时间：2023-03-17 18:13:16
序论：速发表网结合其深厚的文秘经验，特别为您筛选了11篇艺术作品分析论文范文。如果您需要更多原创资料，欢迎随时与我们的客服老师联系，希望您能从中汲取灵感和知识！
一、美术教学与图像解读存在的误区
随着多媒体时代的不断发展，在社会高速发展、科技高度发达的今天，图像艺术的划时代意义更为明显。美术鉴赏、图像解读逐渐发展成社会生活不可缺少的重要部分，如户外视频广告、电脑屏幕上的图像等，这些内容的出现都意味着对图像的解读应成为每个人必备的素质。在美术教学过程中，部分教师没有充分认识到美术鉴赏能力的重要性，教学内容、教学模式、教学方法较为单一，难以激发学生的美术学习兴趣，不利于提高学生的整体鉴赏能力。据笔者了解，对图像的研究主要包括前图像、图像志和图像学三个层次。其中，前图像阶段是从应用角度对画面进行分析，这就要求学习者既要理解作品的基础含义，又要掌握深入分析作品的能力。目前，美术教学在图形解读这一模块存在一些误区。第一，一些师生没有认识到图像具有深刻性和复杂性。在美术教学过程中，一些教师往往要求学生凭直觉描述美术作品，而学生所用词语往往为“好看”“色彩鲜艳”等，这就进入了“重欣赏、轻解读”的误区。有学者认为，我们的观看只是停留在观看阶段，被动地接受视觉图像，并没有深入分析图像背后的许多东西。与简单的“看”相反，我们需要主动地辨析图像世界，摒弃直观描述与评价的习惯。在欣赏一幅作品时，不能就画论画，而应和大师进行心灵的对话。第二，“重图式、轻内涵”。一些师生对图像的解读侧重对形式的描述，忽略了对形式的分析。仅仅从图式上欣赏作品，并不能透过作品表面分析、探究其深层含义。笔者认为，由于图像本身具有较强的多义性，“重图式、轻内涵”难以理解作品的真正含义。
二、图像解读的过程与意义
1.图像解读的过程。图像解读的过程大致包括“是什么”“为什么”“想什么”。“是什么”主要是弄清图像作品的形式语言，通过线条的节奏、面、空间、光影及色彩这五要素对图像作品进行形式分析，而艺术家也通过组合这些要素引起观者的共鸣。但是，没有什么艺术作品会具有一种确定的、不会改变的意义，所以“为什么”比“是什么”更需要我们去追问。任何一件艺术品都要向观者传达创作者的情感，而不是单纯地描摹现实。凡•高自杀前创作了《麦田上的乌鸦》这幅作品，我们仔细欣赏，会发现阴沉的天空、大片黑色的乌鸦与其之前的作品有一定差异。联想到他的自杀事件，我们就会明白艺术家的用意，他想要表达的并不是天空、乌鸦等物体的自然属性，而是将痛苦、忧伤等情感融入其中。2.图像解读的意义。图像解读对美术学习、艺术创作具有重大的意义，但在目前的美术教学过程中，部分教师和学生忽视了图像解读与艺术创作的关系。纵观古今，凡大家巨匠，大多留下了读画笔记，通过不断地读画提升自身绘画品格。笔者认为，在美术教学中注重图像解读具有如下意义。第一，激发学生的美术鉴赏兴趣。图像解读有利于更加细致地展现艺术作品，使学生更容易读懂艺术作品背后的深层含义。由于学生好奇心较强，只有激发他们的探究意识，才能使他们真正融入图像解读的过程，获取更多的专业知识。第二，顺应时代的发展要求。信息时代到来，纷繁复杂的图像信息充斥于人们的生活，图像解读能力、美术鉴赏能力逐渐发展成为衡量人才的标准之一。现代美术教学已从单一向复合转变，提升学生的艺术修养、陶冶学生的情操显得尤为迫切。在美术教学中培养学生的图像解读能力，也是培养德、智、体、美全面发展的人才的重要途径之一。
三、如何在美术教学中培养学生的图像解读能力
1.选取经典的艺术作品，运用图像解读法分析作品。第一，形式主义分析法，包括形式五要素的分析：线条的节奏、面、空间等。一般来讲，分析艺术作品时，可以运用形式五要素进行对比分析，如古典主义大师和现代派艺术大师笔下的静物有何不同。此外，除五要素之外的形式要素也要需感知。如，通过罗丹的《吻》研究画面肌理，通过杜尚的《走下楼梯的裸女》分析时间和运动概念，通过拉斐尔的《西斯廷圣母》分析空间透视。值得注意的是，形式分析与形式描述不同，形式分析往往基于形式描述，先对艺术作品进行形式描述，然后对艺术作品的含义进行分析。第二，风格学。图像解读能力的培养依赖于对大量不同风格艺术作品的鉴赏。教师可选取文艺复兴和巴洛克时期的作品，对不同时期绘画的风格进行讨论、分析，选取典型的代表作进行研究。第三，图像学。图像学的重点研究对象可以是《阿尔诺芬尼夫妇像》，弄清前图像、图像志和图像学三个阶段的意义、内涵及界定，并重点分析图像学背后的深层含义和独特内涵。第四，精神分析法。运用精神分析法，可以选用米开朗琪罗的《摩西像》来解读，并通过达利的《记忆的永恒》作进一步详细阐述，包括个人梦境、幻觉与艺术之间的关系。2.丰富教学手段，激发学生兴趣。为了激发学生的美术鉴赏兴趣，教师可以改变以往单一的教学模式，充分利用多媒体教学设备，使图像展示更加直观、形象。教师可以将写实与象征紧密结合，激发学生的想象力，通过有效利用多媒体，充分展现艺术作品的自然属性和独特内涵，从而既提高学生的想象力、鉴赏能力，又提高其美术专业技能。如，在学习《建筑艺术欣赏》一课时，教师可以制作ppt课件，利用多媒体向学生展示动态化的图像，让学生感受到各地建筑不同的特色、不同的美等，进而提高学生的鉴赏能力和审美意识，真正发挥美术教学的作用。3.创新美术教学视听结合的方式。在以往的美术教学过程中，一些教师往往忽视学生的主体地位，一味地向学生灌输知识，而学生往往被动地接受，从而导致美术学习的整体过程较为枯燥，学生可能失去美术学习的兴趣。因此，要充分调动学生美术学习的积极性，教师应该创新教学方式，在教学过程中实现音乐、影像的完美结合，引发学生视觉和听觉的共鸣，不断提升学生的视觉素养和听觉素养，以取得良好的鉴赏效果。如，在讲解《伏尔加河上的纤夫》时，教师除了利用多媒体课件展示图片，还可以融入具有当地特色的民族音乐，为学生创造良好的美术鉴赏、图像解读的氛围，让他们充分感受纤夫生活的辛酸与艰苦，并分析艺术家高超的表现手法。这种视听结合的方式可以激发学生的图像解读兴趣，音乐与图像的紧密结合加上图像解读过程中想象力的充分发挥，不仅能提高学生的审美能力，也能为美术教学效果的优化提供充分保障。4.将图像解读生活化。学生图像解读能力的培养，与教师的图像解读能力密切相关，所以提高教师的图像解读能力是当务之急。教师应不断丰完善自身的知识体系，扎实掌握美术专业基本功。此外，教师要善于将图像解读生活化，减少烦琐的学习内容，使学生在实际情境中学会解读、学会鉴赏、学会分析。如，在讲解《美丽的校园》一课时，让学生抒发对校园的切实感受，再将感受与绘画技巧相联系，将其转变为简单的绘画方式，这样可以获得事半功倍的效果。
读图时代的到来对美术教学提出了更高的要求。在现阶段的美术教学过程中，教师可以将图像解读与教学情境充分融合，将图像解读、美术鉴赏生活化，激发学生的鉴赏兴趣，从而培养出一批批德、智、体、美全面发展的优秀人才。
参考文献：
[1]白锦秋.高中美术鉴赏教学中学生视觉识读能力的培养研究.广西师范大学硕士学位论文，2016.
[2]张婷.小学美术教学中图像感受能力培养的实践探索.山东师范大学硕士学位论文，2013.
一、教材与教育资源的选用
当前，国内主流的《艺术概论》教材有十几个版本，分别为各个不同高校的艺术专业作为教材使用，但随着时代的变迁、社会的发展、艺术界日新月异的变化，艺术活动不断出现新的内容，因此艺术概论的教学内容也处于不断更新与修订的动态环境之中。而一般教材中的内容和最新的发展之间往往存在一定的滞后甚至是矛盾的地方，因此，在教学中，笔者更注重按照学习的时代特点，引入大量现实案例来说明相关的艺术理论。以艺术活动、艺术作品、艺术现象为导向，以艺术理论、人类文化、社会演变为拓展，这样可以缩小教学与实际脱节的距离。作为本科教材，不能局限于讲明白“是什么”，还要让学生知道“为什么”。同时，在运用教材时要注重分层次进行，根据学生的不同专业、不同基础、不同学习能力规划实施教材内容的主次和重点的划分。
在艺术概论课程中应用现代教育技术，已成为教育现代化的一个重要主题，这种新型教学方法以学生的自主性、探索性学习为基础，培养其主动探究和创新实践的精神，提高了学生的学习能力。“90后”大学生在新的生活环境中成长、生活，身边充满了动漫、微博、网络游戏、流行音乐、3D视频影像等新型元素，这种成长环境影响着他们学习艺术的方法和内容。在教学过程中，笔者利用某网络平台建立了自己的教学博客，学生通过博客向教师提问，提高了学生学习的灵活性，也让他们有了自主学习的空间和时间。而教师的回复也可及时为学生扫清学习的障碍。教师将这个网络上的课堂作为传统课堂教学的延伸，以布置思考题的方式，引导学生利用网络教育资源，欣赏名画、名曲、视频影像，关注名人访谈、人物传记、艺术市场变化等，扩展了学生的学习视野。
二、启发式教学
教师在教学过程中要创造性地运用艺术媒介，通过激发学生的学习兴趣和积极思维来促使学生主动获得知识。比如，讲解艺术作品的文化意义专题时，就应该启发学生，让他们认识和理解优秀艺术作品所包含的人类文化的普遍性和思想性。这种启发学生主动参与的学习过程会令学生印象深刻。我们在解读哈利·波特这个让无数读者为之倾倒的艺术形象的时候，可以通过分析哈利·波特之所以能成为继米老鼠、史努比、加菲猫等卡通形象之后的又一个成功的儿童偶像的原因，说明了艺术作品是艺术家创造的，反映了艺术家对其所处时代生活的认识体验和思考。继而指出，优秀的作品是时代精神、民族精神的体现，而且会在历史、现实和未来的时空里无限地开放。
在课堂教学中，笔者让学生介绍和评价家乡具有地方特色的艺术形式和艺术活动。这些艺术形式和艺术活动拥有各自的地域文化特征，可以成为今后学生艺术创作的独特性来源。笔者与学生一起探讨模仿秀比赛、艺术评奖活动（如奥斯卡奖）等的评价标准，感受艺术接受和传播方式的历史性变迁，通过多媒体视觉作品展示，让学生关注艺术作品在现代艺术媒介中传播的多元化，启发学生思考艺术概论课程中涉及的艺术趣味、文化观念和意识形态等相关问题。在这个教学环节中，教师要以艺术活动、艺术现象为例证，要生动、鲜活地阐述艺术的发生、发展和社会功用，用艺术理论评析艺术作品、艺术家、艺术创作、艺术欣赏等诸元素，给予学生比较完整系统的理论体系。教师在讲解中通过生动、贴切又言简意赅的艺术语言，使学生在快乐的学习氛围中茅塞顿开，进而达到理想的教学效果。
三、案例式教学
案例式教学作为一种动态的开放教学方法，提倡师生在课堂上的互动，使学生在学习中主动学习、善于探索和敢于思考。在艺术概论课程教学中让案例教学贯穿于课程的每个专题之中，并且得到全方位的运用。案例式教学包括开篇案例和总结案例，开篇案例是将人类艺术活动的实际案例导入每章研究的专题，激发学生兴趣和探索的愿望，这样可以最大限度地避免学生在没有任何感性认知的基础上，直接接触高深理论而产生厌烦和抵触的情绪。由教师将开篇案例作为主导，结合理论，讲授相关教学内容。总结案例则是在该专题讲解完成时，由学生运用所学的理论分析艺术现象和涉及的艺术问题等。此时学生作为教与学的主体，自由分组讨论和总结发言，教师发挥引导和点评的作用。
例如，在讲艺术家与艺术作品的关系专题时，笔者引入国际艺术品拍卖会上作品《呐喊》的拍卖案例，通过播放精心剪裁的视频资料，有意识地展现当时拍卖现场竞价的激烈，以及最后赢家支付1.199亿美元等相关资料，加深学生认识爱德华·蒙克的版画创作生涯和特殊的人生经历，以及其艺术风格形成的原因和背景，并通过插入艺术品鉴赏、艺术品分类、艺术市场等相关知识的解读，引出艺术作品是艺术家在艺术上被客观化、社会化的自我，也是艺术家创作能力和自身成就体现的教学内容，可让学生产生强烈的共鸣。而该专题结束时，教师布置了2011—2012年全球艺术品拍卖排行榜作为案例，并围绕下列问题让学生展开讨论：1.艺术作品与艺术家是何种关系？2.艺术家如何通过艺术作品显示出自己的艺术风格和艺术追求？3.如何理解艺术家、艺术作品、艺术市场的关系？以具体艺术对象为代表，分析这些关系对艺术投资的影响。这样，学生不仅可以领会课堂所学的理论知识，还可以锻炼检索文献和资料的科研能力，尤其对于第3个问题，由于没有现成的答案可以借鉴，还可以锻炼学生分析新鲜事物的能力，这样就让课堂教学延伸到了课外，使理论联系了实际，从而达到一举多得的教学目的。
四、实践式教学
就现在的艺术概论课堂教学而言，教学内容往往与学生实际接受水平有着一定的差距，如果枯燥地照本宣科，只会使听课的学生感到厌倦和无趣，也让他们对以前从未接触过的艺术理论如在云里雾里，不知所云。笔者认为，教学中要在充分考虑学生主观条件的前提之下，注重学生接受过程的各个阶段。如在艺术传播与接受专题的教学中，应该让不同专业的学生通过社会调查和亲身体验，加深对课程内容的理解和掌握。笔者带学生参观青岛博物馆、美术馆和展会时，现场讲解艺术品展示的选择标准、排列方式和类型划分，让绘画专业的学生对青岛的画廊、文化市场进行调查走访，使学生懂得了艺术生产、艺术消费之间的密切联系和矛盾对立。对于环境艺术设计专业的学生，我们联系相关设计公司，让学生进行城市家居装修设计的现场观摩，通过学生与设计人员和客户的交流，了解了当代艺术设计的现状与需求。在活动中，学生获取了数据，加深了体会，最后让学生结合自己的艺术实践，选择具有代表性的艺术问题，运用所学理论进行书面归纳和图表分析。事实证明，这种教学方法能有效提高学生对艺术概论课程的学习热情，增强他们对艺术理论与艺术实践相结合的认知，而且对他们的毕业论文写作和毕业设计的构思等都具有实用性。在实践教学设置、进行和总结时，教师应提醒学生现在进行的是课程中的哪个专题、哪个环节，要讲思路，讲重点和难点。
五、考核评价的创新
艺术概论课程考核的目标是为了帮助学生更深刻地理解课本知识，培养学生的实践能力和创新精神。考核手段的设置应改变传统考试的思路，在考核评价体系中将课程内容分解成若干个专题，让学生有选择性地对自己感兴趣的内容进行主动探究，这样容易取得较好效果。鼓励和引导学生通过查找文献资料、利用网络资源等方式对相关艺术家、艺术作品或艺术流派等进行专题探索。要求他们在规定时间内以小论文、小视频、小动漫、小课件等多样化的形式将涉及的艺术理论阐释清楚，这样就可以让学生通过“学”而“知”，通过“做”而“懂”，改变学生过去考前突击背书，以期末成绩作为唯一的评价指标，同时也避免了学生所学的知识考完试就忘掉的情况。
结语
高校是我国培养高层次专门人才的主要阵地，教学方法的改革对培养创新人才具有至关重要的作用。艺术概论的任课教师首先必须及时更新授课内容，将学科最新成果引入教学。其次，教学中运用多种教学手段，如在案例式教学中，要努力做到案例的经典性与时效性相结合；多引用在学生身边真实发生的、真实存在的、当代的艺术现象，这样会更具有针对性，更容易让学生理解，更容易让学生产生共鸣。最后，教师在重视教学的同时，要以教学启发、推进科研，以科研反哺教学，促进教学和科研的互相发展渗透，形成一个互动的统一过程，以真正有效地为社会培养出高水平的艺术人才。
（注：本文为青岛大学2011年教学研究项目课题“《艺术概论》课程课堂教学模式创新研究”（序号JY1171）结项论文）
参考文献：
[1]邹跃进.艺术导论[M].北京：高等教育出版社，2008.
[2]孙津.美术批评学[M].哈尔滨：黑龙江美术出版社，1994.
[3]杜卫.美育论[M].北京：教育科学出版社，2000.
一、乌苏里船歌案案情简介
1999年，歌唱家郭颂在中央电视台举办的晚会上演唱了《乌苏里船歌》，央视主持人在该晚会上强调该歌曲由郭颂原创而非赫哲族民歌。之后，北京北辰购物中心发售了标明郭颂为该歌曲原创作者的出版物。黑龙江省饶河县四排赫哲族乡人民政府由此以郭颂、中央电视台及北京北辰购物中心为被告提起诉讼，称《乌苏里船歌》侵犯了赫哲族民歌的著作权，对三被告提出相应的诉讼请求。法院一审判决《乌苏里船歌》系根据赫哲族民歌而来的改编作品，要求三被告承担相应责任；三被告不服，提出上诉，并指出乡政府的原告资格存在争议。二审法院肯定了乡政府的原告资格，维持一审判决。至此，乡政府在本案中胜诉。
二、乌苏里船歌案引发的法律问题
（一）以乡政府作为原告所存在的争议
本案中，乡政府是否拥有原告资格十分值得探讨。一审法院将乡政府视为有资格的原告。二审法院则就被告的上诉理由具体阐述，认为依据我国宪法和法律的规定，乡政府可以作为赫哲族群体公共利益的代表，而民歌作为一种精神文化财富属于赫哲族群体利益的一部分。故乡政府拥有原告资格可以就侵权行为提起诉讼。
本案中，乡政府确实是为了赫哲族整个民族的利益而提起了诉讼。但乡政府在法律上是否能作为原告，法院没有提供具体的条文依据。根据案件当时的情况，相关法律大致如下，但在适用上大多都存在不妥之处：
1.《民事诉讼法》规定的代表人诉讼制度
《民事诉讼法》对代表人诉讼规定了两种形式，区分依据是诉讼当事人的人数是否确定。无论是哪一种集体诉讼，都以推选代表人作为诉讼进行的基础。根据1992年的司法解释，对代表人的人数进行了规定，因此推断此处的代表人一般认为是自然人，而非法人或其他组织。由此，《民事诉讼法》的代表人诉讼制度无法作为乡政府原告资格的依据。
2.《民法通则》就侵害知识产权的民事责任作出的相关规定
暂且不论赫哲族民歌是否属于著作权法上的作品，即使该“作品”可以得到《著作权法》的保护，由于当时《侵权责任法》尚未出台，对于知识产权的侵害只能适用《民法通则》中关于侵权责任的相关规定。法院仅以乡政府代表了赫哲族的利益而疏于对乡政府原告资格的确认，从法律程序上而言不够谨慎。只有当法律有明文规定时，乡政府才可以成为该案的诉讼主体。
（二）以著作权作为保护手段所存在的困境
一审法院认为，赫哲族民歌应作为民间文学艺术作品受法律保护。二审法院在这一点上与一审法院一致。但是，两个法院都没有就这个问题提到其受哪个或哪些法律保护。从判决书最后所列的适用法律来看，引用的依据应该是《著作权法》第六条，即“另行规定”。我国法律没有对民间文学艺术作品作出明确定义，仅在白秀娥诉国家邮政局等侵犯著作权纠纷案中，北京市第一中级人民法院在判决中指出：民间文学艺术作品，应为民间世代相传的、长期演变、没有特定作者，通过民间流传而逐渐形成的带有鲜明地域色彩、反映某一社会群体文学艺术特性的作品，如民歌、民谣、蜡染等。本案中法院明显是引用了《著作权法》中关于作品及改编权的规定而判断被告侵权。在民间文学艺术作品保护办法迟迟未出台的状态下，其是否受《著作权法》的保护，是法院一直回避的一个问题。对于当事人以此为理由所作出的陈述，法院通常不会正面评判，而是改为判断争议内容是否属于《著作权法》所保护的作品。仅在张正等与马卉欣著作权侵权纠纷案中，河南省南阳市中级人民法院曾指出，“虽然著作权法规定：对民间文学艺术作品的保护由国务院另行制定保护办法，国务院对此尚未明确规定，但民间文学艺术作品仍属著作权法保护的范围。”但之后二审法院没有就这个问题进行任何的解释，也没有再提及第六条，而认为所涉“作品”属于《著作权法》所保护的作品 。至此，可以认为司法实践中对这个问题始终存有保留态度。
此外，民间文学艺术作品与《著作权法》所称的作品仍存在一定的差异。首先，就本案而言，著作权保护的只能是那些具有确定创作主体和特定表达形式的民歌作品。《著作权法》所称的作品，其权利人为作者或其他依照本法享有著作权的公民、法人或者其他组织。本案中权利人是赫哲族整个民族，无法将其归属于任何一类权利人之中。即使允许乡政府作为整个民族的代表，在民族分布不那么集中的情况下，确定代表也会变得尤为复杂。而且，对于既得利益的分享，也难以形成公正有效的制度。其次，在保护期限的问题上也存在冲突。无论是著作权、商标还是专利，都规定了固定的保护期限，这也是知识产权保护的一大特点。但民间文学艺术的延续性使得其无法适应知识产权保护的时间性要求。此外，著作权法也不能体现民间文学艺术所体现出的公共利益。基于以上原因，也不难理解为何民间文学艺术作品的著作权保护办法需要另行规定。
三、关于民间文学艺术作品保护的法律思考
（一）加快《民间文学艺术作品著作权保护条例》的出台
正如之前所述，随着越来越多的民间文学艺术作品纠纷，如果相应办法没有出台，将使得类似作品的权利处于不稳定的保护状态。民间文学艺术作品保护办法得不到落实，法院就无法在判决中直视当事人以此提出的抗辩。2014年9月2日，国家版权局就《民间文学艺术作品著作权保护条例（征求意见稿）》向公众公开征集意见，目前意见征集已经结束，正等待有关方面进行最后的修改及审议。此次的征求意见稿中不乏许多亮点，例如对民间文学艺术作品进行了开放式定义、允许保护外国民间文学艺术作品、确定民间文学艺术作品著作权归属于群体、明确了权利内容及保护期、使用授权机制、专门机构与著作权人对使用报酬的共同管理等制度。在意见征求阶段，许多专家学者纷纷建言献策，就权利归属应归于传承人还是群体以及使用报酬的管理提出了诸多意见。笔者认为无论采取哪种模式各有利弊，民间文学艺术作品由于其集体性、地域性、继承性等特点，其本身便存在一定的立法难度。采取何种模式并非关键，重要的是与其他法律的衔接，以及相应的配套管理措施能够保证权利的实现。希望国家版权局能在征求意见的基础上推动该条例早日得到落实，以填补法律空白，一些补充或改进可以在试行之后得到修正。
美术绘画是一种在二维的平面上以手工方式表现自然的艺术，
随着摄影技术的出现和发展，绘画开始转向表现画家主观自我的方向，绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的载体形式，绘画按材料介质的不同，以素描，色彩为主要表现形式。随着现代绘画艺术理论的完臻构建，本文针对影响美术绘画艺术创作的因素，进行了简要阐述和分析。
一、艺术构图因素
所谓构图，是指艺术家在绘画创作时根据题材和主题思想表达的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的造型艺术表现方式，它是作品中艺术形象的结构配置方法，是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
美术绘画创作中，构图是对画面内容和形式整体的安排，构图的基本原则讲究：均衡与对称，对比和视点，变化与统一。常见的构图方法包括三个要点：
1、画面主题图形的位置。
2、非主题图形的位置以及与主题图形的关系。
3、画面底形的位置以及与图形的关系。
构图是美术作品的基础表现方式，对于绘画构图需要画家去精心营造、布局构思，这是一幅绘画创作成功的基础和关键，是影响作品格调、品位的直接因素。需要画家对其作品的构思立意，要作细致的理性化设计。构图的艺术手段，包括图底关系、空间处理、画面意境的基本设计。除此之外，画家的视觉审美感觉在艺术创作过程中也是极其重要的，它为画家提供了理性表达审美品位高低的评判标准。构图的本质就是是艺术形式美，是艺术作品的第一表现要素。
二、工具材料因素
美术绘画艺术作品创作，需要一定的工具和材料作为传达介质，进行艺术形象的再现，良好的绘画工具以及绘画材料，是美术绘画艺术作品创作成功的重要因素。从一定程度上来说，美术绘画的创作需要对绘画材料的特性比较熟悉，以便更好地应用于绘画艺术创作。一般来说，绘画艺术常用的工具材料主要包括画笔、纸张板材、以及颜料等基本内容。
1、画笔：是绘画的主要工具，画笔的质量，型号，笔头的方、圆、秃、尖、软、硬等是影响画面效果的工具材料因素。
2、纸张板材：是画面的载体，画面板材的吸水性、肌理、软硬、薄厚等性能是影响画面效果的重要因素。
3、颜料：绘画颜料的质量是影响美术色彩绘画效果的主要因素，选择好的颜料是绘画成功的基础。颜料的色泽、附着力、黏稠度、含粉量、调配后的显色性等，均是衡量颜料质量的标准。作画时对颜料的应用也因人品位高低不同，变化无穷。
三、表现技巧因素
美术绘画作品的成功创作，是与艺术家自身的绘画技能密切相关的，技巧是创造成功艺术作品的方法，画家的绘画技巧本身就具备了审美的功能，并且为绘画创作提供了表现性语言，是画面中较为直观的视觉要素。技巧来自于艺术家对绘画工具材料应用的熟练程度，来自于画家对艺术审美元素理解的阐释。美术绘画创作中常用的绘画技巧很多，一般主要包括各类绘画的用笔技法，用色技法，以及相关特殊的绘画创作技法等。
1、用笔技巧：是画家绘画时的用笔技法，一般包括涂、刷、摆、点、排、堆、擦、皴等等用笔方法。在运笔方向上可顺可逆，讲究力度的控制和审美，用笔讲究笔韵有序，画笔要随心随形而用，笔形相生。
2、设色技巧：是画家对色彩颜料的应用技法，包括色彩的色相、纯度、明度等应用规律的灵活运用；颜料的干湿程度、黏稠度、薄厚度的控制和把握：画面中的素描关系、冷暖关系、色调的处理；同类色、近似色、对比色、互补色等色彩关系的综合应用等，颜料的应用应体现出力度、装饰等审美韵味。
四、形象塑造因素
造型是造型艺术最为基本的特征，它是指艺术家使用一定的物质材料和手段，在一定的空间中塑造出艺术形象。由于这种艺术形象是直接的空间存在形式，在绘画艺术创作中，艺术家用线条、色彩、色调在平面状态中创造平面或立体的二度形象。
造型艺术的物质媒介决定了绘画艺术作品静态的永久性，它总是以静示动，寓静于动，以无声示有声，在一种永久的物质形态中表达深刻的审美蕴涵。造型艺术由于塑造的是可视空间的静态形象，因此就其本质而言，艺术家通过使用一定的物质材料和手段塑造艺术形象运动过程中审美特征上的瞬间性，这种绘画造型艺术的生动性来自艺术家对生活的体验感悟、观察思考，最终归属于艺术作品的审美取向。
五、色彩搭配因素
绘画艺术创作中的色彩搭配，是艺术家在美术绘画过程中，针对描述对象的造型需要，以及画家自身对于表现物象的感悟领会与创作意愿，对色彩应用规律在美术绘画创作中的实现。具体地说就是画家绘画过程中对于颜料的调和与运用。
色彩本身绚丽多姿、变化丰富，绘画创作时灵活掌握色彩的规律是非常重要的。其规律表现在色彩的色相、明度、纯度的基本变化，色彩的心理视觉感、调合性等基本内容。当然，具体的创作包括色彩的观察表现，调和与设置。因此，美术绘画作品的设色及应用，色彩的组织搭配起关键作用，体现色彩之间的统一与和谐美感。
六、意境表现因素
美术绘画艺术作品的审美特性，相对来说，除了作品自身所具有的构图，造像，形象，色彩美感之外，同时还应该具备着艺术家在作品当中，根据自己的生活感受，针对画家本人的艺术修养和创作意愿，所渗透于绘画作品之中的审美情趣，思想感情，或创作灵感。作品往往流露出一定的内涵意蕴，这就是通常所说的绘画的意境。
意境是绘画艺术中重要的审美标准，它是一种视觉征服力强的色彩境界，涵盖了画家对艺术作品的审美观、价值观、追求和意趣。它强调画面内容的意蕴，至少认为是含蓄深邃的，是震撼观众心理与视觉共鸣的美，具有一定的吸引力、趋同力和感染力。绘画艺术中，对于不同作品达到意境高度，往往因人而异。
七、审美定位因素
绘画艺术作品所蕴含的审美观念一般包括作品内容的创作动机、审美标准、主观评价等多方面的内容和趋向。在绘画创作时作品审美观念的定位是极其重要的，它决定着绘画作品艺术精髓的再现。绘画作品创作过程中，要结合绘画艺术的色彩、造型、艺术语言等诸多因素来探究绘画艺术的表现规律，界定绘画独特的艺术价值。
绘画艺术作品审美观念的定位直接来自艺术家本人的创作意愿。一般来说，艺术家是艺术品的创造者，艺术家自身的修养学识、品位爱好、人格魅力以及审美取向，是主宰绘画艺术作品审美定位的主要因素，可以说艺术家人性化的人生观，世界观和审美观，决定了绘画艺术作品的品位及风格。
八、结束语
总之，现代艺术的多元化发展形式，为美术创作提供了无限空间。绘画艺术作为美术作品的重要承现载体，是艺术审美领域较为广泛的视觉再现性艺术，坚持科学的观点，发掘影响绘画艺术创作的审美因素，有利于现代艺术理论的建构。
[论文摘要]美术绘画艺术，作为艺术家个性情趣与感悟的表现形式，是人们通过相关绘画语言的再现，借助视觉感受进行艺术审美信息交流的载体。在美术绘画艺术创作中，影响和制约艺术表现的因素很多，运用灵活的美术创作技法，发掘美术绘画艺术的创作因素，是现代绘画艺术繁荣发展的趋向。
美术绘画是一种在二维的平面上以手工方式表现自然的艺术，
随着摄影技术的出现和发展，绘画开始转向表现画家主观自我的方向，绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的载体形式，绘画按材料介质的不同，以素描，色彩为主要表现形式。随着现代绘画艺术理论的完臻构建，本文针对影响美术绘画艺术创作的因素，进行了简要阐述和分析。
一、艺术构图因素
所谓构图，是指艺术家在绘画创作时根据题材和主题思想表达的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的造型艺术表现方式，它是作品中艺术形象的结构配置方法，是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
美术绘画创作中，构图是对画面内容和形式整体的安排，构图的基本原则讲究：均衡与对称，对比和视点，变化与统一。常见的构图方法包括三个要点：
1、画面主题图形的位置。
2、非主题图形的位置以及与主题图形的关系。
3、画面底形的位置以及与图形的关系。
构图是美术作品的基础表现方式，对于绘画构图需要画家去精心营造、布局构思，这是一幅绘画创作成功的基础和关键，是影响作品格调、品位的直接因素。需要画家对其作品的构思立意，要作细致的理性化设计。构图的艺术手段，包括图底关系、空间处理、画面意境的基本设计。除此之外，画家的视觉审美感觉在艺术创作过程中也是极其重要的，它为画家提供了理性表达审美品位高低的评判标准。构图的本质就是是艺术形式美，是艺术作品的第一表现要素。
二、工具材料因素
美术绘画艺术作品创作，需要一定的工具和材料作为传达介质，进行艺术形象的再现，良好的绘画工具以及绘画材料，是美术绘画艺术作品创作成功的重要因素。从一定程度上来说，美术绘画的创作需要对绘画材料的特性比较熟悉，以便更好地应用于绘画艺术创作。一般来说，绘画艺术常用的工具材料主要包括画笔、纸张板材、以及颜料等基本内容。
1、画笔：是绘画的主要工具，画笔的质量，型号，笔头的方、圆、秃、尖、软、硬等是影响画面效果的工具材料因素。
2、纸张板材：是画面的载体，画面板材的吸水性、肌理、软硬、薄厚等性能是影响画面效果的重要因素。
3、颜料：绘画颜料的质量是影响美术色彩绘画效果的主要因素，选择好的颜料是绘画成功的基础。颜料的色泽、附着力、黏稠度、含粉量、调配后的显色性等，均是衡量颜料质量的标准。作画时对颜料的应用也因人品位高低不同，变化无穷。
三、表现技巧因素
美术绘画作品的成功创作，是与艺术家自身的绘画技能密切相关的，技巧是创造成功艺术作品的方法，画家的绘画技巧本身就具备了审美的功能，并且为绘画创作提供了表现性语言，是画面中较为直观的视觉要素。技巧来自于艺术家对绘画工具材料应用的熟练程度，来自于画家对艺术审美元素理解的阐释。美术绘画创作中常用的绘画技巧很多，一般主要包括各类绘画的用笔技法，用色技法，以及相关特殊的绘画创作技法等。
1、用笔技巧：是画家绘画时的用笔技法，一般包括涂、刷、摆、点、排、堆、擦、皴等等用笔方法。在运笔方向上可顺可逆，讲究力度的控制和审美，用笔讲究笔韵有序，画笔要随心随形而用，笔形相生。
2、设色技巧：是画家对色彩颜料的应用技法，包括色彩的色相、纯度、明度等应用规律的灵活运用；颜料的干湿程度、黏稠度、薄厚度的控制和把握：画面中的素描关系、冷暖关系、色调的处理；同类色、近似色、对比色、互补色等色彩关系的综合应用等，颜料的应用应体现出力度、装饰等审美韵味。
四、形象塑造因素
造型是造型艺术最为基本的特征，它是指艺术家使用一定的物质材料和手段，在一定的空间中塑造出艺术形象。由于这种艺术形象是直接的空间存在形式，在绘画艺术创作中，艺术家用线条、色彩、色调在平面状态中创造平面或立体的二度形象。 转贴于
造型艺术的物质媒介决定了绘画艺术作品静态的永久性，它总是以静示动，寓静于动，以无声示有声，在一种永久的物质形态中表达深刻的审美蕴涵。造型艺术由于塑造的是可视空间的静态形象，因此就其本质而言，艺术家通过使用一定的物质材料和手段塑造艺术形象运动过程中审美特征上的瞬间性，这种绘画造型艺术的生动性来自艺术家对生活的体验感悟、观察思考，最终归属于艺术作品的审美取向。
五、色彩搭配因素
绘画艺术创作中的色彩搭配，是艺术家在美术绘画过程中，针对描述对象的造型需要，以及画家自身对于表现物象的感悟领会与创作意愿，对色彩应用规律在美术绘画创作中的实现。具体地说就是画家绘画过程中对于颜料的调和与运用。
色彩本身绚丽多姿、变化丰富，绘画创作时灵活掌握色彩的规律是非常重要的。其规律表现在色彩的色相、明度、纯度的基本变化，色彩的心理视觉感、调合性等基本内容。当然，具体的创作包括色彩的观察表现，调和与设置。因此，美术绘画作品的设色及应用，色彩的组织搭配起关键作用，体现色彩之间的统一与和谐美感。
六、意境表现因素
美术绘画艺术作品的审美特性，相对来说，除了作品自身所具有的构图，造像，形象，色彩美感之外，同时还应该具备着艺术家在作品当中，根据自己的生活感受，针对画家本人的艺术修养和创作意愿，所渗透于绘画作品之中的审美情趣，思想感情，或创作灵感。作品往往流露出一定的内涵意蕴，这就是通常所说的绘画的意境。
意境是绘画艺术中重要的审美标准，它是一种视觉征服力强的色彩境界，涵盖了画家对艺术作品的审美观、价值观、追求和意趣。它强调画面内容的意蕴，至少认为是含蓄深邃的，是震撼观众心理与视觉共鸣的美，具有一定的吸引力、趋同力和感染力。绘画艺术中，对于不同作品达到意境高度，往往因人而异。
七、审美定位因素
绘画艺术作品所蕴含的审美观念一般包括作品内容的创作动机、审美标准、主观评价等多方面的内容和趋向。在绘画创作时作品审美观念的定位是极其重要的，它决定着绘画作品艺术精髓的再现。绘画作品创作过程中，要结合绘画艺术的色彩、造型、艺术语言等诸多因素来探究绘画艺术的表现规律，界定绘画独特的艺术价值。
绘画艺术作品审美观念的定位直接来自艺术家本人的创作意愿。一般来说，艺术家是艺术品的创造者，艺术家自身的修养学识、品位爱好、人格魅力以及审美取向，是主宰绘画艺术作品审美定位的主要因素，可以说艺术家人性化的人生观，世界观和审美观，决定了绘画艺术作品的品位及风格。
八、结束语
总之，现代艺术的多元化发展形式，为美术创作提供了无限空间。绘画艺术作为美术作品的重要承现载体，是艺术审美领域较为广泛的视觉再现性艺术，坚持科学的观点，发掘影响绘画艺术创作的审美因素，有利于现代艺术理论的建构。
摘要：由计算机技术的蓬勃发展而引起的网络艺术，标志着在新的文化时代，科学与艺术的又一次完美的融合。网络艺术的发展和特点的形成与后现代主义存在着重要的关系。本文从后现代主义视角出发，分析和解读网络艺术的特点。
关键词：后现代主义 网络艺术 特点
随着社会的进步，信息技术迅猛的发展，这一发展带给人类文化的推动力量是难以估计的。当电影叩响艺术大门的时候，人们并未意识到它将成为21世纪所有人的艺术宠儿，随后广播电视艺术的蓬勃发展，使现代声、光、电技术一举步入艺苑中心，从而使历史久远的传统艺术为之失色。然而，最令人惊奇的是60年代以来迅猛发展的计算机技术和80年代以来的网络艺术，它以迅雷不及掩耳之势，挺进人类的艺术领域，使艺术世界发生翻天覆地的变化。
1 后现代主义理论的来源
1966年，美国建筑师罗伯特文图里发表《建筑的复杂性与矛盾性》一书，他肯定了现代建筑对人类居住空间的贡献，但指出国际主义风格已经走到了尽头，必须找到一种全新的、不同于现代主义的设计思想，来满足社会生活多样化的需求。[1]
20世纪70年代，英国艺术理论家查尔斯詹克斯最早在设计领域提出后现代主义的概念，出版了《后现代主义》、《后现代主义建筑语言》等著作。
美国建筑师罗伯特斯特恩在他的《现代主义运动之后》一书中提出“所谓后现代主义是现代主义的一个新的侧面，并非抛弃现代主义，建筑要重返‘正常的’途径在于探索一条比现代主义运动先驱者们所倡导的更有含蓄力的途径。”[2]
罗伯特文图里、查尔斯詹克斯和罗伯特斯特恩这三位大师的学说构成了后现代主义的理论基础。
2 后现代主义的美学特征
受哲学思潮与社会文化趋势的带动，后现代主义有着独特的美学特征。这些特征可以概括为五个方面。
一，传统构件的非传统组合。对传统的题材采用各种非传统的工具、技巧进行非传统的重新组合。二，理性与非理性的互补。三，历史主义。对传统的要素实行“戏弄之”的原则。四，俚俗化倾向。通常表达的主题往往倾向于通俗文化和市井文化。例如将七个小矮人的形象作为建筑立面的浮雕。五，接受美学的特征。艺术理论家沃尔夫冈伊瑟尔，在著作《本文的召唤结构》中提出了“召唤结构”的概念。他认为，“作品的意义不确定性和意义空白促使读者去寻找作品的意义，从而赋予他参与作品意义构成的权利”。
3 网络艺术所体现出的后现代主义特点
网络艺术由于其独特的艺术样态和传播手段，呈现出其不同于传统艺术的后现代主义特点。
3.1 无限重复创造性
网络艺术作品的题材往往都来源于传统的题材，但是以新的方式进行重新构思，通过网络传播后，具备了被无限次重复创造的可能性，体现出后现代主义的“传统构件的非传统结合”特点。在传统艺术中，艺术作品一旦被创造出来，就被永久的固定下来了。但是在网络艺术中，艺术作品被人们进行各种重新创造，得出一些异于原始作品的新作品。例如，艺术大师杜尚在蒙娜丽莎的脸画上两撇胡子，这幅新的作品被命名为《LHOOQ》。
3.2 嬉戏性
网络艺术的“嬉戏性”的特点主要体现为对被奉为经典题材的戏弄，体现出后现代主义的“历史主义”特点。在网络上，许多人在“据说已经完成”的艺术作品上，进行各种数字化操作，将作品随心所欲地涂抹和删改。例如《CEO李煜的悲惨世界》、今何在的《悟空传》，众多古代文学名著中的人物都在网络文学中被改写和戏弄。约翰杜卡斯在《艺术哲学新论》中说：“有些美的东西并非是艺术品，而有些东西是艺术品但却不美。依此看来，无论美与艺术这项活动之间的关系在现实中多么密切，二者之间并不存在任何本质的关系。”[3] 可见在网络艺术，不美的艺术品越来越多，显示出当代人的审美范围不断扩大的倾向。
3.3 大众化
在传统艺术中，精英文化处于主导地位。网络的开放性和平等性为网民提供了自由平台，网民可以相对自由地畅所欲言。网络艺术不再是艺术家的专利，一元话语霸权被解构。
网络艺术的大众化特点使公众成为艺术的主体创造者，同时体现出后现代主义的俚俗化倾向。创造者考虑到作品要面向大众，网络艺术的主题往往倾向于通俗文化。例如在第17届韩日世界杯期间，大小网站遍布足球的“酷评”。当中国队冲击16强出线未果时，网上出现戏仿任贤齐经典歌曲《心太软》的球评：“你总是腿太软，腿太软，把所有好球都射不进网，头脑总是简单，配合太难，不能出线，就别勉强。”
3.4 互动性
互联网结束了艺术审美的私密空间，却创造了交互共享的网络艺术。在作者、作品和欣赏者这个三角形中，欣赏者不再是被动的，是形成作品的又一股力量。
弗杰姆逊曾说，现代主义本质上是一种时间性的模式，而后现代主义则是一种空间性的模式，从时间向空间的转变使时间的历史感被挤压到平面中，导致历史深度感的消失。[4]这种后现代时空观的变化在网络文学中得到鲜明的印证。网络文学没有时间的概念，它将时间化为空间，用在线空间改变或延伸时间。网络文学没有终止的概念，因为作者失去了终止自己作品的权力，而是把这种权力交给了在线空间的网民。
这种互动性同时还体现出后现代主义理论中的“接受美学”特点。接受是读者的审美经验创作作品的过程，它发掘出作品中的种种意蕴。创作者通过作品与欣赏者建立起对话关系。网络艺术的互动性引起读者的接受审美，引起读者与作者之间的交流和互动。
总之，网络艺术所独特的无限重复创造性、嬉戏性、大众化和互动性，都在各个方面体现出了后现代主义的特征。可以说，在上述的这些特征中，网络艺术是后现代主义的必然延伸。从后现代主义的视角去看待网络艺术，更加有利于认识和分析网络艺术。
参考文献：
[1] (美)罗伯特文图里著；周卜颐译．《建筑的复杂性与矛盾性》．北京：中国水利水电出版社，2006
多传感器融合技术可类比于人类逻辑系统中自然实现的基本功能，是用机器实现人类由感知到认知过程的模仿。在人类对客观事物的认知过程中，首先使用来自人体中的传感器（眼、耳、鼻、皮肤等）通过听、嗅、视、触、味五觉对客观事物信息（景物、声音、气味等）进行多方位、多种类的感知，从中获得大量冗余和互补的信息。然后根据人脑的先验知识去对这些信息进行相关分析与处理，进而估计、理解周围环境和正在发生的事件，获得对客观事物统一与和谐的理解与认识。这就是人的复杂的，同时也是自适应的认知过程。人类的感官由于具有各自不同的度量特征可以在不同空间范围内对各种事件进行反应。人脑把各种信息（图像、声音、气味、形貌、上下文等）转换成对事物有价值的一致性解释，需要大量不同的智能处理，以及适用于解释组合信息含义的知识库。
传感器可以类比于人的感知器官：通过不同的原理对自然界的光、热、声、磁等信号进行捕捉，由换能器将其转换成电信号，再数字化后经通讯系统传递给计算机进行处理。单传感器系统只能从单个度量维度获得片面的、局部的特征信息，信息量十分有限。同时单个传感器本身的累计误差对系统造成的影响也无法消除。[2]因此，想要获得对事物的一致性准确解释，单一传感器系统力有不足。
多传感器融合技术把多个不同种类的传感器集中于同一个感知系统中，将各个传感器来的数据进行数据融合，形成对[( dylw.NEt) 专业提供专业论文写作和发表教育论文的服务,欢迎光临]被测事物更准确认识。它出现在20世纪70年代初期，最早应用于军事领域，后于20世纪80年展起来。近年来随着计算技术、遥感技术、通讯技术以及微电子制造业的迅猛发展，多传感器信息融合技术成为了一个热门的研究方向，获得了更广泛的应用。例如，在人机交互领域，要实现人机交互所追求的最终目标“自然人机交互”，对于人、环境的解读尤为重要，[3]这正是多传感器融合技术的优势所在。
2 多传感器融合系统的基本组成及技术原理
多传感器融合技术，虽然没有一个严格的定义，但可以基本概括为： （1）充分利用多传感器数据资源（来自不同时/空范围）。 （2）在一定的规则下对多传感器所得检测数据进行综合分析。 （3）获得一致性解释并根据所设算法实现相应的决策或估计，实现整个系统获得比各单传感器更加充分的信息。[4]多传感器融合系统一般由如图1所示的三个部分组成：传感器部分（包括数据获取及预处理）、数据融合部分、结果输出部分。
多传感器融合系统就像一个为了实现“对被测对象的一致性解释或描述”而有机装配而成的整体，可类比于人的身、脑综合信息处理系统。其中多传感器系统是整个系统获取数据的硬件基础和手段，所得多源信息成为数据融合的对象；融合是指对数据的协调优化和综合处理，也是联系整个系统的核心。它无法用单一的技术来解决，而是多种跨学科技术、理论的综合。
多传感器融合系统同单传感器系统相比，其系统的复杂性大大增加的同时从自然界所获得的信息量也成倍增长。多个传感器的存在从时间和空间的角度都扩展了信息获取的覆盖范围，[5]而传感器之间的协同作业则提高了信息获取的概率，对于某个传感器不能顾及的检测对象，可由其他传感器完成工作。在某个传感器出现故障、受干扰或不可用的情况下，系统仍有其他传感器可以提供信息，不易受到破坏。
各传感器在信息融合系统中所得的数据、信息具有不同的特征，可以是实时/非实时，快变/缓变，模糊/确定，相互支持/互补，相互矛盾/竞争等等。在系统中，这些复杂的数据不是孤立而是融合的，所得最终信息并不是各传感器信息的简单加和，需要根据各传感器之间的逻辑关系依据智能算法进行联合、相关、组合推导出更多的信息。利用多个传感器协同作业的多传感器融合相比由它的各个传感器分别构成单独系统再加和而成的系统集更有优势。
3 多传感器融合技术在公共艺术设计中的应用
利用多传感器融合技术进行公共艺术设计，将前沿科技与传统艺术方式集成在一起，是一种全新的尝试。从字面意思的理解来看，公共艺术分为公共和艺术两个独立的定义，可以理解为：具有“公共性”含义的艺术形式。其界定的核心原则就是“公共性”。“公共”就意味着公共艺术作品必须是能与民众产生自由交流的一种艺术形式，要以公众自主、自由参与到公共艺术中为前提，任何缺少与民众之间自由评论和互动的艺术形式都不是公共艺术。[6]因此，公共艺术不能仅仅是“艺术家创作”的艺术，而是一种“公共互动”的艺术。如何让公众自主自由参与到艺术作品中，形成真正的“公共艺术”是艺术家们亟待解决的重要问题。完整的公共艺术作品必须是“表达”与“吸收”经互动过程的完整呈现。“吸收”的是来自公众的思想，由公众的行为进行表达，通过互动产生交流。因此，艺术家们需要考虑的一个重要问题是，如何由公众的行为导向公众思想的表达，形成有效的交互。在日本艺术家草间弥生（Yayoi Kusama）创造的作品The Obliteration Room中，草间弥生构建了一个纯白色的房间，每个参观者都将被发放一张彩色波点贴纸，参观者可以根据喜好将贴纸贴在房间中的任意位置。空间中的每一个彩色波点都是参观者对此次参观经历的一种表达。[7]
从参观者的行为、思想的角度进行考虑，人类对于思想的表达具有多样性，有显 式的主动动作、行为、语言等等，也有隐式的如表情、眼动、甚至气味及生化物质（如唾液、汗液、荷尔蒙等）的分泌。传统的艺术作品（如图2例）[( dylw.NEt) 专业提供专业论文写作和发表教育论文的服务,欢迎光临]主要是从公众显式的主动作为中获得表达形成交互，所受限制较大，参与门槛较高。将多传感器融合系统应用于公共艺术，首先拓宽了公众思想的行为来源，降低了公众参与的门槛。目前，在国内外已出现了一些基于单传感器的公共艺术作品，但单传感器的单一数据来源、不可靠、易受干扰、不稳定等技术局限性使其发展受到限制。随着先进传感技术的飞跃，除了人类的主要信息来源声音、光、力等自然信号之外，甚至在人传感器力所不及的范畴如红外、紫外等非可见光区域，次/超声波区域，非挥发性痕量生化物质等，我们也能够通过先进传感技术获得所需要的信息。通过多传感器融合技术所带来的巨大优势，科技比人类更懂得人类已经不再是梦想。将多传感器融合系统应用于公共艺术，降低了公众参与公共艺术的阈值。多传感器融合系统对于公众行为的捕捉不是被动的，而是主动地感知公众的行为，将公众“拉”入参与公共艺术的行为中，为公共艺术的设计提供了一种崭新的思路。
以城市中某广场为例，在人们进入广场时，形成参观经历。假设给每个人分发一张彩色波点纸，通过张贴彩色波点纸的显示行为进行表达，即形成类似草间弥生洁净之屋的效果。在没有彩色波点纸的情况下，人们对其参观经历产生隐式的表达。例如，不同的面部表情、走路的步长、速度、方向等等。公众的这些隐式表达可以使用多传感器融合系统进行捕捉。使用彩色数字投影代替彩色波点纸，每一种颜色对应多传感器融合系统所得到的一致性结论。例如，红色对应热情、绿色对应平静、不同程度的黑色对应一些负面情绪如沮丧等，形成交互。此例的多传感器融合系统中，使用摄像装置及压力感应装置对人群进行检测，即通过摄像装置对公众面部表情进行捕捉、压力传感器对公众步态进行捕捉。二类传感器所得数据需进行时间、空间二个层面的融合。时间融合主要是将单传感器的数据进行融合，是指对不同时间点的检测数据进行融合。空间融合适用于多传感器所得信息的一次融合处理，是指对不同位置、类型传感器在同一时刻的检测数据进行融合。在融合过程中，需要结合图像识别技术、步态分析对公众的面部表情、步态行为进行特征数据提取、分析，从而得出对该参与个体的一致性结论，并根据设计需求予以分类。此处可分为热情、平静、沮丧等类别，每一个类别对应于一种颜色，由数字投影进行表达。该“波点”设计的简单模型如图3所示。
随着多传感器融合系统中传感器数量、种类的不断增加，可根据归属将公共艺术装置中使用的传感器分为两类：第一类传感器从属于装置艺术本身，由艺术家根据艺术表达的需求进行设计安装。第二类传感器从属于公众，来自公众随身携带的电子设备，艺术装置提供数据接口，从中获取数据。二类传感器协同作业，通过融合中心进行数据融合，得到全方位多角度的“立体信息”。将多传感器融合系统应用于公共艺术装置，是实现公共艺术公共性的有力保障。
从设计目的的层面考虑，根据马斯洛的理论，将人的需求由低级层次到高级层次依次分为5个层次：生理、安全、社会、尊重以及自我实现。公共艺术的实质就是满足人的真正需求，而不是公共艺术装置的物质形态本身。多传感器融合系统对所得多元数据进行多种层次上的融合，实现对人脑综合信息处理的高级模仿，深刻挖掘公众[( dylw.NEt) 专业提供专业论文写作和发表教育论文的服务,欢迎光临]表面行为背后的含义，帮助艺术家们分析、理解、满足公众的真正需求。随着分布式计算、通讯、云计算、物联网等技术与多传感器数据融合技术的共进发展，多传感器数据融合技术所能实现的功能也越来越强大。可以预见，随着数字化进程的进一步深入，多传感器融合技术与公共艺术的结合必将带给我们更多的惊喜。
参考文献：
[1] 付志勇.设计的重构——论计算机对设计的变革[J].装饰，1995（04）：46-47.
[2] 杨万海.多传感器数据融合及其应用[M].西安电子科技大学出版社，2004.
[3] 王熙元.交互设计中的信息传达研究[J].包装工程，2010，31（12）：12-14.
[4] 刘同明，夏祖勋，解洪成.数据融合技术及其应用[M].国防工业出版社，2000.
[5] 王祁，聂伟.分布式多传感器数据融合[J].传感器技术，1997，16（5）：8-10.
现今，我们正处于一个由图像构造而成的世界之中，或者说，我们的生活、与世界或他人的交流以及对于这个生命所依赖的物质世界的态度，往往是以图像为媒介或载体表现出来的。“从本质上看来，世界图像并非意指一幅关于世界的图像，而是指世界被图像化了”。当W・T・J・米歇尔提出一种“图像转向”之时，已经暗示出图像作为一种思维、精神与文化上的转变所具有的总体性特征。在这个转向之中，作为主体的人及其生活的世界都迎来了本质性与决定性的时刻。海德格尔认为，“世界被图像化”这是现代社会的根本表现。“科学”“机械技术”“艺术的美学化”“文化发展”与“弃神”共同构成了这个外在表现的形而上学基础。“图像在这里并不是指某个摹本，而是指我们在‘我们对某物了如指掌’这个习语中可以听出的东西。这个习语要说的是：事情本身就像它为我们所了解的情形那样站在我们面前。”因而，图像所涉及的便不仅仅是自身的物质属性，同时还广泛的涉及到具有主体性的人、主体对世界的认知以及作为对象或客体的世界。这个整体结构，事实上，预示着现代性的到来，这也正是当前时代我们所面临的基本社会关系。
二、视觉：图像结构的联结方式
在有关艺术的传统讨论中，作品往往就是唯一的研究对象。然而，“图像转向”则形成了对艺术作品的超越。从纯粹客观视角考察，图像将艺术领域以及一切关乎于可视画面的对象都包含在内。也就是说，图像转向所带来的是对原有艺术研究领域的拓展与延伸。图像本身始终没有能摆脱研究对象的位置，无论如何超越，图像都还是被研究的对象，但是，图像并不局限于这种位置，诚如上文所言，图像自身已经预示着一种整体性，它意味着对客观性与对象性的超越，而超越的基点就在于图像以视觉的方式或手段有机的统一起来，并由此形成了所谓的“视觉文化转向”。事实上，视觉文化就是建在这样一个以图像与人的关联性为核心的基础之上的。视觉串联着那些被当做研究对象或客观存在之物的图像，并使之与特定时代、地域以及特殊群体相互联系。
三、视觉联系与艺术作品
在以图像为客体、以观者为主体、以视觉关联性为联结方式的视觉体系中，讨论艺术问题必然与以往的研究有所区别。无论泽德尔迈尔在“严谨的艺术科学”构想中所勾画的两种艺术研究模式，还是诸如潘诺夫斯基所倡导的图像学研究方法，本质上都是以“艺术作品”为核心而得以进一步展开的。事实上，无论艺术史家还是艺术理论家，都更加强调一种对象化的研究方式，艺术作品和艺术家都可以被纳入这种研究方法之中。在导师古德斯特恩的提示下，迈耶・夏皮罗曾致信于海德格尔，告知其在《艺术作品的本源》一文中所提及的文森特・凡高的作品有误，但海德格尔的回复依旧如故。海德格尔对艺术作品的讨论依旧具有重大意义，因为，它至少在艺术史家所宣称“大写艺术就是魔鬼”这样的语境下，为艺术的本质问题开辟了道路，他认为艺术[ART]，正是一切艺术问题的本源，而艺术作品和艺术家无论如何都需要这样的本源性理解，“艺术家是作品的本源。作品是艺术家的本源。两者相辅相成，彼此不可或缺。但任何一方都不能全部包含了另一方。无论就它们本身还是就两者的关系来说，艺术家和作品都是通过一个第一位的第三者而存在的。这个第三者才使艺术家和艺术作品能获得各自的名称，那就是艺术。”海德格尔认为，将成功的解决艺术问题是具有相当难度的，因为艺术不过是个概念，至多是一个观念的集合。艺术不像作为创造性主体的艺术家，也不像具有客观物质属性的艺术作品，艺术是不能被直接触碰到的。所以，艺术作品或者艺术家都不应是讨论艺术的基本对象，也就是说，我们至少应该注意到两者是以艺术为本源的。
四、从艺术作品到意义的动态呈现
基于上文的讨论，我们可以发现作为图像、主体与社会联结方式的观看正是视觉文化所强调的以关系为基础的研究方式。当我们“欣赏”拉斯科洞穴的壁画、卡那封原始部落的岩画时会感到极为的陌生，首要原因在于这不是作品。并不是因为我们无法开展欣赏，而是欣赏作品的前提让视线无处盛放。艺术自身具有着视觉联系的特性，它保持着内在运动性和向外的关涉，所以与此相联的是“观看”。作品的前提依赖于作品的客观性与对象性存在，这是秩序与规则的呈现、世界与大地的统一。因此，艺术的本质问题不在于作品如何被理解，而是基于艺术作品、主体与世界是如何被有机串联起来的。
现实内居于艺术之中，而艺术以现实状态自拘着。这种浑然一体的艺术，绝对不可能成为欣赏的作品，眼睛不会驻足于此并用理性的眼光丈量“画面之中”的诸种价值。即便其中的形式要素能够体现出特定文化特质与精神意指，但与艺术的自拘性相比，这些价值都无法显现。当绘制出来的图像面前站立的根本不是欣赏主体之时，或者你根本不能欣赏面前的图像之时，所有这些价值体系与文化结构随之坍塌。眼睛只能做出行动，它是行动的主体，视觉用自我的运动关联图像、激活图像的整体框架，使之成为有机的体系，使自我进入建立世界和命名大地的过程中。在这种关联性中，唯一能够行使观看权利的是本雅明所说的巴黎景象的“外省人”，是在城市中游走的闲逛者，是坐在电影院的观众，也是在绘画展览中匆匆走过的人。但这并非对作品的观看，而是观看的观看，正如霍华德・艾兰德所分析的：“（闲逛者）消遣式的接受，就像电影的观众一样，并不是纯粹的视觉接受，而是触觉或者出于本能的接受；它被卷入到整个神经中枢，就像是通过记忆而产生的幻觉一样。”正是透过这种幻想的行动，我们又回到了视觉关系这个基础上。艺术当然不能显现于主体与图像的分立中，如果艺术作为真理解蔽的手段的话，只能在图像与观看之中切近艺术。
从艺术的作品观到艺术的关系本体论，本质上是一种超越自身的发展过程，这对于艺术创造与艺术研究都具有至关重要的作用。然而，视觉的串联在这一发展过程中起到了根本作用，它将原本以艺术作品为核心的传统模式转换为以观看主体与艺术作品的关系为根本的视觉模式。这构成了视觉文化以及视觉研究的基础，所以，在一个以充斥各种视觉图像的世界中，在一个被图像所包围的时代中，视觉关系对于艺术及其一切相关问题的研究都将产生重大影响。
参考文献：
[1][德]马丁・海德格尔.海德格尔选集[C].孙周兴 译.上海：上海三联书店，1996.899+237.
传统的壁挂纤维艺术作品以模仿为主，将其视为纤维手工艺品，而现代纤维艺术融入了设计师的想法，在设计过程中需要结合环境，空间，表达的情感，自我主观意识对室内空间的观察、分析、思考、合理选择利用独特的材料和精湛的手法以及创新的意识。作品本身附有设计师的主观意识和思想情感，超越了材料及编织本身的精神意义。
装饰性的纤维艺术也颇受现代设计师的喜爱，被设计师广泛的应用。装饰性的纤维编织物指的是没有实用价值或者实用价值很小的作品，这种作品主要是以装饰为主，烘托设计者的情感，寄托设计者的精神，美化室内空间的纤维编织物，以此达到人们心理需求的作用。现代纤维艺术在室内空间设计中的应用和创造是与其在空间层次的结构布局，视觉效果，审美效果相互依赖，彼此相通的关系。如果一件纤维艺术作品在室内空间设计中起到修饰作用或者提高空间层次感时，说明这件作品在室内空间设计中起到艺术性的作用。相反，如果一件纤维艺术作品在室内空间中破坏了整个空间的整体感，层次感，不但没有起到艺术性反而破坏空间环境的氛围。同时也失去了纤维艺术产品存在的必要性，那么，这件作品将是可有可无，甚至是多余的作品，破坏环境的作品。
因此，纤维艺术作品在室内空间设计中既有装饰效果表达个人情感同时也由于室内空间环境受到一定的影响和制约。进而，设计师在设计作品的时候不仅在表达自我主观意识和个人情感还依据特定的空间环境进行设计和创作。使得作品与空间环境彼此依赖，相互衬托，达到和谐，稳定的效果。所以，两者之间既相互依赖又相互制约。现代纤维艺术作为一种新型的软性装饰，在室内空间设计中被设计师广泛的运用，表达出对空间环境的独特作用。在创作材料和手法的运用上都是需要根据所依托的环境进行观察、分析、思考、选择的，目的是达到作品与空间相协调，和谐，均衡，有艺术性。所以，在不同的空间环境中创作不同风格的设计作品，同一设计作品在不同的空间环境中起到的作用和产生的影响也是不同的。
中图分类号：TU361 文献标识码：A 文章编号：1007-3973（2013）001-124-02
1研究挡土艺术墙各特征在当今我国的重大意义
工程的艺术化是我国目前炙手可热的一种现象，国家经济的迅猛发展必然伴随这一现象的产生，文化艺术墙也是在这样的大背景下应运而生的一种艺术现象。随着人民生活水平的提高和城市化建设的不断发展，许多山体和墙体被人们有规划性地改造，人们在满足挡土墙体功能安全实用性的基础之上，注重追求它的艺术性与文化性。要求挡土墙不仅从形式上满足人们对视觉的追求，而且从内容上要体现一座城市或地区特有的文化特征，成为一座城市、地区特有的文化标志。挡土艺术墙正是在这样的社会需求环境之下产生的，一方面它满足了实用功能性要求；另一方面也满足了人们对艺术审美与文化内涵的精神追求。然而，全国这样的挡土艺术墙成功案例几乎是凤毛麟角，并且关于这方面的研究性学术论文更是寥寥无几，这方面的理论专著就更是屈指可数了。因此，如何在满足挡土墙实用功能性的基础之上，创造出具有更深的精神内涵、特有的地区文化和赏心悦目的艺术视觉形式的挡土墙，是当前我国城市化发展所面临的急待解决的问题。
2我国挡土艺术墙的发展现状
我国在挡土艺术墙方面发展还不够成熟，虽然国内有许多地方建造了一些挡土艺术墙，但是其中成功的案例微乎其微。大部分的挡土艺术墙仅仅是在满足了功能实用性的基础之上稍加艺术形式处理，而并非深入考虑它应反应特有的文化性、人文性与历史性，没有从宏观角度把握艺术墙应具备的整体景观效果，而且关于挡土艺术墙研究性的学术论文与相关专著更为甚少。
造成我国这种现状的原因是多方面的，其中主要是对挡土艺术墙的整体设计意识的淡薄，并且不注重与地域特有的历史文化性相结合，其次经济也是一个重要因素，此外还有各专业学科的分离等因素。
在我国挡土墙目前通常采取以下几种形式进行艺术性美化：
（1）生态植物的做法。这种做法在我国最为普遍，在我国各个大小城市都可以看到这样的挡土墙做法。采取这种美化做法的原因也是多方面的，其中最直接的原因就是方便快捷，节省经济投入，而且生态效益好，视觉美感也好，这是这种做法的优势所在。但是这种做法也存在着一定的劣势，这种做法不具备特别高的艺术价值，而且由于这种做法的表现局限，不能很好的反应一个地区所特有历史文化和人文风俗。
（2）颜色彩绘的做法。是使用颜色在挡土墙上进行彩绘的做法。这种做法较之上一种的优势是可以具体地、形象地表现当地所特有的历史事件和人物以及本土的民俗风情；劣势是颜色在室外容易被阳光雨水风化而失去光泽。
（3）浮雕的做法。就是采用浮雕的手法。这种做法较之前两种要有其独到的优势：1）这种浮雕做法，在材质的选择上可以选用耐久性材料，如石材、铜材、不锈钢等，这样的艺术品的文物价值就可以得到保证，随着时间的推进，它不仅是一个民俗文化景点，而且还会是一个历史文物景点。2）在浮雕图案造型上可以达到第二种做法的效果，也同样可以很具体的反映历史场景和历史人物和民俗风情。3）由于在挡土墙上采用浮雕形式，再加之灯光或阳光的照射作用，阴影效果和层次效果相比前两种做法给欣赏者的视觉感要强烈得多，肌理的视觉触觉感受都是具有很强烈的艺术形式。国内此类优秀的挡土艺术墙作品就很少了，其中四川德阳的石刻艺术墙就是在挡土墙之上制作的优秀浮雕艺术墙。该案例成功的将壁画的内容、形式与特定的环境有机的结合，反应出了这个环境的独特文化与历史民俗。
国内在对挡土墙进行艺术处理时基本上是采取上面三种方法，艺术家针对不同的地理位置以及欣赏者的欣赏条件来通盘考虑具体应该采用哪种处理手法，当然还要结合资金的投入情况。
3挡土艺术墙的各特征性研究
公共艺术作品不同于纯艺术作品，它不仅要考虑作品本身的艺术语言的形式美感和表现内容的独特性，而且还要考虑作品所处的环境，周围物体的尺度关系，颜色是否和谐，主题是否吻合，欣赏人群的艺术素养。不仅上述因素很重要，而且公共艺术作品在制作放大过程中的加工工艺的合理性，是否符合大型公共艺术品加工成型技术，是否满足工程结构安全要求和实际制作的可能性，在制作过程期间遇到的实际问题在当今科学和工程技术水平下能否得到解决都是很重要的。而且公共艺术作品是要放置在室外公共空间之中的，它的欣赏者是普通的市民大众，它要和周围的景观，建筑和谐搭配形成整体效果。它在内容方面也选取带有地方特色的历史民俗文化主题，因为公共艺术作品还有一个宣传与教育的社会功能，它不同于博物馆中的纯艺术，它在视觉上具有强迫性，公众在经过这个公共空间时，不管公众愿不愿意都要看到这个公共艺术作品。它在公共场所还可以起到宣扬地域文化，教育公众市民，提高市民的艺术修养的教育作用。
因此，一件成功的公共艺术作品需要同时满足三方面的要求：艺术性、科学性和工程性下面针对挡土艺术墙的这三个特性分别讨论一下。
（1）挡土艺术墙的艺术性。一件成功的艺术墙首先要满足它的艺术视觉的审美需求，在设计上要考虑作品的视觉美感，也就是它的艺术形式语言应具有的悦目属性，使欣赏者观赏时心旷神怡，产生审美愉悦感。然后，在作品的表现内容方面多选用本地区特有的历史与文化，由于它所处的是公共位置，要实现宣传和弘扬本地区的悠久历史与灿烂文化的历史使命。作品的内容和形式的选择与设计上还要考虑它所处的具置，在设计高速公路上的艺术墙和在市区内的艺术墙是截然不同的。高速公路车速很快，艺术语言多选用简洁的形式，内容不易太复杂，使欣赏者在高速的状态下易于观赏和记忆。在市区内欣赏者就可以驻足慢慢地近距离欣赏，因此，在艺术形式和内容上可以设计得丰富和复杂一些，更耐人寻味。
（2）挡土艺术墙的科学性。优秀的设计方案要想变成大型的公共艺术作品，它要在满足当今科学水平和工程技术要求的前提下才成立，否则还是纸上谈兵。挡土艺术墙在具体的工程施工阶段会遇到许多加工成型的科学问题，譬如说挡土墙在不同的地形和地址条件及经济要求下，它的选择类型是具有科学性的，一般分为重力式挡土墙、锚定式挡土墙和薄壁式挡土墙。还要考虑挡土墙在修建过程中路基地面对挡土墙的土压力，这都需要准确的计算出来，而且需要配置什么标号的水泥和选择多粗的钢筋都要有一定的科学依据，挡土墙的强度及稳定的核算和增加其稳定性的措施也都要有据可依。还要考虑挡土墙的排水措施，为减少寒冷地区回填土的冻涨力，必须疏干墙后的土体和防止地下水下渗而使墙后积水。还有，墙体之上的艺术品的加工和安装都要通盘考虑加工成型期间的科学性要求和它和环境的结合规律。此外，还要考虑其他相关学科的研究，如光的科学研究和材料科学研究等等。
（3）挡土艺术墙的工程性。公共艺术作品区别于纯艺术作品的另一个显著特点是它的工程性，大型公共艺术作品就如同盖建筑一样，是一个浩大的工程项目，艺术家要通盘考虑整个工程的各个环节，从方案设计到加工制作，最后分块安装，都要考虑在内。经验丰富的艺术家针对如此巨大的社会工程，他会采取科学的态度和先进的管理水平，提高施工队的素质，使公共艺术作品的艺术质量能够和内在工程质量完美结合，成为一件永久的艺术作品。
4结束语
城市在发展，艺术也在繁荣，挡土艺术墙作为公共艺术作品逐渐成为一个地区和民族文明程度的标志，而且它还是一种具有介入性的“公共艺术”，它有着重要的宣传和教育作用。因此，我们要高度重视它的修建。然而许多艺术家只重视前期的设计，往往不重视后期的工程加工。我们应当对挡土艺术墙的艺术性、工程性和科学性有全面的认识。任何一件优秀的公共艺术作品，它都是集艺术性、工程性和科学性于一体的完美的结合，只有这样的作品才能经得起时间的冲刷，实现它的永恒价值。
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）15-0042-01
一、山水实景演出的现状
山水实景演出最初的目的是通过现代化的艺术表现手段，打造出一台浓缩地方民族文化特色的现代舞台艺术作品，向观众集中展示某地的文化特色，并形成一张独特的文化名片以推销一座城市的文化形象。起初《印象・刘三姐》和《印象・丽江》在公演后极大地推动了阳朔和丽江的旅游业、服务业等行业的发展，同时也收到了来自于社会各界的热捧。于是在全国范围内掀起了一股“印象”模仿热潮，这些演出大部分都进行着复制及自我复制。少了创意要素的加入，即使环境变了，音乐变了，使用的素材变了，但实际上，已经失去了最初的吸引力。这也正是当下实景山水演出存在的一个重大弊端。在当下的实景演出中，感官刺激正在逐渐的取代心灵的感动，对民族文化内涵的关注和思考也正在被制作者有意无意的放弃。每一个从业者都在用自己的作品向世人强调大场面、灯光特效、音响震撼、票房和所谓的成功，仿佛只有这些才是实景演出本身、才是艺术本身。
二、山水实景演出的艺术创作瓶颈
目前，全国许多城市开始打造白己的山水实景演出，目的是为了提升当地文化形象的级别和实力。让来到这里观看演出的人们，都能在这场融山水、情景、民族人文理念于一身的演出当中体验到文化的魅力。就现实情况来看，诸如阳朔、丽江、武夷山等地的文化形象，确实借由“印象”这张文化名片得到了推广，但是当大部分的旅游地都在打造白己的实景演出的时候，实景演出在受众心中的特殊性也就减弱了。
一座城市，在向外传播自己的城市文化形象的时候需要注意的一点就是对于自身特色的定位。以为仅仅靠一台实景演出就能达到拉动地方旅游经济，带动城市文化形象宣传，着实是高估了实景演出的能力。
从欣赏者的角度，许多时候只是出于对艺术作品所展现表象的一种观看，这与“欣赏”艺术的层面还相距甚远。张艺谋在《印象・丽江》宣传片中这样说道“那种大量的，集体的，雨点般的击鼓动作是最震撼人心的”。类似于这样的群舞在实景演出中是最常见的演出形式。大量的集体舞蹈、华美的服饰与灯光，成为实景演出的主要标志，其内在的民族文化内涵反而退居其次。在当下山水实景演出的少数民族舞蹈创作中，许多舞蹈作品常常风格不定、直接使用素材堆砌舞蹈动作，常常几十上百人配合灯光音响做着重复的动作，其目的是让观众感觉到视觉上的震撼，但是观看完毕走出剧场时却又觉得索然无味。其实当下许多舞者和舞蹈创作人员在创作中需要的不应只是技术层面的强化，或是追求场面宏大的“人潮舞”，更多的应该加强自身对少数民族现实生活与精神文化生活的理解。
在实景演出的创作中，如果只将原本具有明确文化内涵的形象进行抠像，抛却原有的人文精神，那么这只是在做一件失却了原有人文内涵的作品，即使外表再绚丽，也会逐渐耗光它的文化生命力。实景演出不应只是一场豪华的烟火秀，因为最终能让观众为之感动的还是我们在真实生活中体味到的真实情感。
用“大而无当”四个字来形容当下部分山水实景演出的表现，似乎是比较合适的。这股宏大之风吹遍了国内的著名景区，面对部分山水实景演出带来的高回报，使得一种妄图通过在真山真水之问打造视觉特效，吸引观众的想法正在愈演愈烈。造成的后果就是项目的体积和投资迅速膨胀，而艺术创作的想象力却不断缩水。好像我们面对这片山水时，除了打打光之外，就无事可做了。
事实上，游客是冲着这片土地上凝聚的传统和内涵而来的，如果人们能够真切的从中有所收获，不论是思想上、精神上、身心上、学识上，无论哪一方面确有所得，游客就会络绎不绝，这是在世界任何地方都通行的一条法则。
三、山水实景演出的未来发展
实景演出诞生之初就与旅游有着密切的联系，但它的本质仍然是实实在在的艺术作品。山水实景演出是舞台艺术表演的新的表现形式，对它的评价和思考就应当回到实景演出本身、回到艺术本身。
在当下舞台艺术创作的过程中，创作者应当重新寻回艺术创作的初衷，才能让山水实景演出的制作理念回归到艺术创作的范围中来。指着实景演出市场每一部作品都获得《印象・刘三姐》一般的成功，那是不可能的。现在的当务之急，是应当重新理出实景舞台艺术作品的创作理念，和它的艺术创作标准，把打造舞台艺术精品作为首要目标，而不是一切“向钱看”、向搞大排场看齐。对于那些跟风搞创作的人来说，学习、模仿他人的作品只能学到技巧和技术，而属于独特地域的精神气，还是必须要从遵循本土气质的作品中酝酿和生发出来。为了达到这一点，最终要靠的还是对于传统文化、民族文化、对艺术创作初衷的熟悉与尊重。
