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不同于其他油画画家单一的构图形式,颜文樑油画的构图形式灵活多变,主要表现在以下几个方面。
1.构图饱满
西方油画家一直认为空间对所要表现的物象是没有任何意义的,所以西方油画家在进行构图的时候一直都在空白处填充以各种物象,如天空、白云、远山、飞鸟、湖泊等。颜文樑受西方油画家的这种影响颇深,所以他在进行油画创作的时候也遵循着“饱满”这一构图原则,并在此基础上形成了自己的构图特色。他的油画构图饱满丰富,却井然有序,丝毫没有臃塞之感。以油画《百果丰收》为例,椭圆形的画面中充斥着各种各样的水果,葡萄和西瓜包围着桃子和苹果,桃子和苹果中间又塞满了南瓜,而南瓜中间又有几朵红花作为点缀。这幅画面中没有留有任何空白之处,整体密实,物象丰富,带给人一种丰收的喜悦之感。虽然整体构图较为饱满,画面中物体众多,但是画家却将各种物象安排得井然有序、繁而不闷。
2.纵深感强
纵深感极强是颜文樑油画构图的又一大特色。他极为重视画面的纵深感,擅长对不同的物象进行空间摆位,然后通过不同物象的摆放位置来表现出一种前后不同的感觉,从而最大限度地体现出画面的纵深感和透视感。这种纵深构图有利于在二维平面上打造出一个三维立体空间的画面,加强了画面的真实感,能让受众产生一种“画中游”的感觉。颜文樑在进行纵深构图的时候通常将整个画面分为三个部分,即前景、中景、后景。其中,中景是画家所要重点描绘的部分。例如,创作于1919的《厨房》就是采用的纵深构图方式,画面分为前、中、后景三个部分,前景和后景都极为简单,作为整幅绘画的背景,画家对中景的刻画非常细致,画面中有玩耍的小猫、睡觉的孩童、逼真的瓷器以及各种厨具等,带给人一种极为强烈的视觉空间感,使观众好像身颜文樑油画艺术的创作特征李哲虎摘要:颜文樑是我国近代著名的油画家和美术教育家,他在精研西方各时期油画的绘画技巧及吸收借鉴优秀绘画传统的基础上,结合自己对油画的理解创作的油画作品在国内外引起了轰动。本文先概述颜文樑的艺术人生,然后从构图和色彩两个方面分析其油画的创作特征,希望能够为大家了解颜文樑油画艺术提供一些参考。关键词:颜文樑;油画;创作特征美术研究处作家所描绘的厨房中一样。
3.互相呼应
颜文樑自幼受国画的影响和熏陶,对我国传统绘画中的“笔不同意同”“画外之境”等理念有着独到的见解,并将其创新性地应用在油画创作中,形成了“互相呼应”的构图准则。颜文樑在进行油画构图的时候十分注意气韵的连贯,画面中各个物体之间都是相互联系、互相呼应的,这也使画面构图表现出一种完整性。仍以《百果丰收》为例,画面中的大西瓜、葡萄和莲蓬三种水果组成了一个大的三角形,且都为绿色,三者相互呼应,而被切开的西瓜、柿子和右边的红色的苹果又形成了一个红色的三角,和绿色的三角形成了鲜明的对比,两个三角形互相呼应、相互协调,这些水果在画面中协调统一。
(二)颜文樑油画的色彩特征
1.色彩饱和度较高
饱和度指的是色彩的纯度,纯度越高,画面色彩越鲜明;纯度越低,画面色彩就越黯淡。众所周知,西方油画色彩的饱和度比较高。颜文樑在作画的时候也倾向于选择饱和度较高的色彩,使画面呈现出鲜明、亮丽的特点,也有利于塑造画面中所要表达的物象的体积感和质感,如《肉店》《印度洋之中秋》《印度洋之锡兰》《雪霁》《鸟瞰香港》等作品中的色彩饱和度都很高。以颜文樑的油画作品《雪霁》为例,该作品描绘的是雪后初晴的景象,地上的雪为亮白色,天空中的太阳为鲜艳的橙红色,周边是被太阳染红了的红彤彤的云彩,整幅画面的色彩饱和度较高,亮白、橙红、鲜红等鲜艳、亮丽的色彩的运用也使画面极富立体感,能使观众产生一种身临其境的感觉。
2.色彩色调较为低调
颜文樑拥有丰富的绘画经验和高超的绘画技巧,善于运用不同的颜色来表现不同时节的不同物体的特点。但无论所要描绘的客观物象如何变化,颜文樑所采用的色彩的色调都是比较低的,黑、白、灰这三种色彩在其油画中出现的频率是最高的。颜文樑认为“黑、白、灰”三色是万能的颜色,不同明度、饱和度的黑、白、灰色可以用来表现不同的物象,且这三种颜色会给人带来一种低调奢华的感觉,符合大多数人的审美观念。例如,《普陀市街》的主色调就为冷紫色的灰色调,将南方小镇的清冷的感觉形象地呈现在了受众的面前。在创作这幅油画的时候,颜文樑所采用的灰和古典主义所钟爱的单调的灰色不一样,增强了画面的层次感,表现出了画家高超的色彩运用技巧。再如,《雁来红》这幅油画中,天空中略带暖黄色的白云及白色衣服都显得格外醒目,吸引了受众的注意力。总之,颜文樑油画的整体色调都较为低调,既单纯,又丰富。
3.色彩极为厚重
不同于一般的油画作品,颜文樑油画作品的色彩具有厚重感。在进行油画创作的时候,他倾向于运用厚涂这一创作技法,充分表现出所描绘对象的质感。通过研究可以发现,颜文樑的油画作品凹凸不平,颜色有高有低,且方向也不同,或是向左,或是向右,或是上,或是下,这样能使色彩表现出一种立体感,并且在不同角度的光照作用下可以表现出微妙的视觉变化,这也就间接丰富了画面的表现效果。颜文樑在实践经验的基础上总结出了薄涂、薄贴、厚贴、埋没、拍贴等不同的色彩厚涂技法,增强了色彩的表现力。如《前祠大殿》《普陀》《普陀前祠》《菜花》等作品的色彩是极为厚重的,无论是色彩的明暗对比度,还是色彩的冷暖色调,色彩的变化都异常丰富。尤其是《菜花》的用色让人感觉到“几乎可以抓住某些厚色将整幅作品提起来”。
二、中国当代油画艺术需关注的侧重点以及艺术家的责任和使命
就油画本身创作而言,是将现实生活中存在或潜藏的事物,以真、善、美的艺术表现手法,对其进行提炼、放大、夸张等,以实现审美情感交流和价值的艺术的形式。而当今中国油画创作,则表露出背离了艺术创作应有的社会价值和审美目的,倾向于艳俗、荒诞、边缘等现象,这不仅使得油画艺术失去了应有的艺术本质,也使得整个艺术圈的局势不稳定,割裂了艺术家主体创作的社会责任感和文化使命,放低对艺术生命力和高质量艺术作品的追求。为了使油画艺术在中国长期健康的发展,需关注以下几点:
1社会生活的表述
从本质上来说,艺术源于现实生活,又为现实生活服务。现实世界是每一个人都无法逃避的社会背景,艺术创作是一种特殊的社会表述,属于一种社会行为,为历史的发展进程产生作用。所以,艺术与社会生活是一个密不可分的整体。今天的绘画并不是脱离人的存在意义的绘画,也不是追求金钱利益的绘画,而是关乎自身与社会生活关联的绘画。它可以愤慨悲怨,也可以自我陈述,但它绝不是迎合时尚,也非谋求利益。做到真正的艺术,需立足于社会生活,通过自身的社会体验人生经历进行艺术创作。
2符合审美规律
艺术具备审美人类学的本质,是人类创造审美的符号形式。当代艺术对美的追求逐渐让真的表现所替代。传统绘画的评判应以美为标准,一幅作品如果是真和善但不美,则不可称之为艺术作品。但目前,由于受到西方后现代艺术思潮的浸染,打着“反传统”的旗号,逐步降低了对美的要求,高雅脱俗的审美倾向逐步衰退到大众文化的消费时代中去,从形式和内容上消除审美深度和文化内涵。审美情感是艺术家审美情调,人格境界的体现,是作品主体内容的升华,如果违背了审美规律,则违背了艺术本质的精神,则与非艺术作品没有任何区别,因此,艺术家在创作时需注重审美规律的运用。
艺术不追求直接的实效,它追求的是美。这是一种活的、有生命的、千差万别的、变化无穷的形式,所以它在不同的作品里永不重复。如果把那些材料相同的作品归类,那么相同的材料又都各表现着不同的美。艺术是人所创造的美,油画亦如此。任何事物,它必须首先能使人感到美才可能成为艺术。离开了这个最基本的出发点,就很难理解艺术是什么。艺术靠技巧来表现和创造美,但如没有美,技巧也就白费了。总之,艺术是一种美。任何事物,它必须首先是美的,然后才有可能是艺术,这是我所表达的第一个层次。
二、艺术是情感的表现艺术的任务,在于捕捉和表现。
我们把它定义为情感的表现。油画从颜色、用笔等也表现出其画画人的情感。比如梵高的《向日葵》,莫奈的《日出印象》都表现了他们的情感。其实“情感”一词并不确切。通常所谓“情感”,往往是指“愤怒”“、快乐”、“悲哀”等心理过程。这里的情感概念内涵要丰富、外延要广阔。它无法获得一个明确的心理过程。包括一切“只可意会,不可言传”的东西;那些“忧来无方,人莫知之”的东西;那些“才下眉头,却上心头”等。现代心理科学早已证明,正是那些东西的总和,构成了我们的内心生活的基本内容,构成了我们的“自我”。在这里,所谓“表现情感”,同“表现自我”是一回事。在创作过程中,我对这些作品都有了很深的情感,尤其是那张彩色的装饰作品,我在它身上注入了对现代时尚美的追求!并大胆地采用了纯色和当今的流行色,表现五彩的世界和人们的激情。在此幅作品中我还融入了当今最流行的影视艺术,在此表现出社会时尚元素不断追求的情感。这是我所表达的第二个层次。
三、艺术的创作作为情感的表现,实际上是一个意境问题。
若问艺术家创造了什么,回答就是创造了意境。画布上涂满各种颜色,键盘上敲出各种乐音,稿纸上写着各种单词……如果这些颜色、乐音、单词是有机地互相关联而形成一个活的有生命意味的整体时,那么不论它是抽象还是具体,不论它是否合乎逻辑,它都必然地构成这种或那种意境,具有这种或那种表现性。这个有机整体,我们称之为艺术。它是被创造出来的,是艺术家按照自己感情的旋律创造出来的。在它被创造出来以前,它并不存在。这就像各种颜色是原先就存在的,但是用几个颜色构成一个活的有机整体,是画家的创造。在他创造以前,你可以找到颜色、画布,等等,但却找不到那个意境。在作画过程中我的调色板,我感到就很有创作性,它的美我认为不是一般人可以感受到的,慢慢的体会每一个色块的安排,慢慢的体会同一种颜色的变化,它是很有艺术性的,很有层次,很有韵味。假如颜色在画布上不能构成活的有机整体,那它就是涂在画布上的颜色,此外什么也不是。活的有机整体并不活在画布上,而是作为一种具有虚幻维度的形式,活在欣赏者的感受之中。所以它是意境而不是实境。一种意境就是一种艺术形式,一种艺术形式就是一定情感或心绪的动态形式的同构形式。情感本身及其表现也不等于艺术,只有它客观化为一定的物质形式才是艺术。在实践中艺术灵感总是来源于生活。这是我所表达的第三个层次。
二、西方油画艺术中色彩的主要体现
色彩在一定程度上可以引起观者心情的转变以及视觉的兴奋,在作品中通常可以体现出作者的心理感受。在色彩语言的演变历史中,我们可以看出画家越来越重视色彩对心理层面的表现作用。色彩语言在油画作品中的表现特点体现在以下几个方面:
1.色彩的主观性
艺术家在创作中并不是完全地将景物照抄在作品中,不会完全地再现物象的色彩,而是以个人情感为依托根据画面需要去创造,形成富有个性特点的绘画语言。色彩在油画作品中的主观性也是相对的,是对于景物所呈现的色彩本身而言的。
2.色彩的装饰性
色彩一直以来都是进行装饰的主要手段之一。从远古时代开始,人类为了装饰自己开始往身体上涂抹颜色。随着时代的演变,色彩在更多的装饰途径中发挥了作用,如陶罐上的花纹、布料上的各种色彩和图案。而色彩的装饰性在油画中被发挥得淋漓尽致。每幅画中都有画家独特的情感表达,各种情感状态都可以表现在作品中。在视觉的作用下,各种颜色都可以带给人们特殊的感受。著名画家克里姆特的作品《接吻》采用金色调,除了部分花纹外全部采用金色作为装饰,是一幅极富装饰性的油画。凡•高在《向日葵》中较多地采用了暖色调,黄色布满了画面,色彩不受拘束,大胆、奔放,极富表现力。
3.色彩的表现性
在艺术理论中,“表现”即指人物的内心情感和心理的外感表现。色彩在油画中的表现作用毋庸置疑。色彩在绘画作品中可以表现出画家的情绪,使观者感受到作者细腻的情感。画家毕加索的绘画作品中就充分印证了色彩的这一特点。他绘画生涯的“蓝色时期”和“玫瑰红时期”的作品色彩传达出了截然不同的两种情绪:“蓝色时期”的作品中大部分是蓝色调,充满了伤感;“玫瑰红时期”大部分是红色调,让人感觉到强烈的生命力和热情。
二、光与影在油画应用中的代表画家和代表作品分析
16世纪光与影运用的理性大师达芬奇恩格斯在他的名著《自然辩证法导言》中对欧洲文艺复兴和达芬奇的评价说“这是一次人类从来没有经历过最伟大进步的变革,是一个需要巨人而产生了巨人,同时也用美学理论和科学观点来观察人与自然的规律,在思维能力和性格方面的,在多才多艺和学识渊博的巨人理论与实践的相符关系的时代”。文艺复兴思想的基础是关怀人,尊重人,以人为本的世界观。人和自然地价值得到重新的肯定,光与影的艺术表现力的大师是达芬奇。他首先应用光线照射物体所产生的明暗层次在油画画面中塑造出立体的视觉形象。他认为“明和暗——光和影,再加上透视缩形的表现构成绘画艺术的主要长处。试分析其著名作品《蒙娜丽莎》,画家用层层推进的罩染法把柔美的明暗层次表现出来,使传统女性特有的矜持和端庄得到真实完美的展现出来,画家的用光是讲究的,他主张理性的应用光影,柔光中的光和影反差较小,用这种光线画出的作品显得柔和,画中的人物的面孔雍容雅致。达芬奇充分利用物体的明暗关系塑造出优美的形体结构,从而再现了现实和自然地魅力。
三、17世纪“光影艺术大师”伦勃朗
“比金钱更重要的是名誉,比名誉更重要的是自由”。这句话照耀着伦勃朗的思想感情和他的理想,从他的作品中可以听到金属的声音,能够巧妙的解决光影在他作品中的表现,明暗对比在伦勃朗的绘画中获得了新的艺术语言,在他的画面上,光源只集中地照耀在最重要的主题上,次要的东西往往在阴影中显露出一些微弱的亮光,而其他一切形象和色彩都消失在黑暗中。在他的艺术语言中,色彩是随着光的变化明暗色块的连续运动,由于光和色彩的互相渗透的作用,在暗部用透明或半透明的画法,然后用明暗虚实关系结合色彩冷暖变化使画面的空间感,体积感,造型感得到完美的烘托,这种明亮和阴暗的紧密交替在一起,真实的表现出荷兰的光照。通过光与影技法的完美结合,拓宽了现实主义的广度和深度,成为17世纪荷兰最伟大的画家。四、19世纪引用光与影的情感大师莫奈18世纪末,印象派大师首次把光源色引入绘画,他们追求的是光和色的互相渗透的微妙关系,强调外光的真实感和画面的第一印象。印象派摒弃16世纪以来变化甚微的褐色调子,在光和色的表现上取得了突破性成就,在光、色中求形,以光和色来讴歌表现意和美,理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系,把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面,绘画随之变得清新明丽、生机盎然。哲学中,事物是不断变化发展的,人类也应随着事物发展的方向与时俱进。这一道理是这一时期起主要的决定性作用,从而促使他们走出画室,到大自然中去,他们开始认识到光影和色彩的关系,没有光就没有色彩,色彩起源于太阳光,这给绘画艺术打开了新的探索境界。印象派最典型的代表人物是莫奈,并始终坚持印象主义画风。有一天,库尔贝来看莫奈,正好浮云蔽日,莫奈有好一阵子不动笔,库尔贝就问他为何不画,他回答,我在等太阳。由此可见,莫奈对于外光是多么的重要,这对于准确表现外光,显然有助于增添画面情节的真实感,这种效果在他晚期组画《睡莲》得到完美体现。这是一个由阴影和光线组成的水上漂浮的世界,画家把睡莲作为一种元素,一种象征,一面镜子,折射出世界上其妙魅力的光和影。画中突破了形体的束缚,使画家们有了更广阔的想象空间,形成一种朦胧的效果。
从西方油画的发展来看,主观色彩独立于客观色彩成为具有审美价值的语言的过程,是油画发展的必然过程,也是艺术家在创作中开始重视并强调自我感情和内心世界的过程。通常来说,主观色彩具有主观性、表现性、象征性、装饰性等特点,并且这些特点彼此是相互联系的。首先是主观性,绘画的色彩个性是一个艺术家个性最鲜明的体现,马蒂斯写道:“我不可能奴隶式地照抄自然,我需要反映它和将它置于画的精神之下。”他以粗犷有力的笔触和纯粹鲜明的大色块组织画面,使画面充满了不可思议的律动感和爆发的野性,他的主观性在这里得到了充分的体现。色彩可以用来象征抽象的概念,比如红色可以象征喜庆,绿色象征朝气。近现代许多画家借用色彩的象征性来强化油画主题。毕加索一生都在为维护世界和平而努力,《格尔尼卡》使用大量的黑白灰色,表现战争中的痛苦、混乱和兽性,造成凝重、令人窒息、绝望的艺术氛围,给人以深沉的艺术震撼力。主观色彩还具有装饰性的特点,有些艺术家尝试采用平面化的手法,利用点﹑线﹑面结合创造出美妙的节奏。纳比派画家用“来自完全审美的和装饰的观念”来调整画面,吸取了印象派的精华,又深化了印象派的探索,可以说他们的艺术源于自然又高于自然。
二、主观色彩在当代中国油画中的体现
二、近当代油画作品在服饰艺术的应用
在当代随着机器生产越来越普及,很多手工达不到的技术被成功的发明与创造,且服饰作为当代文化的标志之一同样也享受到这种成果。在服饰面料方面,化纤材料的成功被创造与一些耗时耗力的手工艺成功被替代以及机器印刷图案的产生等等,这些改变无论是物质还是精神方面无时无刻不在影响着我们的生活且发挥着重要的作用。由此看来绘画作品的被应用在现在看来也是势在必得的,故研究这部分内容也是非常有必要的。比如,大师蒙德里安的格子系列在服饰局部造型上的应用就是二者紧密结合的例证,大面积色块的应用不仅给服饰添加了动感的韵律,而且衬托出了服装个性奔放的性格特征,并且在服装史上占据着举足轻重的重要作用。再者,在ALLUERNOIR2008春夏高级女装秀场上将服饰与绘画艺术紧密结合,在宽松的裙摆处将绘画应用其中,利用图案具象的表现手法,图案色彩与服装的整体风格相协调,衬托出服装优雅精致且富有特色的文化韵味。
“中国式”油画艺术的发展正处在变革时期,受着东西和新旧文化观念、思维方式及价值观的激烈碰撞。当代“中国式”油画艺术的发展应该寻找属于自己的方向。在发展过程中,“中国式”油画既要融入民族传统文化,又必须保持油画的当代性。
一、“中国式”油画艺术的审美价值具有当代性
“中国式”油画艺术的审美价值应该体现现代的生活美学观念,“中国式”油画的发展不仅要吸纳西方现代文化,更重要的是要寻找属于自己的艺术语言,并积极探索体现中国特色的艺术形式。
中国油画的审美应需要从创作思维上融入当今文化潮流,使中国的油画更具有中国当代文化特征,展现出中国文化的精神价值。只有将富有个性的现代审美取向和当代的时代文化背景相互交融,才能体现出中国油画的创造力。
在西方艺术中,油画是其独特的艺术语言,主要注重的是外美及写实,在艺术创作中,采取直接以描绘大自然和现实生活,以此来体现西方油画艺术的美。而我们中国的传统艺术注重的是“内在美”。通过黑白的笔墨线条的表现方式来表现国画艺术的意境,用很自然的方式流露出我国民族艺术的气质。
要使“中国式”油画发展能够符合我们大众的审美要求,就必须在油画的创作中既要延续西方的艺术精华的同时,对与我们中国的传统文化的传承也是很重要的。“中国式”油画已经穿越歧路彷徨、剧烈冲突和激烈论辩的历史过程,开始在新的起点上构建中国油画的审美价值,续写世界油画史的中国篇章。
二、“中国式”油画艺术创作注重当代性
随着时代的不断进步,势必会给艺术形态与艺术观念带来发展与变化。自油画从西方传到中国以后,中国油画的创作在西方文化的基础上渗透着中国元素的构思和创意,蕴含着中华民族的传统文化,以此不断充实着中国油画创作新元素。
在中国油画的创作中,艺术家紧紧把握住我们民族的文化基点,遵循和彰显中国的文化脉络以及主题精神,并融入时代的观念和情结,形成了我们中国油画艺术领域的多元化和多样性的局面,使我们中国油画艺术不论是艺术观念、艺术面貌或者是艺术的方法上面,都能有极大的提升和拓展。这样的油画艺术才能贴近大众生活,才能得到人民的普遍认同,只有这样,才能使“中国式”油画的创作路子越走越宽。
“中国式”油画艺术的创新重在融合时代的艺术气息。当中国第一代油画大师在国外学习了西方油画的油画艺术的同时,也潜移默化的接受了西方在油画创作中的的艺术理念和气质。在他们以后的油画创作中,便开始了在油画里融入中国的时代气息,同时也开始关注当代人的文化精神状态。中国的油画艺术的发展不仅具备自身的艺术魅力,更是要紧跟时代步伐,承载更为深刻的历史文化价值,以体现当代中国油画的强大生命力。
三、“中国式”油画艺术的东方韵味
我们中华民族是一个拥有着深厚文化底蕴的东方民族,在几千年的发展历程中,创造出无数的璀璨的艺术形态。作为“中国式”油画的艺术家,是绝对不可能忽略或者是背离中华民族的精神气质,如果脱离了民族的精神气质,与西方的艺术观念亦步亦趋,其作品含义背弃了我们中国的当代生活和民族的精神气质,就会使其作品缺乏精神内涵,这样的油画作品是经受不起时代的考验的。
“中国式“油画的发展必须以民族特色为亮点。西方的绘画要素基本包含色彩、光、面、体等,而我们的国画是以黑、白、线条为主要的表现手法。虽然它们在绘画的表现技法上有很大的区别,但是它们在油画的共性上还是表现出了一致性,或者说它们只是在表现形式上有所不同。要让油画在中国与国画并存,仅仅去借鉴西方的绘画技法是不够的。中国油画必须从有着深厚底蕴的民族文化中去寻找创作源泉,使其体现出民族性,才能创作出具有时代精神和民族文化价值的“中国式”的油画艺术作品。只有这样,才能使“中国式”油画在具有西方绘画技法的基础上,保持有独特的民族主体性。
现代的油画已经在世界每个角落落地,这更是体现油画的世界性。我们“中国式”油画在融入我们中国传统的美学元素的同时,再融合西方油画绘画艺术之精华来丰富“中国式”油画的艺术,这样创作出来的中国油画即具有西方油画的特点,又富有民族文化特征。
四、当代“中国式”油画艺术的中西融合
(一)西方绘画语言丰富中国油画内涵
俗话说“艺术无国界,民主和科学东西之分”。正是有了历史上的碰撞,才让我们中国的艺术家有机会了解西方的艺术文化。经过了一百多年的漫长探索历程,如今正面临着如何将西方的油画艺术语言融合中国油画艺术里面的问题。在现代中国油画圈中已经有不少艺术家立志于从这两个方向上解决这些难题:
1、在充分研究、理解西方的油画艺术语言的基础上,运用地道的西画方式去进行创作和表现。新生代的中国油画艺术家如李铁夫等在学习了西方油画的绘画语言的同时,也潜移默化接受了西方油画中的艺术理念和气质,然后把西方的绘画艺术语言融入到中国当代油画艺术创作中。
2、通过引入西方绘画艺术,再将东方绘画的审美习俗和笔墨韵味表现于其中,把中国油画语言转译成一种新的表现媒体。我国著名的艺术大师吴冠中先生的油画作品,就是典型具有在西方的绘画形式中融入中国文化意象性。他的油画作品从容的走在中西方绘画艺术之间,用西方现代的艺术语言展现中国文化。
(二)运用西方油画的形式和内涵,弘扬“中国式”油画艺术的独创性
这一时期的油画色彩突破了以往绘画形式的色彩语言,进行了大胆探索,画家们喜欢表现大自然的壮美辽阔、天光一色的景象,画面光线耀眼,奔放挥洒,带有强烈的戏剧性和主观性色彩。比如,康斯特布尔将自身对于田园风光的主观亲切感融入到用色中,在其代表作《山谷农田》的烂漫影色中可以清晰感受到画家对自然的主观感受。由于油画的调色媒介是亚麻子油,干得较慢,这一时期的画家可以在颜料未干时对画面色调加以修改和调整,或采用古典多层染法,营造色彩的层次感。16世纪的名作《蒙娜丽莎》中,达芬奇通过对远景施用蓝绿色调来陪衬蒙娜丽莎美丽的肤色,并运用渐隐法使色彩近暖远冷、远虚近实增加了画面空间感。这一时期的画作以利用光和影描绘人物为主要表现手法,使得画面形象的立体感大大增加,实现了“强烈光照下真正的色”。16世纪的画家们信奉受光的色彩,投影和暗部的色彩只是作为辅助色或偶然色出现,用色的总体原则是通过色彩表现主体的受光部,暗部则少用色彩。很多画家在表现山、树等远景的油画中采用“色彩透视法”,即用浅蓝、紫蓝、蓝绿画远景,越远越淡。除此之外,画家们还用黄、金黄、土黄等黄色系营造受光部的聚光效果,力求展现光照下“真正的色”。这种程式化的“空间层次”色彩表现技法一直沿用到17世纪。
(二)19世纪——印象主义时期色彩的瞬间闪烁
19世纪德国自然科学家、诗人歌德发表了著作《色彩论》,创造性地将色彩划分为冷暖色系,并赋予其正负的抽象表情。正色即暖色,红、黄、绿代表喜悦和明朗,负色即冷色,蓝、紫等代表胆怯、忧郁,这种理念成为了19世纪油画色彩的先驱。这一时期油画色彩运用的杰出代表是印象派。印象派画家通过细心捕捉大自然色彩的瞬间变化,使色彩从16世纪的光影和明暗中解放出来。这一时期的点彩油画暗部色彩处理极为透明,用笔也更加随意,通过对或冷或暖的中间色的运用,使得画面呈现出闪烁的感觉,这一技法突破了古典画法明暗色阶对色彩的捆绑,展现出色彩律动的光感,画面更为活跃、即兴。印象主义时期,油画色彩的生命感被画家们用来表现象征意义,高更就是19世纪善用色彩象征性的代表,其画作《亡者的灵魂注视着》中,暗紫色背景、墨蓝色围裙等象征死亡的暗色调与黄色床单形成鲜明对比,这种色彩的象征性使得画面充满神秘阴郁的死亡感。到了19世纪后期,以梵高为代表的后印象主义画家更加追求色彩的象征性和主观性。他的《向日葵》中,柠檬黄、铬黄、橙黄等纯黄色系的应用与蓝色背景形成鲜明对比,流动、激情的笔触和用色形成了结实、奔放的油画风格。另一位代表画家塞尚的油画色彩风格更为理性,他不仅利用色彩的明暗展现体积感,还通过冷暖色彩加强事物的表现效果,这种尝试引发了立体主义的兴起,对后世产生了深远的意义。
(三)20世纪——野兽派时期色彩的自发、本能和情感
20世纪,色彩的力量在野兽派的画作中找到了最直接、最强烈的表现形式。以马蒂斯为代表的野兽派画家们本能地、自发地宣泄着色彩表现力,他们热衷于运用鲜艳、浓烈的色彩展现画面的装饰性。注重色彩引起的人们的生理、心理反应是这一时期色彩表现革命的突破性观点。马蒂斯认为,色彩可以独立于油画的客体之外,呈现出影响欣赏者的情感力量,画家们认为单纯色彩的运用影响力更为强烈——蓝色摄人灵魂、红色影响血压,甚至有的色彩拼接会惹人愤怒。通过对画面主体色彩的归纳、取舍以及各种纯粹的红与绿,蓝与橙,紫与黄的对比、分割、穿插、渗透,使画面更为均衡,空间更为自由。以表现性著称的野兽派更加注重色彩的装饰性,画家们致力于通过色彩的搭配和并置,展现色彩的节奏与韵律,创设画面的装饰感,还借鉴装饰画和壁画的用色方法,依靠色彩对比形成画面视觉冲击力。如德兰的油画《伦敦桥》通过大块不同色调的强烈对比展现了画面强烈的视觉冲击力和装饰性,加强了作品的艺术感染力。
二、西方油画艺术中色彩的艺术特征
西方油画色彩经历了以上三个重要的历史时期后,确立了独特的艺术特征,下面笔者就将详细阐述西方油画色彩主观性、象征性和装饰性三个艺术特征。
(一)西方油画中色彩的主观性
西方油画色彩的主观性是指区别于客观事物本身的色彩,是画家根据画面美学需要和绘画主题对色彩进行的二次创造,这时的色彩已不再是自然物象色彩的客观反映,而成为一种表达特定精神内涵以及主体思想情感的个性艺术语言。例如,塞尚的油画通过色彩结构的重组以及块面、色域的冷暖渐变,使作品和现实拉开了距离,流露出了画家的情感体验,从而使色彩焕发了精神。又如,后印象派代表画家梵高更加重视色彩的表现力与象征性,通过主观性色彩的巧妙运用,将内心热烈而又质朴的情感表达了出来。到了以表现性绘画为特色的野兽派,油画色彩成为完全主观的表现手段,成为构建画面空间感和情感氛围的主体。用色彩表现精神是近现代西方油画的主要特征之一。色彩主观性特点在油画各个流派中都有运用,除了在后印象主义、抽象主义及主观主义等流派中可以寻到其足迹外,还能在许多具象油画作品中看到其表现。例如,现代派最具影响力的画家毕加索就很好地表现和运用了色彩的主观性这一特点,在他的作品中蓝灰色调通常用来宣泄颓废、苦闷的情绪,再搭配线条和色块组成的韵律,流露出忧郁、伤感的情绪。
(二)西方油画色彩的象征性
早在原始社会人们就有了对色彩的认知,之后西方宗教绘画中的色彩又被赋予象征性,而且色彩象征性已不单单指象征事物,还指色彩象征抽象的意念。在近现代油画作品中,色彩象征性还常被用来表达特定的意图,或是明确画面的色调关系,深化整幅作品的主题,因而成为画家们表达色彩语言的主要途径之一。例如,被誉为印象派三杰之一的高更就擅长运用象征性色彩,在其代表作《雅格与天使搏斗》这幅作品中,高更将对比用色发挥得淋漓尽致,表达出他丰富的想象力和敏锐的洞察力。作品中用强烈的橙红、亮红色调描绘远方天国环绕的幻影,用躁动火热的色彩象征雅格与天使格斗时紧张激烈的气氛,突出了拂晓时分雅格于天国四处捕杀天使的紧迫性和真实性,这种象征意义的选取,凸显了绘画的效果。而在《美丽的恩其拉》中,高更又展示了另外一种情调,他将完全按照色彩结构要求修饰着形的肖像创意性地安置在虚幻的圆圈里,赋予人物一种超自然的色彩,然后在左侧描绘出一尊模糊的佛像,橘红带绿的颜色象征了东方神秘主义,整幅作品通过色彩的象征性表达了奥妙无穷的神秘之感。
二、三维转换视角下的河北省旅游文化翻译
(一)语言维的视角审视
在旅游翻译中,译者应该特别注意由文化背景不同而导致的语言差异。在源语文化的生态环境中,准确把握源语文本所要表达的内涵。因此,尽量选择容易理解的语言,表达源文内容,又不失源语内涵。例1下面以唐山景忠山碧霞宫的一句翻译为例。“景忠山的封顶建筑———碧霞宫,供奉道教神仙天仙圣母碧霞元君。碧霞元君是道教中的重要女神,备受民间敬仰,素有“南供妈祖,北奉碧霞”之说。”
这是一句民俗谚语,最后一句道出了景忠山碧霞宫的重要性。“南供妈祖,北奉碧霞”的翻译译文引自杨文东《迁西旅游风光》)从译文可以看出,译者把考虑到了读者的认知水平,用简单的能理解的语言对妈祖和碧霞宫做了解释,并对其重要性做了介绍,语言描述通俗易懂。例2下面以描写迁西水文特征的句子为例。“船行青峰顶,鱼戏彩云深处;风入袖底,景到波心……”译文引自杨文东《迁西旅游风光》)从译文可以看出,译者调换了源语的顺序,将动态物与静态物巧妙的结合,用通顺连贯朗朗上口的语言,恰如其分的将原文的意思表达了出来,使读者有身临其境之感。例3下面以承德避暑山庄内金山岛景点介绍的原文及其译文为例。
“(金山岛)建于康熙四十二年1703年,仿镇江金山而建的金山岛,主体建筑上帝阁为当年帝后祭祀真武大帝和玉皇大帝的地方。”翻译过于简单,外国游客很容易把它误以为是哪位神仙,对这些历史性的人文景观的翻译,译者应该详细解释一下,把源文意思清楚的传达给读者。如,”在道教中,真武大帝是统管北方的神,也是一位水神)。
(二)文化维的视角审视
文化维角度在翻译适应选择论中占据重要地位。译者只有熟悉源语的文化生态环境,才能把历史文物,名胜古迹等的真实文化内涵表达出来,才能清晰透彻的把源文含义转述到读者文化生态环境中,才能整合出适应度较高理解性较强的译文。然而,把握好文化维度并不容易。中西文化存在显著性差异,思维方式不同,文化背景各异,因此译者需要仔细斟酌源文内涵。在做旅游翻译时,译者应将源文内容结构加以调整,句式进行变换,这样才能使翻译出的译文符合外国游客的阅读习惯,使译文易于理解。例1下面以承德文津阁介绍为例。“文津阁建于1774年(乾隆三十九年),阁高两层(里面实为三层),上下各六间,乃仿浙江宁波的天一阁,取“天一生水,地六成之”之意而建。院内由南往北为门殿,假山,日月池,文津阁,碑亭。阁前池水清澈,池南假山怪石嶙峋,气势雄浑。最令人称奇的是工匠们在假山洞上构筑石孔漏,当光线透过石孔射到池中时,如一弯月落入水中,形成了抬头看日,低头观月的景观。清代编纂的《古今图书集成》,《四库全书》各一部珍藏于此阁。”
译文从文化角度,对年代的历史背景进行了解释,并将名词天一阁,《古今图书集成》,《四库全书》等进行了详细说明。既考虑到源语文化,又站在读者角度,将文津阁文化内涵表达了出来。例2下面以石家庄天桂山景点的宣传译文为例。“在元明时期,因其有‘一夫当关,万夫莫开’之险固,被称为‘三门寨’,在其上设立垛口,驻兵守护。”译文来自石家庄旅游景点英文翻译分析研究)此译文是按照汉语的阅读习惯进行翻译的,因此外国游客很难理解透彻。旅游翻译应该描述性的叙述事件和材料。其目的就是在考虑读者文化生态环境的基础上,满足广大读者的接受习惯和审美心理。“一夫当关,万夫莫开”这一成语翻译,应该从读者的角度去审视译文,将成语意思用通俗的语言表述,将其文化意义准确传达给读者。
由于源语文化与译语文化在性质,内容,背景上往往存在着显著性差异,为了避免单一的只从源语文化出发,或只从译语文化出发,而造成译文偏离原文含义,译者需要将语言文化考虑在内,注重源语和译语语言文化的转换,将文化内涵准确传递。
(三)交际维的视角审视
翻译的最终目的就是为了语言交际。旅游翻译的目的就是为了把祖国的自然景观,人文景观,名胜古迹对外国游客进行很好的宣传。交际维需要我们站在交际层面,将交际意图在译文中得以体现。例1下面以唐山南湖公园草坪告示牌为例“勿踏草坪”译文译文看起来很简单,但是交际意图明显表现在内。译者用委婉的语句把意思传递,使人容易接受。例2下面以赵州桥名字介绍为例。“当地老百姓都把赵州桥就做‘神桥’,传说只要一走上它,就能感觉到上天和神的灵验,一切都会吉祥如意。
“安济桥”是赵州桥的正式名字。它是北宋时哲宗皇帝北巡时,途径这里所赐的名称,所以赵州桥的正式名叫安济桥。“大石桥”是当地老百姓对赵州桥的俗称,算是它的小名吧,所以该桥所处的村落也称“大石桥村”。译文来自河北经典旅游景点英语导游词)这段译文详细清楚地将赵州桥的名字介绍给了游客,实现了信息的准确传递,将赵州桥,安济桥名字的由来写得清清楚楚,通俗易懂,体现了交际的目的。
一、中国油画市场的历史演进
中国油画市场的起步最早可追溯到20世纪80年代初期。随着中国的改革开放,国内与海外的经济文化交流日渐频繁,一些常驻中国的外交家、外企工作人员,还有部分游客开始零星地购买中国艺术家的油画作品。所以,早期的交易行为经常发生于外企、外交人员的家里或领事馆举办的聚会或小展览中。当然,也有部分作品挂在酒店中同工艺品、旅游纪念品一起销售。那时的画价非常低,除了当时市场经济并不十分发达、生活消费水平较低以外,在很多人心目中甚至是艺术家本人也从没有想过作品是可以自由买卖的。在我们的传统理念里,艺术与商业毫无瓜葛,艺术是纯粹而高尚的。油画作品开始频繁交易大约始于20世纪80年代中后期至90年代初期,其主要原因是我国港、台地区及东南亚一些国家的经济历经七八十年代的迅猛发展,积累了一定量的财富,并且,中国的艺术品价位较之上述其他地区的价位要低廉得多,品质与功力又相当不错,所以一些经纪人、画廊与藏家纷纷将目光投到中国艺术家身上。中国当代艺术品或者说中国油画艺术品正式进入海外艺术市场的标志性事件是1992年香港佳士得拍卖公司推出的中国当代艺术专场拍卖和1994年、1995年香港苏富比拍卖公司推出的中国油画拍卖。正是世界顶级拍卖行的专场拍卖为中国油画艺术品的市场发展起到了推波助澜的作用。从此开始,商业因素作为一个重要环节开始渗入中国当代艺术的发展历程,艺术与商业再也难以分离。在90年代的前半期,我国港、台地区及东南亚国家的油画艺术市场逐渐由盛转衰,来自于我国内地的油画作品也渐趋饱和,质量更是良莠不齐。正是此时,欧美市场趣味开始取代东南亚市场,前卫画风开始抢滩欧美艺术市场,艺术品价格更是迅速飙升。从此中国艺术家的身影开始闪现于欧美国际艺术舞台,引起了欧美市场的关注与反应。这一进程的背景是随着改革开放的不断深入,无论从政治上、经济上,中国都取得了巨大的进步,世界越来越关注中国,希望参与中国的发展。中国内地艺术市场的真正启动,是以1993年中国嘉德国际拍卖公司的成立为标志的。它率先推出的中国油画雕塑专场拍卖第一次全面地将油画呈现在世人面前,置身于中国艺术市场中。也正是“专拍”的不断努力,迅速地扩大了油画的知名度,促进了中国藏家与投资人对油画或当代艺术的了解,嘉德拍卖公司亦成为中国油画拍卖市场中的领头羊,成为中国油画艺术市场的重要风向标。拍卖是中国艺术市场中的一件大事,它以其集中的、大规模的、完全市场化的运作机制以及强有力的宣传,对社会产生了广泛的影响,加速度地促进了中国内地艺术市场的发展。90年代中后期,中国画廊业的兴起进一步夯实了油画艺术市场的基础,开始引导艺术市场向规范化、制度化方向迈进,并与拍卖业形成了互补的局面。画廊是整个艺术市场体系中最为重要的基石,在艺术家与收藏家、个体与社会间起着桥梁的作用。它们主要集中于北京、上海等大城市,这与经济发展速度密切相关。这些画廊都是市场初期与海外交易过程中形成的。到90年代中期,一些更具有主动性与多样性的画廊涌现出来。有相当部分的画廊是由外国人开办的,90年代后期,由于上海经济迅速发展,向国际化大都市迈进,出现了很多私人画廊,绝大多数都是中国人自己开办的。画廊从数量上超过了先行地北京。进入21世纪,一些海外画廊看好中国经济发展态势,开始纷纷涉足中国艺术品市场。①
二、中国油画市场兴起的原因
中国艺术市场在经历20世纪90年代突进式的发展,目前进入一个相对平静的整合期,一些积累的问题也就凸现出来。比如作品的真伪、价格的炒作等等,尤其集中于近现代书画名家作品上,使艺术市场的风险性增大,也使进入书画领域的收藏与投资的资金需求量越来越大。这里除了有市场初期不可避免的机制不健全、投机分子作祟、中介机构的不规范操作之外,也与一些收藏者、投资者的急功近利、盲目投资有关。正是在此背景下,油画市场开始兴起。油画作为一个新兴领域,资金的需求量与书画市场相比较少,书画市场所面临的种种问题与尴尬在油画领域内几乎还没有到来,易于进入。因此,部分资金从书画市场投向油画市场,这是油画市场兴起的主要原因。第二个重要因素是随着中国经济的不断发展,新兴的产业阶层与白领阶层日益崛起,社会审美风尚改换。由于这个阶层日益发展成为社会的中坚力量,他们无论在资金能力、文化水准、审美趣味上,都乐于接受充满新意、具有挑战性的当代艺术,他们的年龄与知识背景决定着他们与中国当代艺术的亲和力。所以体现时代气息、色彩丰富、充满节奏感的油画逐渐成为这一阶层的需求对象。由于目前视觉环境、视觉符号无论是立体的还是平面的,都在向着现代的、时尚的、国际化的方向快速发展,人们的审美口味已经发生了潜移默化的转变。这也促使中国人对油画、雕塑等原本来源于西方艺术体系的艺术品并不觉得陌生,从简单了解发展到欣赏的层面。第三个因素是中国油画艺术体系的自身发展。油画从海外传入到今天也只有短短的一百多年的历史,但却在中国生根开花,产生了像林风眠、赵无极、吴冠中等中国油画大家,尤其是改革开放以来,中国油画艺术空前发展,形成多元化的局面,经过数代人的努力,积累了丰厚的艺术资源,为我们进行收藏与投资提供了广阔的空间。第四个因素是近年来拍卖业、画廊业等中介机构逐步走向规范化,大力推陈出新,培育了新兴市场。虽然从市场份额上与传统书画市场相比还相差不少,但其发展潜力决不可小觑。
三、中国油画市场的现状分析
以嘉德的油画专场拍卖图录为例来加以简单分析,我们可以看到市场是由以下几大板块构成的:1.早期油画作品,大致占整场比例的15%;2.东方格调的华人经典画风,比例约占6%;3.写实倾向的学院派画风,包括现实主义画派比例约占40%;4.青年油画家的多元化风格,包括部分前卫艺术作品,比例约占39%。(一)早期油画作品——20世纪初期留学海外的前辈画家作品
他们是中国油画艺术的奠基者,在中国现代美术史中拥有崇高地位。其中的代表性人物有徐悲鸿、林风眠、刘海粟、潘玉良、吴作人等。徐悲鸿的作品《风尘三侠》在2001年中国香港佳士德秋季拍卖中以704.37万元港币成交;林风眠的作品《丰收图》2002年在香港佳士德秋季拍卖中以556.50万港币拍出。
(二)东方格调的华人经典画风的代表者——赵无极、群、吴冠中等
他们的作品得到海内外华人收藏家的广泛而有力的支持,是目前市场上最炙手可得的艺术家。赵无极的作品《1.4.66》2002年在香港佳士德秋季拍卖中以755.41万港币成交;吴冠中的作品《鹦鹉天堂》在2005年北京保利秋季拍卖中以3025万元成交。
(三)写实主义倾向的学院派画风——国内最早,也是最容易为市场所接受的绘画风格
其一是中国写实画派,其中的代表者有陈逸飞、陈丹青、王沂东、艾轩、杨飞云等。他们得到我国港台地区及东南亚、欧美市场的认可,作品单幅价格均已超过百万元。其中王沂东的作品《深山里的太阳》在2005年中国嘉德秋季拍卖会上,拍出了506万元的个人最高价。其二是中国现实主义画派,其成员包括孙为民、徐惟辛、忻东旺、郑艺、王宏剑、孙向阳和陈宜明七人。其中徐惟辛的作品《打工图》在2005年北京翰海秋季拍卖中,拍出308万元,创出个人最高纪录。
(四)青年油画家是目前中国艺坛最具创作活力的一群
他们成长于20世纪90年代,技术扎实,思维活跃,注重个性风格,形成多元化的创作格局。其中的代表性画家有刘晓东、张晓刚、方力钧、王广义、岳敏君、祁志龙等。刘晓东的作品《三峡新移民》在2006北京保利秋季拍卖中以2200万元成交,创下中国当代艺术拍卖世界纪录。张晓刚的作品《血缘系列:同志120号》,在2006年3月31日美国纽约苏富比拍卖行,以全场最高价97.72万美元成交。
结语
中国油画市场未来依然会呈现上升趋势。我们提取一个样本来分析:北京中诚信拍卖公司是一家专事油画拍卖的机构,迄今已成功举办了三次拍卖会。首拍油画专场是2004年底,总成交额为2167.1万元;2005年春拍总成交额为2585.1万元;2005年秋拍总成交额为3212.7万元。把北京中诚信拍卖公司的三次油画拍卖会的总成交额作一纵向比较,从中可以看出,中国油画市场的上升进度是呈台阶状的。
中国油画市场作为一个新兴的艺术市场,越来越引起世人的关注。它所蕴含的巨大的商机是显而易见的。在世界范围内,艺术品投资回报率最高的就是当代艺术品。目前中国油画艺术品市场份额在整个艺术市场中所占的比例还是非常小的,与书画、古董等传统艺术品市场相比差距还很大。设立艺术投资基金,把众多投资人的资金汇聚起来,通过专门管理人员的运作、多种艺术品类组合投资,最终实现收益的目的。这样一方面可以引导市场理性投资;另一方面可以活跃市场的交易,给更多人参与投资艺术品的机会。如何将近一百年来、数代艺术家探索与创造的油画艺术成果以及丰富宝贵的文化资产呈现在世人面前,并且跟艺术市场发生良性互动,进而有益于艺术创作,这是一个有待各主流美术团体、艺术史研究者、艺评家,美术馆、博物馆等公共艺术机构,画廊、拍卖行等商业中介机构以及传媒、政府相关部门共同深思的问题。市场的发展促使我们更加认真地总结近现代中国油画艺术的发展历程,关注当代文化艺术建设,进而能够为市场发展提供明晰的参考体系以及建立博物馆等公共收藏体制。这是油画艺术市场得以健康有序、蓬勃发展的前提。
参考文献:
[1](美)林悦熙,陈伟梅.美国艺术收藏市场管窥[J].画廊.广州:岭南美术出版社.2006-04.第2期.