎艺术界的巨大轰动，同时也为法国浪漫主义运动开辟了一条崭新的道路。它以情感洋溢的形象、悲剧性的力量、对于人类灾难的真实描写，流露出对高尚、伟大和崇高的追求，这种倾向体现出了对古典主义绘画的继承。其次，德拉克洛瓦对人物形体的准确把握。虽然与古典主义美术相比，浪漫主义美术更注重画家内心的表达，但是画家的内心世界靠画面形象传达出来。浪漫主义画家虽然对轮廓线和素描关系不像古典主义那样重视，但是浪漫主义画家并没有完全扔掉古典主义绘画中对客观形体的“具象把握”，作品中的形体仍然力求准确真实，但是相较古典主义绘画而言，浪漫主义绘画不再像古典主义绘画那样事无巨细地把客观对象表现出来，浪漫主义作品除对主体人物细致地刻画外，对次要人物及背景进行了概括提炼，主要是为抒发自我感情服务的手段或素材，这点明显区别于新古典主义绘画的过于客观性。如他的作品《但丁之舟》《自由引导人民》《希阿岛的屠杀》等可以看出，德拉克洛瓦对形体的准确性绝对不亚于古典主义绘画，从这点上面可以看出浪漫主义绘画对古典主义绘画的继承。第三，德拉克洛瓦作品中的现实主义和唯美主义倾向。新古典主义和浪漫主义都是19世纪法国大革命时期的产物，题材也都与革命运动、人们的命运息息相关，可以说这两种艺术流派的产生都是关注现实生活的，自然题材中都流露出现实主义的创作，如新古典主义大师大卫的《贺拉斯兄弟的宣誓》《马拉之死》等作品及浪漫主义巨人德拉克洛瓦的《希阿岛的屠杀》《自由引导人民》等作品，都随着法国大革命的现状及人民疾苦而动荡，因此无论是在新古典主义作品和浪漫主义作品中都表现出明显的现实性，这也是这两个画派最为进步的一面。由于对现实的不满，德拉克罗瓦到摩罗哥和阿尔及利亚去旅行，这次旅行是德拉克罗瓦创作的分界线，之前的作品都围绕着浪漫主义主题与形象而进行，这以后的许多作品，由于脱离生活，唯美倾向越来越浓厚，如《阿尔及尔妇女》就是一幅以色彩的协调与交错组成的复杂而美丽的作品；另一幅作品《摩罗哥犹太人的婚礼》表现的是研习古典传统举办的婚礼，画家着重描绘了宁静和谐的气氛，而这两幅画的笔触之细腻，形象之完美，让我们联想到了学院派古典主义的画风。三、结语浪漫主义是作为古典主义的对立面而产生的，但是在浪漫主义的画家身上却闪现着古典主义和浪漫主义的两种光辉，只是各有侧重而已。在对立的同时，我们也不能忽视浪漫主义对古典主义的继承，任何新艺术的出现都是在继承传统的基础之上融合创新的。参考文献：[1]席尔顿.德拉克罗瓦[M].北京：人民艺术出版社，1960.[2]贡布里希.艺术的故事[M].南宁：广西美术出版社，2008.[3]徐晴平，邓惠伯.西方美术史[M].北京：高等教育出版社，2003.[4]（英）伍德福德著，钱乘旦译.剑桥艺术史[M].南京：译林出版社，2009.[5]胡经之.西方文艺理论名著选编[M].北京：北京大学出版社，1998.[6]德拉克罗瓦著，李嘉熙译.德拉克罗瓦日记[M].北京：人民美术出版社，1981.作者简介：王秀贞（1986-），女，汉族，籍贯山东，宁夏大学硕士研究生在读，研究方向：美术学。
