时间：2023-03-20 16:26:03
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电脑音乐制作技术小学音乐教学课外活动
说起“电脑音乐制作”或“MIDI”，在当今社会上，对于从事音乐艺术工作的人来讲，已不是什么生疏的事。自20世纪末“电脑音乐制作技术”诞生以来，电脑音乐制作技术就多方面地渗透到音乐艺术领域中，比如音乐表演艺术中，声乐歌曲的MIDI伴奏，音乐教育中利用软件进行视唱教学……等等，这些方面都有其身影。它的业绩如何？实事求是的说，优点多于缺点。本文阐述就是其在音乐教育方面的业绩——“电脑音乐制作技术”对小学音乐教学及活动的积极影响。
在进入主题前，首先让我简单介绍“电脑音乐”。电脑音乐是指利用多媒体电脑及和音乐相关的软件为工具制作并播放出来的音乐（如摘要：wav文件、mp3文件、midi文件等）。而后，我们就知道“电脑音乐制作技术”是生产“电脑音乐”的一种方法、手段。
电脑音乐制作技术，包容MIDI技术和数字音频技术，这两项是它的核心。在PC电脑没有介入音乐前，MIDI就是音乐制作的代名词。随着数字音频技术的出现和MIDI技术的融合，就形成了电脑音乐制作系统，对于这一系统的操作就是电脑音乐制作技术。本文主要阐述在电脑音乐制作技术诞生之后，它给音乐教育事业（小学音乐教育）带来的恩惠（至于具体的电脑音乐制作技术这里就不再详述了）。
我国的小学音乐教育包括课堂教学和课外活动（主要是文艺活动，特指演出）两个方面。前者是实施音乐教育的主要途径，后者则是前者的延续和拓展。抓好小学音乐的课堂教学和课外活动，是对青少年进行美育教育，促进学生全面发展的一个重要环节。因此在小学音乐教育活动中，课堂教学和课外活动是频繁的，而且内容相当丰富多彩。这无形当中就加大老师的工作量，要求教师要有较强的工作能力。假如此时您是为小学音乐教师，会使用电脑音乐制作技术，应该说工作起来会相对轻松的。为什么这么说呢？原因在于电脑音乐制作技术给予我们的工作带来了许多方便。
电脑音乐制作技术和课堂教学
在小学音乐课堂教学中，利用音乐软件（如Cakewalk音序软件）进行视唱教学。我们可以预先把将要学习的视唱曲或节奏练习曲制作在电脑中，上课时利用电脑音乐软件将其用各种乐器的音色播放它，这样既可以节约我们的备课时间，也可以使视唱教学变得稍微活跃些（演奏乐器音色的变化）；另外，利用电脑音乐制作技术进行音乐教学可以大大提高上课效率（和传统音乐教育手段相比，如摘要：课前或上课中抄谱……等）。
在小学音乐课堂教学中，利用音乐软件（如Encore制谱/音序软件）进行音乐知识（乐理）教学，可以使音乐理论和实际音响联系在一起，可使音乐理论知识更为直观，同时增加学生的学习喜好。比如说，我们讲滑音。传统音乐教学中更多的是用语言进行描述（因为钢琴无法演奏滑音）；如今有了电脑音乐制作技术可不一样了。通过电脑音乐制作技术，预先在电脑中利用软件中Wheel控制器制作出滑音，在上课时将其播放，让学生对滑音这个概念有个从文字到音响的统一熟悉。
在小学中高年级音乐课堂教学中，利用音序软件对学生在音乐方面的创造性培养更是体现电脑音乐制作技术在小学音乐教学中的优势。除此而外，小学音乐课堂教学中，电脑音乐制作技术还可应用在唱歌教学中的范唱、教材歌曲伴奏的制作；在欣赏教学中进行总谱浏览、简单的曲式分析、熟悉乐器及其音色特征等等。
电脑音乐制作技术和课外活动
我国有品种繁多的民族音乐，体现了中华各民族鲜明的音乐风格，凝聚着民族艺术的精华。尽管目前学术界和教育领域已经意识到民族音乐文化的珍贵与保存民族音乐的必要性，但在教学实践中还没有把弘扬民族音乐文化提到前所未有的高度上来。而解决民族音乐文化继承与发扬的关键是教育。
一、音乐教育母语环境的界定与分类
不同民族有着不同的音乐语言，这种不同体现在旋律要素、节奏要素，以及文化价值上，这是每个人在文化上的立足点。进行音乐教育的母语环境就是指在民族音乐的根基上创造音乐学习的民族文化背景，使学生从多层次的环境中接触民族音乐的优秀文化。一个民族以母语为音乐教育，让受教育者生活在整个民族音乐文化的大背景中，这是柯达依音乐教育理念的出发点，也是目前音乐教学的应有的原则。
教学环境在空间上涵括校内外各种因素，笔者将音乐教育环境分为相互交集的三个层次，它们相互影响，决定着学生音乐学习的喜好和学习效果。家庭音乐环境是指以学生家庭为中心的物质与经济状况，家长的音乐文化素质、音乐行为和观念，包括遗传因素等；学校音乐环境不仅包括课堂教学环境、教学设备等物质环境，还包括课间的音响环境、其他课堂上的音响效果、同学以及师生之间的影响等；社会音乐环境主要指学校和家庭之外对学生产生无意识影响的音乐文化氛围。
二、音乐教育母语环境对学生的影响
从音乐教育环境与音乐教学的关系来看，音乐的母语环境决定了教学中教师和学生的音乐意识和音乐行为；客观环境的一切因素，都对身处其中的学生产生积极或消极的影响，成为引起或消除学生音乐学习动机的重要原因。下面针对音乐母语环境的影响进行具体分析。
首先，有利于培养学生的音乐母语感觉
目前一些学习音乐教育的学生，在演奏、演唱方面拥有一定的技巧性，但对自己的传统音乐却极其陌生，他们一味模仿西方的表达方式而缺少自己的民族风格。主要原因是没有在音乐学习初期建立起音乐母语的感觉，使用音乐进行表述情感的时候缺少一个文化根基、一个立足点，那就是民族音乐文化。我们尝试创设音乐母语环境，是让学生在潜意识中积累自己的民族语汇，认识自己的民族文化，掌握中华民族音乐的意韵、风格，将自己的文化深植于民族文化的土壤中，只有民族的才是世界的！
环境对音乐教学起着潜移默化的作用。近代心理学的信息加工理论认为：“冗余度（熟悉程度）过低的刺激不易激发起主动的探究、操作行为。主动的期待和主动的探究都是建立在一定的信息冗余度的基础上的。”①给学生创造设计一个民族音乐的教育环境可以提高学生对民族音乐信息的熟悉程度，继而对学生音乐母语的提高起到激发积极性和主动探究性的目的。
其次，有利于培养学生的感性音乐能力
我国目前的音乐教学中，有些教师把音乐课的教学重点放在了音乐知识和技能的训练上。从实施素质教育的角度来看音乐教学时，培养学生对音乐的感受力、审美力、表现力及创造力，在感悟中陶冶情操，才是学校音乐教学追求的目标。
学习音乐和学习母语一样，都是先听、唱，再慢慢体会学习的内涵。由人的感官本能去学习音乐，以学母语的方式来学音乐，而不是用认知的方式去学音乐。以民歌作为主要内容的是匈牙利音乐教育家柯达依教育体系的重要特征之一，而大量的民歌演唱更是让学生在亲身参与音乐活动中获得了民族音乐体验和了解相关传统音乐文化。
三、如何优化音乐教育的母语环境
上文在对音乐母语环境的界定中已经提到，音乐教育环境可分为三个层次，即家庭音乐环境、学校音乐环境、社会音乐环境。下面就从这三个方面来探讨如何优化音乐母语环境，调控教育环境对学生音乐学习的影响。
（一）营造家庭的母语音乐氛围
家庭是人的最初环境，对一个人母语的形成和发展具有重要和深远的意义。一个喜爱民歌的母亲会在日常生活中哼唱民歌，学生在无意识中接受这种隐性教育，逐渐熟悉民歌的旋律和风格，当这些民歌在音乐课堂上出现时，学生的学习兴趣会被强烈地激发出来。
父母对民族音乐的肯定，或者在观念言谈中流露出对音乐的正面见解会影响孩子音乐思想的形成。例如购买民族音乐资料，一定的音乐欣赏设备，给孩子一些精神上的指导、潜意识的正面影响和示范作用等。从父母延伸到家庭的外延，孩子的亲朋好友，给孩子营造一个良好的民族音乐氛围。
（二）优化学校民族音乐环境
学校是培育人才的主要基地，也是进行音乐教育的主阵地，学校环境有着其他环境无法比拟的优势，发挥着不可替代的作用。因此，优化学校音乐环境，创造良好的民族音乐氛围是优化整个音乐教育环境的关键所在。营造有利于学生发展的良好音乐母语环境应从以下几个方面着手。
1.端正学校音乐教育的大方向，用富于民族特色的母语音乐教育学生
目前，流行音乐、网络音乐充斥文化市场，民族音乐（包括严肃音乐）受到冷落。而民族音乐文化继承和发展的出路在于基础音乐教育，从学校音乐教育入手，开展重视民族音乐教育课程的一系列建设工作，培养学生热爱祖国灿烂的民族音乐文化，激发民族意识和民族自豪感，从而达到爱国主义的教育目的，这是中国民族音乐以及中国音乐教育的出路所在。
2.充分发挥课间音乐教育的重要性
目前很多学校已经有意识地把铃声换成音乐的声音，并且在课间加播音乐，是个很好的尝试，对课堂音乐教学的影响也很明显。教学楼里的音乐家挂图多为西方音乐家，我们应该把导向目光更多地投向我们的民族文化。
3.加强和其他民族性课程的结合
音乐教育要注重结合文化，去了解和把握各民族、各地区的音乐，更要从提升学生的人文素质去考虑，从而加强学生的审美能力的发展。例如在书法艺术课上，老师有意识地播放民族音乐曲目，使学生无意识中提高对这些音乐信息的冗余度，给学生一个全方位的民族文化环境，有利于学生全面了解和掌握民族音乐文化精髓。
（三）优化社会音乐环境，形成正确的音乐舆论导向和良好的音乐风气
音乐教育与社会环境是密不可分的，并受到社会环境的影响和制约。社会环境对音乐教育的影响和制约主要是通过音乐舆论和音乐风气的影响来实现的。正确的音乐舆论导向和良好的音乐风气是优良的社会音乐教育环境的标志，同时也是音乐教育工作顺利开展的前提条件。
面对社会音乐环境的影响，一方面教师要善于指导学生正确选择。学生可以通过各种渠道拓宽和丰富自己的音乐信息；也可以从广阔的社会音乐生活里接受各种隐性音乐教育，包括广播、电视、书报杂志及互联网等各种媒体。但是教师应注意引导学生如何正确地去判断、接受音乐信息，使学生形成正确的音乐审美观。另一方面，社会要努力呈示一个健康的民族音乐氛围，一个良好的音乐母语环境。
作为媒体的报刊、广播、电视，要努力造就民族音乐文化的环境，增强民族音乐的凝聚力，正确处理流行音乐和民族音乐的关系，从而在社会上形成一种正确的音乐舆论导向。只有在健康积极的母语音乐舆论和音乐风气的影响下，才能更加有力地促进学生对音乐母语的感受和学习，才能为民族音乐文化的继承和发扬奠定良好的基础。
总之，要建设良好的音乐母语环境，就必须从家庭、学校、社会三个层次的教育环境共同努力，只有把三者有机地结合起来，才能从整体上形成良好的音乐教育氛围，从而有利于民族音乐教学工作的顺利开展，有利于学生素质的全面发展和整个社会素质的提高。
综上所述，在基础教育中实施民族音乐教育不是一件孤立的事情，而是一个包括母语音乐教育环境在内的全社会的系统工程。因此，只有全社会参与，营造一个良好的母语音乐教育环境，民族音乐教育的实施和存在才有条件，素质教育的发展才能在民族音乐这个母语音乐教育的基础上立足与发展。
注释：
①许卓娅.幼儿园音乐欣赏教学改革的理论与实践，选自第一二届全国音乐教育获奖论文精选[M].中国音乐教育杂志社编，人民音乐出版社，2000:4.
参考文献：
[1]田慧生著.教学环境论[M].江西教育出版社，1996.
[2]（美）贝内特?雷默著，熊蕾译.音乐教育的哲学[M].人民音乐出版社，2003.
合唱艺术是一种喜闻乐见的艺术形式，是一种集体娱乐活动，通过歌唱这种形式能增进彼此间的交流。现在我国的合唱活动内容丰富，形式多样，在社会上也引起了一定的反响。无论是群众合唱活动还是学校合唱活动，对不同人群都有积极的作用。合唱作品中优美的旋律、和谐的音色、真挚的情感以及对美好生活的追求，使人的情感得以愉悦地享受，还可以陶冶情操，塑造乐观的情绪，培养积极的心态。另一方面，在合唱活动中，演唱的曲目和作品，都具有深刻的内涵，歌唱中所传达的思想感情，鼓舞大家对美好生活进行追求，不仅能够在情感上产生一定的共鸣，还能引导人民群众充满希望的面对生活。
另外，合唱活动本身就是一种群众共同参与的活动，大家为了共同完成作品，需要互相协调、合作，共同鼓励和促进，相互之间的交流必不可少，恰恰也促进了彼此之间的人际交往，使人与人之间更加信任。同时，它也为广大人民群众提供了广阔的艺术实践平台，不仅丰富了业余生活，还缓解了内心压力。由此看来，合唱艺术可以加深人的情感体验，塑造健全的人格，培养健康的心理。
有利于国民音乐素质的普及
合唱活动是群体活动，它的形式决定了参与人数的多寡。一般的合唱活动少则数人，多则上百人。现在的合唱活动人数一般都在30-50人左右。对于合唱艺术来说，对参与者的音乐专业水平要求不是特别苛刻，对个人的音乐素质能力要求也比较宽松。所以合唱艺术更能吸引普通大众的参与，它对每个热爱艺术的人都敞开了大门。
随着人们生活水平的提高，大众的精神文化生活也发生了巨大转变，传统的娱乐活动已经无法满足大家的需求，更多人希望自己的业余生活更加丰富多彩，能够享受到艺术的熏陶和氛围。合唱艺术能够吸引大众的参与，它的优势在于形式简单。对于参与者来说，只要对歌唱有一定的兴趣，能够有简单的识谱能力就可以参与其中。合唱活动所要求的经济投入较少，非职业合唱团体也有能力补办活动，这部分人中尤其以中老年人合唱团体、大学合唱团体最为显著。这样一来，人们的踊跃参与，无形中促进了国民音乐素质的提高，从而也为我国国民音乐素质的推广和普及提供了广阔的平台。
合唱活动的日益红火，使得音乐教育得以广泛的传播。尤其是今天，无论是省市地区、还是街道社区都有合唱团体活动的踪迹。从全国范围来看，合唱团的人数是惊人的。这样一个庞大的社会群体参与合唱活动，为我国并不发达的国民音乐教育注入了新鲜血液，不仅提升了合唱团员个人的音乐素养，也提高了大众的音乐审美能力和艺术鉴赏能力，对个人的音乐修养有深刻的意义。如果再深化到构建和谐社会的层面，任何形式都没有合唱活动这种形式能够鼓舞人心，尤其是近些年的唱红歌活动，为提高和普及人民大众音乐素质，构建和谐社会做出了很大的贡献。
有利于加强集体主义观念
合唱艺术最重视集体共同的利益，实现共同的目标。它是门集体的艺术，荣耀属于集体。合唱活动是培养团队集体观念的最有效手段之一，每个合唱队员不仅要明确自己所在声部的任务，还要兼顾到与其他声部成员之间互相合作；既要把握好自己声部的艺术处理，又要以整体的艺术作品为大局。合唱艺术追求的是音色、力度、情感等全方位的和谐统一，队员之间避免个人过分追求自我，而将作品的整体艺术表现要求作为自己的追求目标。而且每个合唱队员，都是团队中必不可少的一部分，在自己的声部中有不可替代的作用，合唱活动使人们更注重集体利益，加强集体观念和意识。
合唱活动启发和培养与他人合作的精神，并能够从中感受到集体创造价值所带来的荣誉感，从而能够改变人们以自我为中心的狭隘意识。长期的参加合唱活动，不仅可以强化集体意识，还可以无形中培养协作精神。显然在社会主义和谐社会的进程中，集体观念、协作精神是非常关键的，它可以使人民群众更加团结，更具有凝聚力。
有利于思想和意志的统一
合唱的“合”字，其本质在于整体的和谐统一，合唱以群体为单位，所以在歌唱过程中最重要的是团队声音的和谐统一。只有每个成员注重团体的共性、思想统一，才能达到音色的高度和谐。另外，合唱需要与伴奏合作，达到音色饱满、速度适中、情感充沛以及表情丰富等方面的高度一致，达到默契的配合。在实际的合唱活动中，达到以上几个方面的要求，有很大的难度，对合唱团员的意志力有极大的挑战，因此只有思想与意志力的和谐统一，群众的力量凝结在一起，才能完整的诠释音乐作品。
众所周知，成功的合唱作品需要参与者进行不断的配合，长期的、重复的曲目练习，对每个合唱队员的意志力有很高的要求，并且每个参与者要以大局为重，具有集体意识。所以在合唱活动中，演唱者的个性要无条件服从共性，每个人和每个声部都要以合唱队伍为核心，以合唱指挥为指导方向，为团队的共同目标和方向奋斗。另外，声部、音乐、队员之间只有相互联系、紧密而互补、相互配合和协调，才能达到艺术与情感的和谐统一。长久下来，每个合唱队伍成员之间的默契度加深，养成了从整体大局出发的观念，加强了团结合作的意识，这种观念和意识在合唱活动中是至关重要的。同样，在我们国家共建和谐社会的历程中，依然需要思想和意识的高度一致和统一，这样才能指引人们向更美好的幸福生活努力进取。
有利于幸福感的产生
陈鹤琴先生认为喜欢音乐是儿童的天性,是儿童生来就喜欢的;并且儿童具有接受音乐教育的能力,音乐教育是儿童所自觉要求和接受的。他通过观察发现,孩子出生后不久,音乐就易于让他入睡,并喜欢听各种优美的声音。幼儿园的孩子,对于音乐的需求和能力更进一步,不仅可以欣赏,还可以用各种方式进行表现。同时,他反对把音乐作为一种特权,他认为儿童喜欢音乐的天性,是不分国家、种族和性别的,音乐应该成为全人类享有的一种权利,幼儿也应该享有,并有能力享有这一权利。而且,音乐教育的关键期就在于学前阶段。因此,音乐教育应从儿童开始,幼儿园应特别重视音乐课程。在音乐教育实践过程中,陈先生非常注意环境对儿童喜欢音乐天性的熏陶、培养和激发。他认为儿童虽然具有音乐的天性,如果没有适合他们音乐教育的环境,他们的音乐能力也不会得到发展。他进一步指出,儿童音乐教育的环境是整合的,成体系的,需要幼儿园、家庭和社区共同的参与,不是任何一方可以单独承担的。只要为儿童创设适合的、全方位的音乐环境,特别是家庭日常生活中音乐环境的创设,就会不知不觉中培养了儿童音乐的兴趣、欣赏能力和表现力。
(二)反对单纯音乐技能培养,主张“从内心而歌”用音乐陶冶儿童的性情
陈鹤琴先生反对把音乐教育技能化的倾向,指出儿童音乐教育是一种“从内心而歌的精神活动”,更应该注重的是它的审美价值。他说“:从前的艺术教育太注重技能,现在的艺术教育是要注意儿童的个性、儿童的天真、儿童的创作。“”我们中国应采取这种创造性的新精神来改进陈腐、呆板的‘艺术’教育。”[1][p.86-90]所以,儿童唱歌应以反映精神面貌为主,不能偏重于演唱技术的教学。满足儿童唱歌的欲望、陶冶良好的情操是第一要务,培养技能是其次的。陈鹤琴先生对于音乐的情感陶冶作用有着深刻的认识。他指出音乐的真正价值在于人和音乐交融,由音乐的节奏、旋律之美,引起身体和精神的共鸣,净化人的心灵,感受人与自然的和谐统一。因此,要用音乐来陶冶儿童性情,“使儿童的性情通过音乐的洗练,而达到至精至纯的陶冶,以至于引导儿童以快乐的精神来创造自己的生活。”[2][p.401]陈鹤琴先生提倡用音乐激发人们团结一致、爱国向上的精神,非常注意发挥音乐对儿童良好品德与人格的培育作用。而当时的社会现状是国人甚至连国歌也不能普遍地会唱,更谈不上个人的情感、团体的精神的激发和表现。所以,他主张为培养儿童良好的品德,唤起民众爱国的精神,就必须特别注重音乐教育。为此,陈先生亲自为儿童和幼师的学生创作歌曲,用歌曲的形式对学生们进行良好品德的熏陶,鼓励学生为建设新国家的理想而努力学习。
(三)使儿童生活音乐化,儿童音乐教育生活化、综合化
陈鹤琴先生批判当时幼儿园音乐教学与生活脱节的现象,反对把音乐教育仅仅作为课堂内的唱歌或舞台上的表演。他主张要寓音乐教育于儿童生活之中,让儿童生活音乐化。他说“:大凡健康的儿童,无论游戏、走路或是休息,都本能地爱唱着歌,表现出音乐的律动。因此,我认为儿童的生活离不开音乐”,[3][p.345]同时“我们要凭着音乐的生气和兴味,渗透到儿童的生活里面,使儿童无论在工作、游戏或劳动的时候,都能有意志统一、行动合拍、精神愉快的表现,使儿童生活音乐化。”[4][p.401]陈鹤琴先生认为儿童的生活是整个的,他设计了“整个教学法”,把各科围绕儿童生活整合在一起;在教育过程中,不仅各科不能分,就连科目和儿童也是不分的。他主张把儿童应该学的东西整个地、有系统地去教给儿童;提出儿童教育内容要有机结合的主张;提倡实施综合化、整合化的教育;反对“四分五裂”、“杂乱无章”的分科教学;提出音乐教育要与其他各门学科相结合,把音乐教育融入各领域、科目的教学之中,形成音乐教育的系统。同时,不能只是学校的音乐课上有音乐,还应将音乐教育与家庭、社会、学校的生活相融合,使儿童生活在音乐之中。
(四)民族的才是世界的,儿童音乐教育“中国化”
陶行知先生批判当时幼稚教育有三种病:“外国病、花钱病、富贵病”。陈鹤琴先生对陶先生的批判非常赞同,主张儿童音乐教育要适应中国国情,要走民族化之路,要重视民族音乐的价值,不可盲目崇洋。他说“:现在中国所有的幼稚园差不多都是美国式的。幼稚生听的故事,唱的歌曲,玩的玩具,用的教材,也有许多是从美国来的。就连教法都不能逃出美国的范围。中国和美国文化背景、环境均不相等,他们视为好的东西,对中国未必合适。”[5][p.75]陈先生提出办园要适合国情,鼓励儿童音乐教育要有中国特色,主张运用民族乐器,如琵琶、笙、箫、古琴、鼓、磬、钵等,这些既易于获得,又便宜,对儿童的教育具有与西洋乐器一样的价值。陈先生在教育实践中,积极创作和改编儿童歌曲,运用民族乐器进行儿童音乐教育,努力对当时儿童音乐教育进行“中国化”“本土化”的改造。
二、陈鹤琴儿童音乐教育思想的启示
(一)儿童音乐教育应树立“以儿童为中心”的儿童观
从幼儿教育机构正式成立之日,“儿童中心”就成为儿童教育工作者遵循的准则,欧洲的新教育和美国的进步教育都提倡人性的自由平等,特别是杜威更是明确提出“儿童中心”的理念,被称为“教育上哥白尼式的变革”,陈鹤琴先生秉承杜威的先进理念,提出培养“人”的教育目标。时至今日,儿童音乐教育实践中仍存在着不从儿童出发,重“技”轻“人”的现象。按照陈先生的音乐教育思想,我们应该做到:
1.让儿童都能享受音乐的快乐
音乐是每个儿童所喜欢的,但并不是所有儿童都喜欢上音乐课,也不是每个儿童都能在音乐中获得乐趣,原因是传统音乐教育过于“功利”,只关注几个优秀的“小音乐家”,不能顾及全体儿童特别是音乐技能发展较慢的儿童,音乐教育变成了少数人的特权和优势,成了许多儿童的痛苦和失落。因此,在进行儿童音乐教育时,我们不应过于注重音乐技能的培养,也不能只关注少数音乐特长儿童,而应让每个儿童生活在音乐之中,享受带来的快乐,享受生活的乐趣。应做到不论儿童音乐能力的高低,不论儿童声音是否优美,让每个儿童都能体验音乐的美和生命的价值。
2.让儿童音乐教育动起来
陈鹤琴先生把儿童心理突出的特征描述为“好动心、模仿心、好奇心和游戏心”,把“做”作为教和学的中心,认为教学要围绕“做”展开,认为“做这个教学原则,是教学的基本原则,一切的学习,不论是肌肉的,不论是感觉的,不论是神经的,都要靠做。”[6][p.68]因此,在儿童音乐教学中,应该把音乐转变为儿童表演、游戏的形式,而且应该让儿童自由表现,因为儿童有“一百种语言”,每个儿童都有自己独特表现情感的方式。比如,在音乐响起时,我们可以让儿童站起来自由的按照旋律、节奏跳舞、表演,可以让幼儿根据音乐的体验去模仿动物、做游戏、讲故事、绘画等等。既能促进儿童对音乐的体验、欣赏和理解,发展儿童的音乐能力;又能促进儿童身体协调能力、想象力和创造力的发展。
3.儿童音乐教育游戏化
《幼儿园教育指导纲要(试行)》(以下简称《纲要》)要求“幼儿园教育应尊重儿童身心发展的规律和学习的特点,以游戏为基本活动”。而游戏是儿童所喜欢的,儿童生活在一定意义上就是游戏,用游戏的方法进行儿童音乐教育,易于受到良好的效果。兴趣是最好的老师,只要是孩子喜欢的,他就会很快的去认知、体验和探索,就会积极学习。儿童感知动作思维占优势,但凡能成为其动作操作对象的物体,他会给他留下深刻的印象,产生深远的影响。因此,儿童音乐教学要溶入游戏,让儿童在做中学、玩中学,在快乐中获得有益身心发展的经验。在实际教学中,可以从内容上把儿歌故事化,让儿童去表演;也可把儿歌学习形式游戏化,让儿童在玩中学,不知不觉中获得发展。
4.儿童音乐教育要适合儿童的需要和特点
陈鹤琴先生提出了“幼稚园要有幼稚园的歌曲,要有幼稚园的节奏”[7][p.290]儿童有自己独特的特点和需要,儿童音乐教学中,从形式到内容、从方法到环境都应适合儿童。从内容讲,儿童音乐教育应选择适合儿童的音乐,选择旋律优美、节奏欢快、内容简单便于儿童掌握的儿歌;从形式讲,可以用团体教学的形式面向全体,但也要顾及每个儿童的特点采用小组教学或个别辅导,同时应提供各种玩具、道具帮助儿童体验和表现音乐。从方法上讲,儿童音乐教学应从音乐的整体入手,应儿童完整的欣赏和感受音乐的旋律、节奏和情感,切不可为了记忆歌词把一首优美的音乐分割的“四分五裂、支离破碎”,违背儿童整体认知的特点和音乐自身的规律;从环境来讲,要选择优质的光盘磁带,创设渲染音乐情感的物质环境,更为重要的是应为儿童创设轻松的心理氛围,尊重每个儿童的想法和创造,让儿童沉浸在音乐之中。同时,教师还要考虑儿童的接受能力,循序渐进,因材施教;也可以让儿童教儿童,相互促进。
5.儿童音乐教育加强“情育”,促进儿童“全面发展”
情商在现代社会发挥越来越重要的作用,而音乐是一种情感的艺术,音乐教育是一种“情育”,它对人类的情感起着陶冶、净化、启迪、培育的作用[8]。因而,我们要利用音乐教育的“情育”功能,培养儿童的情商,促进儿童全面和谐发展。着名音乐家冼星海说:“音乐是人生最大的快乐,是生活的一股清泉,音乐是陶冶性情的熔炉。”[9]学前儿童遵从“唯乐原则”,以无意注意为主,只有儿童感兴趣的东西,他才愿意探索,才能全身心的投入。因而应充分运用音乐对儿童情感的陶冶作用,让儿童在音乐教育中学会体验美、欣赏美和表现美,激发儿童的良好情感和积极态度。同时,创新是一个国家和民族永不衰竭的动力,儿童期是想象力、创造力发展迅速的时期,可以利用音乐教学激发儿童的想象,创造性的去演绎自己对音乐的理解,学会和其他儿童合作、分享。
(二)儿童音乐教育应树立“回归生活”的课程观
1.儿童音乐浸润于一日生活
音乐本来就源于生活,从生活中创造而生,让枯竭冷漠的儿童艺术教育回归到儿童真实、鲜活、丰富的生活中去,这既是儿童获得可持续发展的前提,也是儿童作为一个生命体应该享受的权利。[10]我们要把音乐融入儿童的一日生活:早上让孩子听着熟悉、激昂的音乐入园,幼儿很快就能进入幼儿园的活动氛围,激起幼儿愉快的情感和探索的愿望,高高兴兴的开始一天的幼儿园生活;餐点听着舒缓、优美的音乐,营造一个温馨的进餐环境,优美的旋律能使幼儿安静下来,增加食欲,有助于细化吸收;伴着抒情、缓慢的摇篮曲午睡,让幼儿回味到母亲的爱和温暖,幸福自然入梦;利用音乐引导幼儿一日生活的各个环节,可使幼儿不知不觉的形成习惯。
2.儿童音乐教育与各领域教学相融合
《纲要》指出“各个领域的内容互相渗透,从不同的角度促进幼儿情感、态度、能力、知识、技能等方面的发展。”音乐教育作为艺术领域的重要内容,在教学过程中不仅要与美术、文学等其他艺术形式相融合,还要与健康、语言、社会、科学等领域相融合,形成合力促进儿童发展。一方面,各领域可以利用音乐这种儿童喜爱的形式进行教学,例如可以利用音乐促进儿童运动的兴趣、缓解儿童的紧张,也可以利用配乐进行声情并茂的语言教学,还可以把音乐作为背景,协助各领域教学的需要。另一方,音乐教育要自然的融入语言、科学等知识,促进儿童身体运动能力的发展,培养儿童的良好的情感体验和社会情感,与其他领域共同促进儿童发展。
3.儿童音乐教育做到家、园、社会相统一
儿童音乐教育不单是儿童教育机构所能单独承担的,音乐教育要融入儿童生活的方方面面,“要使家庭音乐、学校音乐、社会音乐融为一炉,而使儿童整个生活达于音乐的境界。”[11][p.402]这样,家庭教育、学校教育和社会教育就融为一体,使儿童就能时时、处处都沉浸在音乐的熏陶之中,欣赏到音乐的美,体验到音乐带来的乐趣,在各种场合自由表达自己的音乐感受。
(三)儿童音乐教育应树立“民族化、本土化”的价值观
1.儿童音乐教育的民族化
民族的才是世界的,作为一个国家、一个民族的音乐教育,如果不扎根于民族文化土壤,就谈不上继承、弘扬和发展,更谈不上走向世界立于世界之巅。因此,儿童音乐教育“应将我国各民族优秀的传统音乐作为音乐课重要的教学内容,通过学习民族音乐,使学生了解和热爱祖国的音乐文化,增强民族意识和爱国主义情操。”[12]现在,我国引进了许多国外着名的儿童音乐教育模式,如德国奥尔夫音乐教学法、匈牙利科达伊音乐教学法、美国综合音感教学法和日本的铃木音乐教育体系等,也有许多儿童音乐教学演唱国外的歌曲、使用国外的乐器,当然在世界多元化、一体化的今天,在一定程度上来说这是无可厚非的,甚至对我国儿童音乐教育的发展起到积极的促进作用。但是任何一种教育模式、歌曲都有它产生的历史背景和文化背景,在国外好的东西不一定完全适合我们;再有,作为儿童阶段的音乐教育应以普及教育、情感陶冶为主,应该使儿童音乐教育成为弘扬民族文化的最强音。因此,这些国外乐器、歌曲甚至教学形式的引进,必须立足于我们本国文化基础上,进行本土化的改造。
Operting-theaterMusicHeartrateVariabilityPhysiology
音乐是种特殊的语言，有时可帮助改变人的行为举止。美妙动听的乐曲不仅可使人精神愉悦，而且可在生理上产生一定的影响。我院手术室自1997年12月开始对820例手术病人播放背景音乐，经随访满意率达到95.7%。为进一步探讨音乐对人体的生理作用，我们在国内率先对22例行甲状腺切除手术病人进行血压、心率、心率变异性的测试，观察音乐对手术病人的植物神经系统影响和病人情绪变化，结果报道如下：
1、临床资料
本组22例病人：男7例，女15例，年龄16－62岁，平均年龄42岁。麻醉选择：全麻3例、颈丛麻醉19例。文化程度：大学2例、高中（中专）12例、初中7例、文盲1例。
2、方法
2.1测试项目：用Spacelabs多功能监测仪监测收缩压(SBP)、舒张压(PBP)、平均压(MAP)、心率(HR)；用HDX－I型多功能监测仪测定心率变异性(HeartrateVariabilityHRV)各项指标：低频成分（LF）、高频成分（HF）、低高频均衡性（L/F）、总频谱（L＋H）。
2.2测量方法：病人进手术室即刻测量HRV上述各项指标，接着在不听音乐的情况下5min、10min、15min各测量一次，然后开始播放音乐，听音乐后同样在5分钟、10分钟、15分钟各测量一次。音乐选择慢节奏、抒情、流畅的轻音乐，曲目基本相同。为避免术前镇静剂的影响，本组病人测试前均不用术前用药。
3、结果
3.1血压、心率变化：没听音乐情况下，血压、心率所有指标与基础相比较P值均>0.05。听音乐前后血压无明显改变。听音乐前心率无明显差异，但在听音乐后5分钟、10分钟时逐渐减慢、15分钟时心率减慢明显，与听音乐前及基础值相比，P值<0.05。
3.2HRV各项指标：反映心交感和迷走神经活性的低频成分（LF），听音乐5分钟时P值为0.05；10分钟时P值为0.019；15分钟时P值为0.0048，与听音乐基础值相前比较有显著意义。高频成分（HF）受迷走神经张力的调节，是迷走神经活性的指标。当听音乐到15分钟时，其P值<0.037。总频谱（LF＋HF）听音乐15分钟时，P值<0.04。与听音乐前基础值相比较都显示有显著差异。高低频均衡性指标（LF/HF）听音乐前后无显著改变。
4.讨论
4.1心率变异性特性心率变异性是指逐次心搏间期的微小差异，它产生于自主神经系统对心脏窦房结的调制，使得心搏间期一般存在几十毫秒的差异和波动。迄今已有大量研究揭示，HRV正常心血管系统稳态调节的重要控制，反映了心脏交感迷走神经活动的紧张性和均衡性。近年来，围术期心率变异性（HRV）的研究已开始得到关注，围术期创伤、应激等多种因素均可影响病人的自主神经系统，使HRV出现显著改变[1]。HRV分析方法为深入了解围术期自主神经活性与均衡性的改变及其与各种因素的互动关系提供了一种新的定量测试手段。
4.2心率变异性分析方法HRV的分析方法主要有时域分析法和频域分析法两种。时域分析法计算较简单，指标意义直观，但灵敏度、特异性较低，不能进一步区别交感或迷走神经的作用及均衡性。故在围术期HRV的研究中使用较多的方法是频域分析法即心率功率谱分析法（heartratepouerspectrum,HRPS）。本组实验采用频域分析法。另外HRV的变异性很大，个体差异非常明显，但每个个体在整个过程中的变化均有一定规律，故本组实验采用自身对照法。
4.3.1心率变异性测试结果分析从测得的各项指标进行分析，当病人听音乐后，血压无明显改变，心率逐渐减慢，LF、HF、LF+HF指标与听音乐前比较都显示有意义下降，说明交感和迷走神经活性，随着播放音乐时间的增加而逐渐降低，从而显示整个植物神经系统兴奋性减弱。由此可见，优美、动听的旋律，通过听觉产生美感，会使人产生安宁、愉悦的心情[2]。在手术室紧张环境中应用音乐疗法，可缓和交感神经的过度紧张，促使感情、情绪镇静化。有利于稳定病人情绪和手术顺利进行。美国新泽西州一家医院新近的一项研究结果同样表明，给在外科候术室等待手术的病人播放他们喜爱的音乐，可有效地减轻其焦虑和紧张情绪[3]。
日本东京女子医科大学日本心脏血压研究所曾报道[4]，对47名进入ICU3-5d后出现心肌梗塞及不稳定心绞痛的患者进行音乐欣赏疗法。其采用植物神经活动和心率变化的频率数进行分析，其结果显示付交感神经活动指标的高频率成分在用音乐欣赏法后呈有意义上升，交感神经活动的低频率成分和高频成分的比值则有意义地下降。提示用音乐欣赏疗法可使交感神经活动系统活动减少，副交感神经系统活动增加。而我们测得的结果是高频成分和低频成分同时有意义下降，本组高低频均衡性指标无显著差异，更进一步说明整个植物神经系统兴奋性下降。
文学与音乐都是艺术的重要表现形式，二者具有密切联系，并且，儿童文学与儿童音乐具有共性特征，儿童音乐具有较强的文学性，而儿童文学也具有较强的音乐性，二者相互影响。因此，在素质教育背景下，多元文化的深入促进了整个时代教育的发展，各种艺术形式相互影响，相互融合。儿童文学与儿童音乐在相互影响的过程中融合发展。在这种情况下，儿童文学与儿童音乐受到了学者的高度关注。研究儿童文学与儿童音乐的相互影响不仅能够促进儿童文学与儿童音乐的发展，而且对儿童成长有着深刻意义。
一、儿童音乐的文学性
（一）儿童音乐的审美特征
音乐的审美特征主要表现在音色、旋律、音调、曲式、和声等要素上。各种音乐要素的综合形成了音乐艺术的审美特征，而儿童音乐的审美特征主要体现在旋律、节奏和音色上。首先，儿童音乐的音色需要音乐创作者用心选择能够吸引儿童注意力的音色，以便给儿童带来美好的审美体验。例如，儿童音乐可以采用童声演唱或运用沉闷鼓声模仿打雷来吸引儿童的兴趣。其次，儿童音乐的节奏主要包括速度、节拍等要素，而儿童音乐的节奏比较鲜明，多采用中速和快速的节奏，来适应儿童的情感体验。最后，旋律是音乐的灵魂，是体现音乐思想的主要载体。儿童音乐中的旋律丰富多彩，不同的旋律会影响到儿童的情绪。因此，儿童音乐的旋律主要采用符合儿童成长特点以及儿童心理规律的旋律。
（二）儿童音乐的语言特征
儿童音乐的语言特征主要包括直观模仿、稚拙风格、幻想思维这三个方面。首先，直观模仿的特点，儿童的思维主要表现为具象思维和直接行动思维，不能够深入了解事物的本质，主要通过事物的表象来思考问题，在这种情况下，儿童在欣赏音乐作品的时候主要依靠具体的艺术形象。因此，儿童音乐经常模仿自然界的事物或声音，进而吸引儿童的兴趣。其次，稚拙风格主要指儿童文学语言的稚气和笨拙，稚拙风格不仅形式朴素，而且能够表达单纯的心理内涵，再现儿童的思维本性。因此，儿童音乐多呈现欢愉和谐的音乐语言。最后，幻想思维，儿童的生活阅历有限，需要通过想象来满足自身的求知欲。在这种情况下，儿童不断幻想并创作新的事物和画面。因此，儿童音乐的语言特征具有幻想思维，并且，这种幻想思维正是儿童的童心和快乐天性的呈现。
（三）儿童音乐的典型性
首先，很多儿童音乐都取材于儿童文学作品，充分运用儿童文学作品的故事情节和情感来创作具有感染力的儿童音乐。具体来说，有些儿童音乐取材于童话故事，有些儿童音乐取材于古诗。例如，音乐《小红帽》就是取材于儿童经常听的小红帽的故事，将小红帽的故事进行音乐加工，采用适合儿童吟唱的方式。管弦乐《龟兔赛跑》取材于龟兔赛跑这一童话故事，儿童已经十分熟悉故事内容，在这种情况下，儿童在欣赏管弦乐《龟兔赛跑》的时候就能够深刻体会音乐所表达的感情。而歌曲《咏鹅》取材于古诗《咏鹅》，用音乐形式表达了看到水中鹅嬉戏的惊喜。其次，部分儿童音乐以儿童文学为标题，并从儿童文学中汲取音乐创作素材。例如，德彪西创作的《儿童乐园》钢琴曲组的标题则采用《雪花飞舞》《小牧童》《洋娃娃小夜曲》等文学标题。
（四）儿童音乐的叙述性
儿童音乐经常采用叙述的方式来表达感情，侧重文学要素的描绘，以增强音乐作品的表现效果。而且，儿童音乐中的文学要素描绘集中在景物描绘，将景物和音乐主题相融合，突出音乐作品的内涵。而儿童音乐的叙述性表现手法主要有摹声、象征和情调描写这三种。首先，摹声主要模仿自然界的鸟鸣、风声、雷鸣等，通过声音来构建景物。例如，贝多芬《黎明》这一音乐作品中通过模仿流水和鸟鸣来构建清新的早晨景象。其次，象征主要通过音色、音区与和声的变化来象征事物，以增强事物空间的层次性。例如，德彪西在《大海》这一音乐作品中采用定音弱奏来象征平静的大海。最后，情调描写表达意境。儿童音乐的情调描写主要通过声音、旋律等构建意境画面，进而表达音乐情感。
二、儿童文学的音乐性
（一）儿童文学的音色
首先，儿童音乐会运用拟声词，进而呈现出音乐美的特征，并且，拟声词能够带给读者强烈的听觉刺激，营造动态描绘、夸张印象等效果。而儿童音乐的拟声词主要分为模仿人的声音、模仿动物的声音、模仿自然界的声音这三种。其中模仿人的声音能够呈现出不同的语言效果，例如，龙吟虎啸、牙牙学语等都能够体现特定的语言环境。模仿动物的声音，例如，公鸡的声音：咯咯，蟋蟀的声音：啾唧，青蛙的叫声：呱呱，这些动物叫声能够用声音来代替动物，增强文学描述的形象性。描写自然界的声音，如，风声：呼呼，雨声：滴沥，雷声：轰隆隆等，自然声音能够加强儿童对自然界事物的形象了解。其次，儿童文学中也会出现摹声，用某种乐器的声音来代替自然界或生活中的声音，进而塑造鲜明的艺术形象。例如，文学作品运用乐器来描写汽笛声、号角声等。
（二）儿童文学的节奏
儿童文学的节奏主要包括两拍、三拍或四拍，其中，两拍的节奏特点呈现为强—弱。例如，《小星星》的每一小节都有两个节拍，并且节拍呈现出强—弱的特点，适合儿童吟唱。三拍的儿童音乐都具有柔和、优美的旋律，能够抒绪，呈现出强—弱—弱的特点，儿童能够跟随节拍去想象自然界中的律动，感受自然界的魅力。四拍的音乐作品呈现出强—弱———强—弱的特点，能够让儿童在音乐中体会到节奏强弱的变化。而儿童音乐中的节拍相当于儿童文学中的音顿，作者通过声音的停顿来展示故事情节，并突出故事叙述的音乐性。另外，儿童文学通过押韵来增强节奏感，尤其是儿童诗歌或儿童歌谣通常采用押韵的方式突出节奏，增强儿童文学的音乐性。
（三）儿童文学的旋律
儿童文学的旋律大多采用鲜明的故事主题来体现，大部分儿童文学的主题都是对善良、勤劳、诚实等高贵品德的赞颂以及对自私、贪婪等丑恶思想的批判，进而反映人们对美好生活的追求。一般来说，大多数儿童故事都是讲述正义一方与丑恶一方的搏斗，并在叙述的过程中突出正义方的善良和丑恶方的邪恶。最后，大多数儿童文学故事都是正义战胜了邪恶，呈现出鲜明的故事旋律。例如，《灰姑娘》《白雪公主》等儿童故事都表达了正义战胜邪恶的主题。
三、儿童文学与儿童音乐的融合
（一）儿童剧
儿童剧是戏剧的一种，专门给儿童观看，而戏剧本身便是一种综合艺术，将音乐与文学融合在一起，能够通过声音、形象和色彩满足儿童的娱乐需求和欣赏需求。并且，儿童剧充分考虑儿童的心理特征和审美特征，采用适合儿童的表演方式，受到儿童的喜爱，而儿童剧的文学和音乐整合具体表现在以下方面。首先，儿童剧采用载歌载舞的形式演出，既有音乐，也有故事情节；其次，儿童剧的语言节奏感十分强烈，强调押韵，是文学与音乐的整合；最后，儿童剧本具有表演性和可读性，儿童可以通过儿童剧表演过程中的音乐艺术和文学艺术展现来进行欣赏，也可以对儿童剧本进行文学阅读欣赏。
（二）儿童动漫
儿童动漫的形式活泼新颖，动漫内容与儿童生活息息相关，因此，儿童动漫受到儿童的欢迎。并且，儿童动漫具有文学成分和音乐成分，通过文学来讲述故事，表达感情。通过音乐来营造逼真的现场氛围，进而引起儿童的共鸣。具体来说，儿童动漫主要根据儿童文学故事改编，文学性明显，而儿童动漫中的音乐主要包括声乐和语气，音乐能够补充画面效果，促进故事情节发展，也可以突出人物形象，进而优化动漫效果。
四、儿童文学与儿童音乐的相互影响
（一）儿童音乐对儿童文学的影响
首先，儿童音乐能够对儿童文学进行再创造。音乐能够激发儿童的想象，让儿童深入感受儿童文学故事情节中的美好，增强儿童的审美体验。运用音乐创作的方式对儿童文学进行再创造，让儿童将文学故事唱出来，能够加强儿童对音乐和文学故事的感悟，深入了解文学故事情节，让儿童用心灵倾听儿童文学的内涵，加强儿童对故事情感和音乐情感的把握。其次，儿童音乐能够提高儿童文学创作者的艺术修养。文学与艺术具有天然的关系，很多音乐家都喜欢文学，向往诗歌。而且，很多文学家也都会与音乐结缘。音乐能够丰富儿童文学创作者的情感体验，拓宽儿童文学创作者的想象，使儿童文学创作者对事物的理解更加深刻。另外，音乐能够使儿童文学创作者充分认识世界，增加其灵魂的深度，鼓励他们进行大胆创作，提高儿童文学作品的哲学高度。
（二）儿童文学对儿童音乐的影响
首先，儿童文学会影响儿童音乐创作的结构和思维。文学思潮丰富了音乐艺术的表达形式，儿童音乐创作者可以运用儿童文学的题目来设置音乐标题，也可以选用儿童文学故事来创作儿童音乐作品，将音乐与文学相融合，在丰富儿童音乐审美特征的基础上，突出儿童音乐的文学性，增强儿童音乐的文化价值。另外，儿童文学会影响儿童音乐的创作结构，很多儿童音乐创作者都采用叙事性结构来进行创作，用音乐形式呈现故事情节和冲突，增强儿童音乐的叙事性。其次，儿童文学对儿童音乐的发展有着促进作用，能够引导儿童音乐创作者树立儿童本位观念，让儿童音乐创作者根据儿童的成长特点和心理特点选择适合儿童的音乐形式和音乐情感，进而促进儿童音乐的健康发展。
参考文献：
[1]陈朝霞.浅议当代中国儿童歌曲发展特点[J].科技信息，2009(19).
[2]方婷.音乐中的文学性与文学中的音乐性[J].皖西学院学报，2011(3).
吉本芭娜娜（1964-），日本当红小说家。《N•P》是吉本芭娜娜的一部长篇小说，故事围绕着一部名为《N•P》的小说集展开，《N•P》既是吉本这部长篇本身的题目，也是作品中一个贯穿全篇的重要道具的名字，还是吉本透露给读者的一个音乐符号。
1. 音乐元素在《N•P》中的作用
1.1 《N•P》象征着精神疏离
小说标题“N•P”是“northpoint”的缩写，是一首由英国人Mike Oldfield创作的、悲伤的老歌。实际上，“Northpoint”是个真实的地名，在那里有一所监狱，歌曲表现了被关押在监狱灰色高墙中的囚犯们内心深处的悲哀，倾诉了他们从压抑的空间获得解放的瞬间幻想。高濑皿男和吉本芭娜娜以此为题有着深层的隐喻，无论是歌曲中的监狱囚犯还是小说中的主人公，他们的心境都是与外界隔绝而备感压抑的，对外面的世界他们有着太多的陌生与疏离。在N•P的监狱象征着他们难以融入外界、无法与他者接触的心灵的闭锁状态。也象征着在外界看来、近亲的人是罪人。高濑以此题回首自己人生的不堪和无奈、自责自己的罪恶，吉本则借监狱那阴暗封闭的空间来表现由亲人之间的爱憎纠结而成的几乎令人窒息的精神世界。“N•P”是受桎梏的心灵的象征，是孤独的恐惧的象征，是日本社会“精神疏离”的象征。
1.2 《N•P》也象征着自我救赎
这种空虚孤绝以至陷于荒谬的人生状态在其他作家如村上春树的作品中也有所反映，比如《转动世界轴心的鸟》中那个下到井底苦思冥想三天三夜，每天只能见到十几秒钟阳光的“我”。《N•P》中以箕轮萃为代表的几个人物都带有明显的象征意味，他们如照片显影般显现了日本当今社会年轻人的“精神疏离”状态。在小说行将结束时，箕轮萃获救于一场即将开始的正常婚姻。一如监狱中的囚犯获救于世俗的宽容。结婚对象并未在小说中出现，这个虚置的人物作为一种暗喻昭示出改变命运的真正出路在于与他者的交流和沟通，在于对自我的超越。吉本写下了“N•P”中没有唱完的超越。最后，沉重的故事终于伴随着在篝火中燃烧的高濑遗稿一起化为灰烬。正如歌词中所唱到：在某个遥远的地方，新的一天开始了。世界的门打开了。
2. 日本当代文学里的西方音乐怀旧风潮
以西洋歌名为书名的风潮，似乎也与日本特有的崇拜西方文化的方式不无干系，从明治维新开始，日本人就开始崇拜西方的先进文化技术，作家们也纷纷出国留学，学习国外作家的写作方式，至今这种情绪仍然蔓延在文学作品里，近年来日文小说里出现的“西方”除音乐之外，情节里的异国恋情、跨地域的情节流动，满篇的外来语等等，早已令人眼花缭乱，而以吉本和村上春树为代表的日本作家们，除了同样有着西方情结之外，更是对六七十年代的西方音乐有着很深的情结。
日本畅销小说的书名总和六七十年代的西洋歌曲名有着千丝万缕的联系，吉本的第一部作品《月影》的名字也来自于Mike Oldfield的老歌“moon light shadow”。村上春树的《挪威的森林》书名也同样来自于Beatles乐队的一首老歌。
六七十年代是是吉本的少年时代。西方音乐正是那时代的中心潮流。吉本和村上都曾是那“六十年代的孩子”。吉本把六十年代孩子们的安魂曲，继续唱给当代迷失的年轻人。也许这些年轻读者们，这些处于动荡期的族群们，正需要这样的老歌来作为心灵的罗盘吧。
3. 音乐带给文学的认同感
曲子的名字或者艺术家的名字，对熟悉这些音乐的人而言，单单看了这些文字，也会感到认同，就好比某时代的风景或气味在一瞬间重现。而且那个年代所流行的新奇玩意儿或文学、初恋情人的脸或睫毛，甚至当初钟爱的鞋子的颜色，也可以在一瞬间回想起来，或许有人会因此而流下感动的眼泪也说不定。喜欢音乐的人可以在文学里找到共鸣，而喜欢文学的人听见同名的歌曲，也许一样会找到共同的心灵的震动。这是一种特别的魔力。
歌曲的标题是 “专有名词”。在这世界上是唯一单独存在的。基于这个理由，我们可知道，音乐标题对于读者而言，深具撩拨性。艺术家死后对世人而言，他所留下来的最深的痕迹，恐怕就是他的名字。这是举世唯一的。麦克•欧非尔德、詹妮丝•乔普林、约翰•列侬，这些歌手的名字，对世人而言，其威力迄今仍隐隐约约蕴藏着。所以，与其反复用言语来阐释涵义，倒不如使用具有共通性的、已经印在意识里的音乐标题，更能显现出那个遥远年代的味道，更能激发读者的潜意识形态。吉本的文字轻巧而熟练，阅读时，你可能会无法分辨自己究竟身在何处。这种轻巧感，正是音乐带来的，不需要过多的语言，一首曲子，已经此刻的心情很明了。
吉本的小说在欧美也受到极高的关注和喜爱，正是因为小说里，有欧美读者们熟悉的音乐，顺着熟悉的音乐的流淌，他们能找到自己的理想天堂。
4.结 语
日本的古典物语，最初都是由艺人们弹唱出来的，后来才被记载为文学样式。音乐有天籁之音，文学有神来之笔。二者都是灵感与技巧的高境界升华。艺术是相通的。如果说音乐是通过听觉来感染我们的情愫，打动我们的心灵，文学就仿佛涓涓细流洗涤着我们的思想和灵魂。
参考文献：
［1］木股知史，『イエローページ吉本ばなな：作品別（1987～1999）［M］，东京：荒地出版社、1999 年.
一、 高校校园文化建设的必要性
近年来，国内出现了丰富多彩的大学校园艺术活动，以鲜活多样的艺术表演形式、健康感人的内容对我院学生进行理想信念教育，爱国主义和集体主义教育，世界观、人生观和价值观教育以及公民道德教育等，音乐作为一种最时尚的文化载体，亘古至今都有着举足轻重的地位。师生音乐会作为校园文化的一个有机组成部分，以音乐的钥匙开启了学生心灵的大门。
高校大多数研究者针对于艺术活动对大学生艺术素养提高、校园文化活动的推动作用、重要意义做出了相关的探讨。如南京农业大学人文社会科学学院精品课程《美学与大学生艺术素养》中提到了"音乐审美与大学生艺术素养的提升"的相互关系，及"提高大学生艺术素养，对大学生的审美能力，增强学生的社会竞争力具有重要意义"。华中师范大学音乐学院《周末音乐会》提出"音乐盛会凝精塑魂，校园文化流光溢彩，发展人文素质，繁荣校园文化"。
国外许多高校也开展了形式多样的校园艺术活动，对大学生集体荣誉感、心理学角度、文化修养等进行了研究。如英国剑桥大学亚当·塞奇威克教授对"艺术活动可培养大学生团队协作精神"，从心理学角度，促进学生身心健康的发展。提出学生"不但看到了精彩的演出，受到了良好的艺术陶冶，还受到了无形的思想政治教育，净化和感染了心灵"。
二、 师生音乐会对校园文化建设的影响
校园文化建设，直接影响到学生在道德观念、心理素质、行为方式、价值取向等方面的健康成长，对整体育人工作有着举足轻重的作用。但具体到高校校园文化建设，其着力点和内容，仍值得教育界深入探讨和考量。近年来，虽然我国音乐普及水平在不断发展和提高，但由于长期以来受应试教育的影响，我国高校普及音乐教育的情况十分有限。
音乐会以师生同台演出的形式，形成了一个最融合的师生关系，让学生摆脱束缚，在接受亲身指导的同时，打破师生界限，与老师共同打造一片音乐的天空。据调查，这种思想政治教育模式，灵活有效，学生乐于接受。同时，受到教育的不仅仅是音乐系的学生，还有在场的全院部分师生观众，用一位同学的话来说，就是"不但看到了精彩的演出，受到了良好的艺术陶冶，还受到了无形的思想政治教育，净化和感染了心灵，它必将成为音乐系的一大亮点。
自2008年以来，我系已举办师生音乐会40余场，给全院学生带来了一场丰富多彩的文化盛宴，获得了院内及社会各界人士的一致认可和好评。至今，我院的师生音乐会已经成为加强和改进大学生思想政治教育、实施素质教育和艺术教育、推动教学改革和校园文化建设的重要渠道和巨大平台。
本项目的实施对大学生校园文化艺术建设、高校的学生管理、校园文化建设、校风学风建设、大学精神的培育、人文素质的提高、学校文化品味的提升以及大学生的成长成才都具有深远的理论意义和实践意义。
①使音乐会更有新意和吸引力，校园文化更加丰富多彩。
②学生的综合素质和创新能力有了明显提高。
③扩大音乐会影响力，促进系部之间的相互交流。
④音乐会发展更加规范化，具有可持续性。
师生音乐会的实施，培养了一批新时期德艺双馨音乐人才、创建系部特色文化建设、促进教学实践工作的开展，加强和改进全院大学生思想政治教育、实施素质教育和艺术教育、推动教学改革和校园文化建设的重要渠道。
至今，我院的师生音乐会从活动品牌、质量、参与人数、规模、场次已经成为系部师生艺术实践、交流沟通以及大学生思想政治教育、素质教育等，推动着教学改革和校园文化建设。
三、 结束语
师生音乐会的实施，将会使师生校园文化活动更加丰富多彩，校园文化艺术氛围更加浓厚，音乐会以其新颖的主题，缤纷的形式，多角度全方位的展现了当代大学生的风采，在其他众多晚会中独占鳌头。它面向校园和社会，传播高雅音乐，展示音乐系师生的艺术实践活动成果，致力于开创健康向上的校园文化氛围，即将成为建设校园文化的一道亮丽的风景线和知名品牌。
参考文献：
一、近年音乐论文写作教材的出版回望
笔者通过资料检索发现，市场上现有音乐类论文写作教材十余本，教材出版的基本信息如表1所示。在2002年教育部颁布《关于加强学术道德建设的若干意见》、2002年中国社会科学院审议通过《中国社会科学院关于加强学风建设的决定》、2004年教育部社会科学委员会颁布《高等学校哲学社会科学研究学术规范（试行）》背景下，音乐类论文写作教材出版拉开序幕。从数量上看，论文写作教材的出版在音乐类教材中远远少于其他课程教材。从事音乐类论文写作的人群主要涵盖学士、硕士、博士三个层次，以及在校学生和音乐科研需求者两大群体。三个层次的在校生对音乐论文的篇幅、深度、创新性要求存在较大差异。两大群体的论文写作定位、要求各有不同。既为教材出版，首先要清楚读者对象。表1所列教材的读者对象主要为在校音乐类本科生，部分教材兼顾硕士研究生论文写作和音乐科研需求者的论文写作，尚未发现有专门针对音乐类博士论文写作的教材出版。
二、音乐论文写作教材的内容剖析
依据分析可以得出，现有音乐类论文写作教材呈现两个块面的内容：学术性论文写作、常规音乐论文写作。1．学术性论文写作学术性论文写作作为高校音乐学专业的主干课程，对论文的专业性、学术性有较高要求。居其宏先生将音乐学专业的学术性文体写作与其他文体写作的结合，高效适应了当下社会音乐文化发展的需求。他的两本教材（见表1）在特别强调学术创新与学术规范的基础上，首次在公开出版物中提出“三个第一性”“论题相关性”原则和“逻辑关系论”，具有鲜明的创新性，代表了作者对音乐学文论写作的独到见解。作者以深厚的写作功底、缜密的逻辑思维将论文写作的实践过程细化、分解为11个环节，环环相扣，细致入微地对每个环节的操作步骤和写作技巧进行深入、翔实的分析，并配以正反文论实例的解析、点评，构建了极具特色的音乐学文论写作理论体系。韩锺恩先生以上海音乐学院音乐学系论文写作指导一对一的教学传统积淀和个人持续多年的教学积累为基础，“用音乐学写作概念替换原来课程命名音乐论文写作概念”，以专业音乐院校音乐学专业学生的写作能力训练为目的，跳出原有教材的“普适性内容”，力求对音乐学写作中的诸多问题进行深入、系统、专门的论述。如教材《音乐学写作与范文导读》中，关于音乐学写作的选题：作者另辟蹊径，从音乐学写作的学术积累和问题意识出发，系统论述了学术积累、问题意识对音乐学写作的意义所在；提出从理论知识、资料文献、技能方法三个方面建立音乐学写作的学术积累；强调问题的产生是在问题意识的牵引下，在实践现实与认识期望的矛盾中发现已有研究中的不足，提出问题，最终顺利找到合适的研究课题。又如范文导读，作者分篇幅、难度精选22篇范文，用导读的形式对范文写作思路深入剖析，犹如显微镜下的解剖，呈现音乐学写作的全过程。范文和导读的结合，清晰呈现了音乐学写作基础理论中的诸多问题，实现了“以实践的方法巩固学生所接受的理论知识，对其写作实践进行具体的指导”。在此基础上，《音乐学写作》呈现了作者站在学科体系建立的高度上对音乐学写作的学术性和专业特点的深刻思考。居其宏、韩锺恩两位学者以坚实的学术功底、严谨的学术规范、持续的教学积累推动了音乐学专业论文写作教材朝着规范化、专业化、学术化的方向不断推进。2．常规音乐论文写作无论何种专业的论文写作，作为知识传授所需要的概论性内容和实践操作步骤均包括选题、搜集资料、确立选题、论文写作与指导、论文修改与定稿。此外，学位论文写作中还涉及文献综述、撰写开题报告、开题、论文答辩环节。本文所选择的12本音乐类论文写作教材中，7本教材以常规音乐论文写作为主体内容。依据学士学位论文写作操作环节进行统计，7本教材所涉及的具体内容如表2所示。如表2所示，横向对比：7本教材中有6本教材未涉及文献综述，5本教材未涉及确立选题，7本教材未涉及开题；纵向对比：没有一本教材内容涵盖学士学位论文写作的所有操作环节。除此之外，教材的主体内容存在较大的相似性，在所有专业论文写作通用的理论知识和操作模式下，音乐类专业论文写作的特殊性和各专业论文写作的差异性并未突出呈现，读者对象的专业指向性较弱，教材虽名为“音乐论文写作”，却有一般论文写作之嫌。
三、音乐论文写作教材出版中存在的问题
音乐类论文写作教材的出版，在音乐论文写作课程开设从无到有，音乐论文写作从无序到逐步规范的特定阶段起到了积极的推动作用。但是，从当下音乐学科发展和专业课程建设的现实情况出发，理性看待音乐类论文写作教材，笔者认为，以常规音乐论文写作为主体内容的7本教材存在以下问题。1．读者对象不明确通过仔细阅读教材，笔者发现，以常规音乐论文写作为主体内容的7本教材，读者对象表述较为模糊，如“各音乐专业大学生”“音乐专业学生”“音乐学专业学生”“音乐院校的学生（除音乐学或有关理论专业外）”，作者并未对读者对象的专业做细致、明确的限定，读者对象的专业指向性普遍较弱。依据教育部颁布的《普通高等学校本科专业目录（2012年）》，“艺术学”门类“音乐与舞蹈学类”专业类中的音乐专业有“音乐表演”“音乐教育”“作曲与作曲技术理论”。读者对象的不明确，导致三个专业论文写作操作过程的差异性在教材中未能鲜明呈现，进而带来教材内容与读者对象的不适应。在看似涵盖了所有音乐专业这个庞大的读者对象的假象下，失去了教材对象的指向性和教材与读者对象的适应性。2．缺乏学士学位论文写作流程的完整性表2的信息统计清晰呈现教材中普遍未涉及文献综述、确立选题、开题三个环节。文献综述是学生阅读了某一主题的文献后，经过整理、分析、评价而形成的一种文体，其目的是在全面介绍和评价某一研究主题的已有成果基础上，提出自己的见解，预测研究趋势。确立选题是学士学位论文构思过程中历经发现问题、查阅资料、反复思考，多次提炼而形成的较为稳定的写作意图。开题是在开放式的师生交流和逻辑推理中进一步查漏补缺，确定选题的可行性。它们是学士学位论文得以顺利进行的重要环节和质量保障。上述三个环节在教材中的普遍缺失，导致教材内容客观上存在对学士学位论文操作流程陈述的不完整，也侧面反映了在教材编写观念上，对论文写作操作流程重视不足。3．范例与读者对象专业的不一致性受到教材作者专业方向、研究领域的影响，加之音乐学专业领域已取得的丰硕研究成果，以常规音乐论文写作为主体的7本教材所用范例多为音乐学专业领域中具有影响力、创新性的学术性论文。音乐学专业领域的学术论文作为范例引入音乐论文写作教材，对于高校音乐学专业学生而言具有较强适应性，但对其他音乐专业，尤其是地方高校专业音乐教育的主力军——音乐教育专业和音乐表演专业而言，具有相当程度的不适应性。范例与读者对象专业的不一致性背离了教材围绕读者、需为读者服务的宗旨。
四、对未来音乐论文写作教材出版的思考
笔者认为，要解决音乐论文写作教材中存在的问题，首先要确定教材的读者对象和读者对象的现实需求，以此为准则，整体布局，合理规划，才能解决教材出版中存在的问题。1．正视读者对象专业的多样性音乐表演、音乐教育、作曲与作曲技术理论专业本科学生是音乐论文教材的重要读者对象，其现实需求是完成规范的学士学位论文写作。在学士学位论文写作过程中，他们既需要相同的理论知识，又需要面对各自专业论文写作操作过程的特殊性，直观掌握学士学位论文写作的操作过程。因此，音乐论文写作教材主体内容应包含理论知识和操作过程，且理论知识为操作过程服务，操作过程如何呈现是教材的重中之重。学士学位论文写作所需的理论知识在现有教材中已经有较为系统的陈述，但体现专业特殊性的操作过程却较少完整呈现。要实现教材内容与读者对象的适应性，必须尊重和重视读者对象专业的多样性，以丰富、多样的形式呈现音乐不同专业论文写作的操作过程。2．完整呈现学士学位论文操作流程完整的学士学位论文写作操作流程包括：选题—搜集资料—文献综述—确立选题—撰写开题报告—开题—论文写作与指导—论文答辩—论文修改与定稿。从读者需求角度分析，操作流程存在的现实意义是引导读者通过环环相扣的实际操作，明确论文写作的规范要求，知晓操作流程的前后关联，在写作意图的梳理中进一步明确论文构思，建立合理的逻辑关系，完成论文写作。基于此，音乐论文教材编写者应思考的问题是如何实现教材体例与论文操作流程的合理构建，为读者和课程教学提供最大便捷。笔者认为，音乐论文写作教材编写中对操作流程的重视，可以从以下四个方面展开：第一，补齐上述教材中被普遍忽视的文献综述、确立选题、开题三个环节的知识内容，明确论文写作操作流程的连续性，建立论文写作操作流程的完整理论体系；第二，陈述每一步操作流程应遵循的基本原则；第三，突出问题意识、师生合作意识在论文写作中的重要作用，引导读者大胆地将构思付诸实践；第四，充分考虑和突出“第三人”在论文写作操作流程实施中的重要作用。3．范例的选择应多元化范例在音乐论文写作教材中的存在意义是引导、示范作用，其目的是在正反实例的呈现中引导读者清晰、准确理解论文写作每一步操作流程的要求和应达到的规范。音乐论文写作教材中范例选择的多元化表现在：第一，范例涵盖专业的多元化，改变上述教材中范例选择单一的现象，大幅度增加音乐教育、音乐表演、作曲与作曲技术理论专业论文写作的范例，实现教材与读者对象专业的适应性。尤其是充分考虑适应当下社会现实需求的音乐教育、音乐表演、作曲与作曲技术理论专业的发展趋势，社会音乐生活与研究中的热点，并切实考虑范例与学生的专业知识结构、认知能力的契合，努力实现范例对学生论文写作过程的借鉴作用。第二，范例对应论文写作操作流程的多元化。学士学位论文写作操作流程所包含的九个环节缺一不可，哪些操作步骤的阶段性成果适合用文字形式、图表形式的范例进行呈现，哪些操作环节需要教材编写者为师生提供具有专业包容性的其他形式的范例展示，进而引导师生高效完成课程教学，是实现范例选择多元化的重要因素。第三，范例选择的多元化还表现在重视反例的作用。应对学生写作经验的缺乏，发挥反面实例的警示作用，引导学生避免不必要的错误。在正反实例的结合中，在一管到底的完整范例中为读者清晰展现学士学位论文写作的操作流程，切实发挥范例在音乐学士学位论文写作过程的导向作用。十年树木，百年树人，新世纪的中国音乐事业已经取得了丰硕的成果，如何在新形势下，进一步推进音乐专业学生的写作功底，音乐论文写作教材和教学还有很长的路要走。
｜参考文献｜
［1］邱国明.试论音乐学论文写作——读韩锺恩《音乐学写作与范文导读》心得［J］.艺术教育，2015（10）.
雅乐一般泛指宫廷的祭祀活动和朝会仪礼中所用的音乐。起源于周代的礼乐制度，用于郊社、宗庙、宫廷仪礼、射乡以及军事上的大典等。受儒家思想的影响，历朝统治者认为雅乐具有“化民”和巩固政权的作用，对雅乐持比较重视的态度。宋朝统治者对雅乐的重视主要表现在宋代的六次雅乐改制、宋代君臣对雅乐的态度等几个方面。关于宋代宫廷雅乐的研究成果主要包括著作、学位论文和期刊论文三个部分。
1 有关著作中及论文中关于宋代雅乐的介绍
杨荫浏《中国古代音乐史稿》、金文达《中国古代音乐史》等著作中专门论述了宋代宫廷雅乐，详细介绍了雅乐的特点等，且认为宋代雅乐存在着复古主义和神秘主义。夏野《中国古代音乐史简编》和田可文《简明中国音乐史》，介绍了宋代雅乐的乐队等方面，并且也认为宋代雅乐是仿古的。林萃青《宋代音乐史论文集――理论与描述》，[1]主要是对大晟乐做了详细的介绍，分析大晟乐产生和灭亡的过程及其影响、叙述宋徽宗的礼乐事迹及其帝王符号、礼乐符号等。笔者发现近些年关于雅乐的学位论文还是有许多的，其中直接以宋代雅乐为主题的学位论文有五篇，[2]另外一些硕、博士论文中也涉及了宋代雅乐。根据已有研究成果笔者暂将宋代雅乐分为七个部分予以分析。
（1）关于宋代雅乐特点的介绍。著作和论文中介绍宋代雅乐的特点，一般都是从雅乐的应用场合、乐曲内容、乐曲创制及标题、乐律制度等几方面来进行的介绍。韩伟《宋代乐论研究》、邱源媛《唐宋雅乐的对比研究》等这些学位论文都采用了大量的篇幅介绍雅乐的特点。李幼平《宋代音乐艺术实践中的黄钟标准音高》[3]、田中有纪《北宋士大夫的八音思想――陈祥道与陈的雅乐构想》[4]等也有相关介绍。李幼平《宋代音乐艺术实践中的黄钟标准音高》主要介绍了关于黄钟音高的乐论。田中有纪的《北宋士大夫的八音思想――陈祥道与陈的雅乐构想》分析了有关雅乐的北宋士大夫的讨论，特别考察以八音的概念为基础的王安石学派的乐论。
（2）宋代君臣对雅乐的态度。宋代君臣极其重视宋代雅乐，主要与其社会背景和政治目的有着必然的联系。相关著作主要介绍了宋代统治者重视雅乐的原因，如夏野《中国古代音乐史简编》及金文达《中国古代音乐史》。学位论文：初益辰《宋代宫廷音乐机构设置研究》从宋统治者本身和宋宫廷音乐机构对雅乐的重视进行了详细的介绍。郑月平《从历史文化学的角度解读北宋之雅乐》分别从北宋各朝皇帝、儒臣乐论等方面强调了宋统治者的态度。
（3）关于对宋代雅乐的评价问题。当今学术界对其持有以下三种态度：首先，持否定的态度。孙琳《唐宋宫廷雅乐之比较研究》、郑月平《从历史文化学的角度解读北宋之雅乐》等分别从雅乐的律吕制作和乐论上、应用场合来强调雅乐的复古性，并具有神秘色彩。其次，持肯定态度的观点。黄炳寅在其《中国音乐与文学史话集》[5]中提到“宋朝学者在追求音乐革新的精神颇值称道，论其治学态度则已脱离旧臼而重视较科学之实验研究”，对雅乐持肯定态度。第三，持部分肯定的态度。李方元在其《宋史・乐志》中说道：“宋代雅乐之所以有超过前代的影响和成绩……不仅使雅乐的地位得到了一定的恢复，而且还使其得到了一定的发展都是明显的事实。”寇文娟《关于“宋代雅乐评价”问题的几点思考》，[6]文章通过分析论证，认为宋代雅乐复古成分下面却隐含了很多复兴的因素。
（4）宋代雅乐祭祀中的礼制分析。路佳琳的硕士学位论文《北宋景佑―嘉年间的雅乐研究》和的硕士学位论文《宋代五礼仪式音乐研究》，都对雅乐中的五礼仪式进行了分析，增强了我们对五礼的认识。
（5）对南宋祭祀歌曲的考证和译解。在音乐著作和论文中阐述南宋雅乐的比较少，普遍认为南宋雅乐沿袭了北宋的雅乐制度。林萃青的《古代音乐的跨国跨文化解读――南宋宫廷雅乐》主要是对南宋宫廷雅乐歌曲的音响实体和表演实践方面来加以分析。《宋代五礼仪式音乐研究》，本文选取了《中兴礼书》中的50首祭祀乐歌进行了译谱和分析。
（6）大晟乐的制作、大晟府的成立及其影响。大晟府是宋徽宗时期建立的一个音乐机构，虽然其只存在了20余年，但是其所形成的影响是我们不能忽略的。刘媛媛《宋代宫廷音乐机构研究》和初益辰《宋代宫廷音乐机构设置研究》，这两篇文章均从大晟府建立的雅化本质及其影响、大晟府乐器的雅化性质以及大晟府定律方面的极端雅化等方面做了简单介绍。
（7）新儒学对宋代雅乐的影响。宋朝，新儒学成了当时社会思想领域的主流，占据着主导地位，对宋代雅乐产生了一定的影响。徐小明《宋代――中国音乐艺术的转折期》强调宋明理学的形成是对统治者思想的绝好配合，表现在宫廷音乐上，就是极力提高雅乐的地位。张艺《探源宋代宫廷音乐机构与制度》，认为宋学的兴盛使雅乐得到了重视。关于宋明理学对宋代雅乐的影响这个问题，涉及的只是新儒学的形成使宋代雅乐具有了复古和神秘的特点。
2 反思
现有研究成果集中在了雅乐的改制、宋代君臣对雅乐的态度、大晟府及其影响，以及宋代雅乐和其他朝代的比较这几个方面。另外，认为南宋雅乐由于其特殊的社会背景，基本承袭了北宋雅乐，仅林萃青几篇文章涉及了南宋雅乐。那么笔者认为既然是宋代雅乐，为何只强调北宋雅乐，难道南宋雅乐真的是对于北宋雅乐一成不变的承袭吗？对于宋代雅乐的评价问题，一直颇有争议。对宋雅乐持批判态度主要是从宋代雅乐依照古法制律这个问题上来考量的，另外也有学者对其持肯定的态度。笔者认为应以客观的态度去分析才会得到合理的判断。
宋明理学的形成确实对宋代社会产生了巨大的影响，其中一些代表人物的音乐思想也对宋代雅乐产生了很重要的影响。但是就目前笔者掌握的资料来看，只是提出新儒学的形成使宋代雅乐具有了复古和神秘的特点，其实笔者认为应该对一些主要代表人物的音乐思想进行考证，从而使我们对新儒学对宋代雅乐的影响有一个更加全面的了解和认识。
参考文献：
[1] 林萃青.宋代音乐史论文集――理论与描述[M].上海音乐学院出版社，2012.
[2] 邱源媛.唐宋雅乐的对比研究[D].郑月平.从历史文化学的角度解读北宋之雅乐[D].孔琳.唐宋宫廷雅乐之比较研究[D].李明明.中国古代雅乐文化分期研究[D].路佳琳.北宋景佑――嘉年间的雅乐研究[D].
[3] 李幼平.宋代音乐艺术实践中的黄钟标准音高[J].音乐研究，2001（2）.
当前,随着音乐教育改革的不断推进,国家新制定的《音乐课程标准》和《艺术课程标准》非常强调音乐课的创新性、人文精神,关注音乐与相关文化的联系,同时在评价标准、教材编写方面变革了传统的教与学的关系,鼓励学生互动式、交流式、探究式学习。这些都对音乐师资提出了更高的要求:社会需要复合型、研究型的一线音乐教师。研究型教师需要能够掌握严格的哲学思辨、严密的逻辑推演、规范的学术语言、严谨的研究方法、善于按照自己选择构筑的问题域和确定的研究目的解决本学科当中的学术问题。然而,传统的音乐院校师生中普遍存在“重技轻艺”,即只强调技能技巧的学习而轻视人文素养和研究能力培养的问题。正如金铁霖老师在本书序言中所说:“由于多方面的原因,音乐院校的学生(除音乐学或有关理论专业外)向来有注重演唱演奏技能、技巧训练的传统,这是一个很好的传统。但是由于他们的人文学科理论根基还不够深厚和坚实,再加上缺乏自觉的文字功力的训练,使其在论文写作上常常难以驾驭,尤其是对学术层面上的研究。我认为,这是我们音乐院校学生中的一个弱点,它限制了我们在音乐研究与论文写作中前进的步伐,使我们难以超越自己而进入一个新的、更高的学术境界。音乐不是技术而是一种文化,音乐院校的学生不应将技术与理论对立,要使理论与技术之间统一起来。”
所以,在这样的音乐教育学科发展的背景潮流下,各个音乐院校的领导师生对培养科研创新能力这一问题日益重视。学校层面加强了对师生科研创新成果的认定评价与激励,如采取科研成果与教师晋升、学生保研毕业等直接挂钩的方法等。师生们普遍认识到了提高科研创新能力与论文写作水平对于个人实现与发展的重要性与必要性。此时,他们迫切需要音乐论文写作方面的全面指导。傅利民老师的《音乐论文写作基础》恰在此时及时出版推出,迎合了时代与社会的强烈需求。
二、全面系统性
诚然,近年来音乐学界的与学位论文所暴露出的问题已经引起了学界的关注,也有一些专家学者撰文指出,这些论文散见于国内的一些音乐理论期刊。如:武汉音乐学院的蔡际洲从音乐编辑学的角度发表系列论文指出近年来在编辑审稿过程中发现投稿论文所存在的选题、重复研究、材料运用、学术规范等方面的问题。《音乐中国》学社的周勤如也以多年编辑工作中发现的问题为例,以音乐学术通信的形式发表系列论文与国内音乐专业研究生探讨。这些论文都从某一角度提出了关于论文写作的一些很有价值的参考与建议。而傅利民老师所著《音乐论文写作基础》是在教学实践中不断总结思考的一部全面系统、具有教材性质的编著。正如作者傅利民在本书后记中所说:“自2001年至今,我在中国音乐学院音乐教育系教授音乐论文写作课已三届了,在长期的音乐教学与科研中使我清楚地认识到音乐论文写作课程在音乐院校学生中开设的重要性。然而,目前关于音乐论文写作的教材还很少。为此,我在教学中一边教学,一边撰写音乐论文写作教材,以便于学生的学习。从而,我拟定了该书写作的基本框架。”
从《音乐论文写作基础》的章节设计,我们可以看出本书是目前一部比较完整的研究与探讨音乐学术论文写作的论著。本书共分八章,第一章音乐论文的概念、类别及格式,作者分三节对之进行详细论述。其中第二节音乐论文的类别,作者依据不同学科、选题和研究目的,将音乐论文进行分类。“按学科分类,音乐论文可分为音乐学论文和音乐表演研究论文。按写作方法和文体属性分类,音乐论文可分为科学论文、评论性论文、论述性论文、调研报告、实验报告、教研论文、学位论文等基本类型。按科学研究的两个组成部分分类,音乐论文可分为创造性研究论文和整理性研究论文两大类。”每一种类别作者均给予清晰详尽的说明,并列出范文与点评。论文分类这一节,笔者认为是本书论述较为精彩的一个部分,它内容丰富;信息量大;体现了作者对于当前音乐论文写作现状的分析与思考;适应不同音乐专业方向的师生进行选择阅读。第二章音乐论文的必备条件,作者分三节详述了论文写作的科学性、学术性和创新性。第三章选题,作者分三节论述了选题的意义与原则、选题的途径与方法、课题申请书与开题报告的填写。第四章资料的搜集与整理,作者分三节向读者介绍了搜集资料的意义;搜集资料的方法与资料的梳理、筛选和使用等。第五章撰写提纲,作者分两节论述了撰写提纲的意义;提纲的基本内容与形式。第六章论点和论据,作者向读者详述了论点确立的过程及思维方法;中心论点和分论点;论点的表达方式;论点句的推敲;确立论点常见的问题。论据部分作者则论述了论据的类型与要求等。第七章论证,作者向读者介绍了五种常用的论证方法:道理论证,举例论证,归纳论证,比较论证,分析论证。第八章论文答辩及评分标准,作者分两节阐述了答辩的意义;答辩的程序与评分标准等。
通过作者的章节安排,我们可以清楚地看到本书详尽论述了论文写作从选题、资料搜集与梳理、提纲的建构、论点与论据、论证到答辩的全过程,并涉及到科研申报书填写及开题报告的写作等,足见作者这部教材性质的论文写作指导论著的全面系统性。
三、实用性和可操作性
正如作者傅利民老师在本书后记中所说:“在写作中,我力避空泛的理论漫谈和枯燥性,注重实用性和可操作性。”在笔者看来,作者在本书中从头至尾贯穿着一个理念即以解决读者实际需求为写作出发点,所以实用性和可操作性成为了本书另一个突出特点和优点。
首先,在本书中作者将平时科研工作学习的经验体会转化为实用指导性的论述表达,力求使读者在实际的科研工作中少走弯路歧路。如在选题的原则一节中,作者告诉读者:“选题时要根据自己的主客观条件,选择自己专业范围的、难易适中、大小适宜的课题。选题时,只有考虑好主客观条件,才能避己之短,用己所长,发挥自己聪明才智。比如,欲想对民族音乐进行研究,如果你从事过民族器乐的演奏,就可以从民族器乐理论的角度去研究定题;如果你演唱过民歌,就可以从民间歌曲的角度去研究,去定题;如果你曾经学过说唱音乐,就可从说唱音乐的角度去研究,去定题。只有扬长避短才能写出称心如意的音乐论文来。”而对于选题难易程度的把握问题,傅老师用篮球框的高度来进行类比。他说:“如果篮球框的高度设计太低,人人都能轻而易举地投中,这就失去了篮球运动的意义;但如果把篮球框的高度设计过高,无论怎样的高手,怎样努力,也不可能投中,这样也不行。论题的难易适中程度,正如目前篮球框设定的高度,让一般人不易个个投中,又让人经过努力训练,有可能成功。这个比喻贴切地论证了选题应难易适中的道理。”又例如在答辩技巧的运用一节,傅老师将答辩技巧总结为四点:1.简洁回答;2.领会主旨;3.平静谦恭;4.巧妙应对,提醒答辩同学注意。在领会主旨这一问题上,傅老师说:“面对主辩教师的提问,答辩人首先要全神贯注,并且要边听边记,防止遗漏,同时要沉着冷静地思考,仔细推敲专家提出问题的要害,了解所提问题的实质,分析质疑的指向,看是针对论点的,还是针对论据的;是针对论证过程的,或还是针对结论的,等等,千万不可弄错题意,否则将出现答非所问的尴尬场面。只有专注地听取主辩教师所提的问题,弄清问题的主旨,才能针对问题进行有效地回答。”书中这样的实用并具有可操作性的论述还有很多,每当看到这些文字,就仿佛一位经验丰富的学者老师在身边谆谆教诲,令学生受益。
第二,本书的可操作性还体现在傅老师精心选择的论文范例与切中肯綮的点评上,这些内容使书中大量晦涩难懂的学术创作理论变得易于理解。例如在音乐论文的分类一节中,作者将音乐实验报告定义为围绕某一音乐事项进行实验方法的介绍,讨论各种条件对实验的影响,描述、记录实验过程和结果的一种文体。实验报告通常由实验过程、实验结果、及分析构成。为了让读者更加直观清晰地了解这一文体的写作方法,作者全文引述了一个音乐实验报告实例:《一种符合中国学校音乐教育实际的视唱教学法“四同步视唱教学法”的实验报告》。文后作者附上点评:“本报告以实验为依托,具体报告了用手风琴左手伴奏、右手指点板书、指挥、范唱的四同步视唱教学法的实施方法与过程。文中提供了相应的数据与典型事例,并以简明的图表显示。尤其报告中运用相关理论分析,把实验结果与同类研究结果进行了比较,分析出优劣与得失,用实验结果回答了实验目的。材料客观,分析科学。”此范例与点评使读者对于音乐实验报告的写作不再陌生,音乐实验报告离基层教师的教学生活也并不遥远,只要在平时的教学工作中勤于思考、探索,视唱教学的改革也可以写出优秀的音乐实验报告。又如在论点句的推敲一节,作者提出分论点句应放在文章显眼的地方,语言清晰,句式明了。为了说明这一问题,作者把张学昕的论文《当代小说创作的寓言诗性特征》作为范例。该文的几个分论点是:一、解构时间:实现主体对现实的超越。二、象征营构:民间叙述与审美寓意化。三、戏访问本:寓言走向新的叙事空间。傅利民老师认为:“该文作者不仅追求行文的科学性和学术性,也全面地照顾了论文的形式美。该文的三个分论点,采用了相似的句式表达,字数相同,从视觉和听觉上首先给人以均衡对称的美,且表意准确,体现了学术论文的本质要求。”从这一范例不难看出,傅老师对音乐学术论文写作的要求是非常高的,论文不但应有创新的学术价值,也应具备行文的形式美,所以,作为一名音乐学术论文的创作者应不断提升写作能力给读者提供完美的学术成果。
四、鲜明的个性
傅老师作为音乐学界一位成果颇丰的学者,在本书的论述中也常常渗透着作者鲜明的个性,很多章节中的内容即是作者科研学习经历的直接体现。
在本书第三章中课题申请书与开题报告的填写一节,作者为了举出实例便于读者理解,更是无私地将自己2003年获得全国艺术科学“十五”规划立项的《课题申请书》全表与《斋醮科仪 天师神韵――龙虎山天师道科仪音乐研究》的开题报告全文引出,供读者学习参考。近年来,申报社科基金项目日益受到各音乐院校的重视,但如何申报,怎样才能填好课题申请书,并没有相关指导教材推出,而且出于对自己知识产权的保护,学界知识分子一般都不会向同行展示自己的课题申报书。当笔者看到傅老师全文出版的课题申报书的时候,由衷地感受到了一个学者的无私与豁达。而本书所附开题报告《斋醮科仪 天师神韵――龙虎山天师道科仪音乐研究》更是作者用实例手把手地教授读者如何写作课题国内外研究现状述评,课题研究的理论与实际意义;课题主要思想、观点与内容,重点与难点分析;课题研究方法、论文框架及写作进行计划;本人准备情况及前期研究成果、主要参考文献及有关资料等开题义项。
纵观全书,这是一部通俗易懂的科研工作实用指南。在当前的音乐教育背景下,它所拥有的优点与特点,使之成为一部能够给读者实实在在帮助的音乐论文写作教材。如果本书有机会修订再版,笔者认为本版《音乐论文写作基础》由于篇幅所限,有些论述之后没有例证,读者的理解常会受到影响,所以,再版此书时,笔者希望书中例证能够更为丰富典型,理论论述之后均能有恰切的例证与点评。另外,如能再版此书,笔者希望在音乐表演类论文的写作指导方面能够增加篇幅,毕竟在各个音乐专业方向中,他们的理论水平较为薄弱,是真正需要帮助而又渴望帮助的一个专业方向。
