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中图分类号：G424.21 文献标识码：A 文章编号：1003-9082 （2013）11-0069-01
一、新课标教学背景下素质教育的要求
在新课标的教学背景下，我国的学校教育都正在发生着微妙的变化，由以往的应试教育逐渐转变成现在素质教育，而对于音乐素质教育来说，实验证明，如果学生能够接受良好的音乐教育，掌握某种音乐乐器，对学生以后融入社会工作、学习具有积极的作用。对于以往的小学音乐教学，已经普及了五线谱和基础音乐理论的教学，但是在教学过程中，只是枯燥无味的进行理论知识的学习，让学生很难对其进行理解，如果在课堂教学中引入吉他教学，就会让枯燥无味的音乐课转变成趣味十足的课堂教学，这样不仅能够让学生们快速的掌握五线谱知识，并且也可以让学生掌握一件乐器，能够进行演奏，增强了学生的学习信心，并且在吉他的学习过程中，大多数学习时间都是学生在家进行自我学习的，从侧面也能培养学生自主学习的学习习惯，为终生学习习惯打下良好的基础。
二、吉他进入音乐课堂教学的优越性
1.吉他能够将时尚性以及音乐的艺术性有机的结合起来
在二十一世纪流行音乐盛行的今天，吉他是魅力时尚的代表，对热爱音乐的同学们具有很大的杀伤力，并且吉他本身就是一种和声乐器，如果将其引入到音乐教学课堂中，一定会受到学生们的喜爱，同时也能够提高学生们对音乐学习的积极性。总体的来说，吉他能够将时尚性以及音乐的艺术性有机的结合起来，音乐课堂中引入吉他不仅满足了当前社会青少年对时尚的追求，对吉他的喜爱，并且对学生学习音乐起到了积极的推动作用。
2.吉他具有价格实惠，易学易懂的优点
对于吉他教学来说，教学的时间比钢琴、小提琴等乐器教学时间断，并且相对于其他乐器来说，学习难度比较小，能够在很短的时间内就能够做到基本的初步掌握，根据吉他学习的学习实践调查，一般三个月左右就能够使得学生对吉他做到入门，可以说是一个很好的音乐教学工具。对于吉他的价格来说，相对于其他的乐器吉他的价格是比较便宜的，我国一般家庭的经济收入都可以能够买到新的一手吉他，是一种能够普及的音乐教学工具，这样就能够使学生人手一把吉他，大大的增加了吉他音乐学习的实用性，避免了教室一台钢筋乐器进行音乐教学的尴尬局面，使得学生能够在课堂上亲自动手练习，加强了学生的动手能力等。
3.吉他的历史悠久，具有庞大的音乐数据库
对于古典吉他来说，存在的历史远远大于钢琴、小提琴，在三千多年以前就存在了，具有悠久的历史文化气息，具有庞大的音乐乐谱数据库。据调查分析，吉他的音乐乐谱的数量极其庞大，在乐器乐谱数量排名中为第二。纵观欧洲音乐的发展历史，吉他的身影一直显现在各个历史时期，并且在文艺复兴时期、古典时期大放光彩，在现代时期，吉他也具有大量的著名乐谱存在，并且被音乐界分为了浪漫派、近代派以及现代派，是学生了解世界音乐，扩大音乐视野的最佳乐器选择。
4.吉他的演奏形式比较齐全，对学生的综合音乐能力培养有着积极的作用
对于吉他来说，能够独奏，能够重奏，能够合奏也能够交响乐队进行合作演奏，在当下流行音乐盛行的背景下，自弹自唱也是一个时尚的演奏方式，所以说吉他演奏的形式是比较齐全的，不是一般小乐器能够比拟的。对于吉他的课堂教学，适应于各个学习阶段的课堂教学，小学、中学，甚至是大学，都可以对吉他进行系统的学习。在进行吉他的学习过程中，学生可以使用吉他进行自弹自唱，并且在校园中，吉他演奏也是一种具有较高艺术品味的节目，具有良好的演奏价值，总体的说吉他的学习对学生的综合音乐能力培养有着积极的作用。
5.吉他有助与学生节奏感的培养
对于吉他来说，在演奏过程中具有丰富的节奏感，可以弹奏出任何一种节奏，比如传统的探戈型节奏、华尔兹型节奏、波尔卡型节奏，甚至是现代的摇滚型节奏、摇摆型节奏以及迪斯科型节奏。对于吉他来说，各种节奏的谭法主要分为三种，也就是分解和弦型、持续和弦型以及打击和扫击和弦型，每一种节奏型的揍法的效果、风格都是不一样的，比如分解和弦型，在弹奏过程中能够表现出优雅、抒情的弹奏风格，比如持续和弦型，在弹奏过程中能够表现出热情澎湃的弹奏风格，比如扫击和弦型，在弹奏过程中能够弹奏出奔放、豪放的弹奏风格。对于学生的音乐课堂学习来说，其中一大教学任务就是要培养学生的音乐节奏感，在此吉他的优越性更是显示出来，所以说音乐课堂教学中引入吉他乐器相比其他乐器是具有优越性的。
三、国外吉他教学有着大量的教学经验
对于国外的音乐教学来说，日本的中学、小学音乐教学是具有代表性的，而在日本的音乐教学环节中，对吉他乐器的教学也是非常成熟的，具有大量的教学经验；在美国，音乐教学对吉他的热衷程度更为显著，在进行音乐教师考核过程中就具有吉他的考核，必须对吉他做到熟练的掌握才能够胜任音乐教师，在音乐教学环节中，吉他教学的地位更是不言而喻等，这些国家吉他的教学模式是比较成熟的，所以我国在进行吉他教学模式的研究设计时可以总结国外吉他的教学经验，根据我国的实际情况，设计出完全符和我国教育情况的吉他教学模式。
结束语
综上所述，在音乐课堂教学中引入吉他教学是完全具有可行性的，不仅能够提高学生的学习兴趣，提高音乐课堂教学的学习效率，更能够锻炼学生的动手实践能力，培养学生的音乐素养，锻炼学生的音乐情操，培养学生自主学习的学习习惯，是新课标教学背景下音乐教学体制的完善与发展。
一、学习基本乐理知识，进入正规学习
学习吉他的基础也是学习所有乐器的基础，除了要了解吉他的历史以外，就是识谱和小三门（听音、试唱、节奏）。这些是学习器乐的必备条件。对于我们的学生这个方面很薄弱，原因很简单，原来就没上过正规的音乐课，没有系统学过练过乐理和小三门，这也是吉他学习初级阶段的一个弊端。目前很多吉他教材都没有五线谱，有的也只是配上了简谱，这样一来就使学生对音符和音与音之间的关系没有了理解的概念，所以很多吉他学生在这个方面很薄弱，需要进行快速的乐理培训，这样才能更好的进行吉他的学习。
二、培养学生养成正确演奏姿势
首先教学生学习一下左右手正确的姿势，这是最基本的，也是最重要的。左手每次按弦要到位，要用指尖按弦，对于琴上的位置，每次是靠音品的那一“点”，对于手上的位置则是指尖正中的那一“点”，而不应想成那一“块”。 各指按弦关节要凸起，各指与指板几近直角，一方面这是指尖按弦的必要条件；另一方面手指若角度过小，独立性与爆发力都会受到较大影响。 手指要“正”，即各指应与音品平行， 手腕要凸出。拇指纵向的位置应和食指、中指之间相对，或与中指相对，在十把位以前都不应先于食指，这样便于左手各指发力。 右手的基本姿势，右手手腕不应凹下，应略略凸起，至少放平，从演奏者自己的角度看去手腕不应低于第三大关节。这样的好处一是各指的独立性可以有充分的保证；二是拇指的触弦角度比较合理，不然拇指指甲很难触上弦。 大拇指与下三指应平衡，即手背要平，若手背朝下倾斜，当然大拇指p的使用会很顺，但下三指i、m、a的使用却会很难；反之则下三指难而拇指顺，所以无论是那一指演奏都应统一于一个手型，而手背放平（大约与面板平行），正是兼顾了大拇指与下三指的使用。 发力的指关节应主要是第三大关节，快速时也有演奏者采用第二大关节，但应首先有第三大关节发力的基础，不然音色的结实性应难以保证。 发音时下三指是指尖先触弦，然后指甲拨响，这就决定了触弦点非常靠近指甲，如离指甲过远，则造成了滑向指甲拨响，那样一则音色不好；二则发音较为迟钝，当然触弦点靠近指甲要小心不要碰出指甲杂音。
三、培养学生打好基础练习，掌握吉他的基本演奏技巧
在器乐教学中钢琴有车尔尼、哈农、拜尔等优秀的初级练习教本，但是吉他教学许多入门训练教材的内容都是吉他的和弦的指法和单音练习的小片段，这些练习没有从根本上起到基础练习的目的。教学中我依据学生实际情况编写的一些有音阶的练习（如：C大调MI型音阶练习，G大调MI型音阶练习等）、节奏的练习（如：常用的分解音型、扫弹节奏等 ）、和弦的转化练习（如：C-F-G-C；C-AM-DM-G-C等），让学生快速的掌握吉他基本演奏方法。通过这些练习，就能更好的衔接到下一步的学习之中去。一些提高练习曲主要是对手指的灵活度和机能的训练。比如一些琶音练习，八度音程练习，转位和弦的练习等。吉他的技巧训练是练习吉他的主要部分，技巧的难度也是深不可测的，只要通过刻苦的练习学生还是可以快速掌握的。初级阶段的技巧练习可分为推弦（FULL）、钩击弦（P＼H）、滑音（S）、点指 、人工泛音（AH）和自然泛音这几个大的方面，学生只要能够单独演奏这些技巧，再通过练习作品才能实现完成各技巧熟练的运用。
四、培养学生长期坚持练琴的好习惯，具备基本的素质和能力
在教学中我经常告诫学生，任何的学习都是贵在坚持，学习中要有愚公移山的精神不怕苦、不怕累。俗话说得好：“台上十分钟，台下十年功”；“台上三分钟，台下十年功”。良好的练琴习惯决定了表演者的演奏质量。在乐器弹奏的中大家会遇到很多困难，弹好一首乐曲只有经过不断反复的练习才能提高练好。有的时候觉得已经熟练地掌握了，但在表演中还会有错，只有更多次地重复练才能弹得更好。有时需一百次、一千次的重复，练习的次数也是非常重要的。指导学生必须培养一种感觉，什么时候长时间地反复练习一个段落，什么时候间隔练习这个段落并且练习更多的次数。教师在课堂中教给学生有的时候可以选择将一个段落用一种方式反复练习一百遍，有些时候可以选择十个不同的练习，整体重复十遍。随着技术的增长和作品的理解加深，对乐曲的弹奏难度也随之增长。在这个阶段会接触很多曲子，对曲子的表现手法也逐渐有了新的认识和理解，为今后的即兴和创作打下良好的基础。这样才能体现出一个乐手真正该具备的素质和能力。宝剑锋从磨砺出，梅花香自苦寒来。只有这样，练习才会更有效率，才能培养学生向演奏家和音乐家方面努力。
五、培养学生喜欢吉他、热爱吉他与它快乐相处
二、改变教学方法
音乐教学方法的优劣与音乐教学质量以及教学效益的高低是有直接关系的。学生对音乐的不知到略知再到知多少以及逐步形成技能技巧等,这些都需要通过一定的教学方法。一个好的教学方法,能够充分调动学生学习音乐的主动性和积极性,从而能够培养学生的创造力和想象力,我们教师也能够从中积累教学经验,提高教学能力。而教学方法不得当,就会使学生丧失学习音乐的兴趣,影响了学生各种能力的发展。音乐教学方法既然是教师和学生共同活动时采用的手段,那么它就应该包括教师教音乐的方法,也包括学生学音乐的方法,缺少任何一种,都是不完善的、错误的教学方法。面对我们中职学校的学生,我们应该改变传统的“教师教、学生学”的教学方法,我们不能一味地强求学生去听所谓的乐理知识,去背诵音乐家的生辰年月、代表作以及欣赏大量的古典音乐,而应该尝试着转换角色,把学生们感兴趣的与音乐有关的知识拿到课堂上来研究和探讨,让学生在课堂上起主导作用。这样既可以把音乐课上得生动活泼,又极大地发挥了学生的主观能动性和积极创造性,使学生们对音乐课流连忘返,进而提高了学生学习音乐的兴趣。
改变教学方法,首先突破旧的教学模式,变以教师“教”为主为“以学生主动积极实践”为主。为克服大部分学生遇难而退的惰性,避免“败兴”、“泼冷水”,我又采取由简而繁、由易而难、循序渐进的方式。中职学校的学生虽然在不同的城区度过了小学、初中或高中教育阶段,除个别有音乐专长的学生外,大多数学生都不认识乐谱,不会视唱,有很多学生想学都怕难。一次课堂上,我开玩笑地对他们说,想学会识谱吗?只要你们认识1、2、3、4、5、6、7这几个数字,我保证你们二十分钟就学会。于是我将学生分成几个小组,并在黑板上依次板书了|355|、|3565|、|165|、|166|、|132|、|32|1—|。简单形象地讲了一下音的高低和音的长短,然后让每组学生一小节、一小节地来视唱,再组织全体学生视唱。唱得基本准确后,我又将他们自己视唱的乐谱,每小节重新排序组合板书出来:|355|165|355|1獉32|3565|166|3565|32|1—||。让同学们重新视唱。唱熟后,我又填上歌词:|355|165|355|13小皮球,真正好,拍一下,蹦的2|3565|166|高,哥哥拍了二百一,3565|32|1—||我拍一个就跑了。让他们带词唱,唱了一遍,他们欢呼起来,我们会识———谱———了!用简易的儿歌去调动青少年学音乐的兴趣和积极性,起到了较好的效果。
三、因势利导
“我还未出生父母就取好了这个名字”
“我出生于1954年,正赶上庆祝建国五周年,而我的生日又恰巧在十月份,因此就取名为‘建国’了!”采访开始时,李建国老师就兴致勃勃地介绍起了名字的由来。“其实,我还未出生时,父母就给我取好了这个名字。”
从一个热爱民乐的孩子到现在的国家级民乐演奏员,这条路走了五十年。在这几十年中,他从基本乐理入门到熟练演奏上百上千首曲子,学遍了自己所能学到的乐器:竹笛、口琴、柳琴、吉他、圆号……还有他演奏时最拿手的琵琶和中阮。虽然已是国家级民乐演奏员,但他仍在学习。他有幸得到了中国音乐学院琵琶演奏家刘德海的悉心指点,从而在业务上得到了更大的发展。
而在这六十年间,特别是进入21世纪后,文化百花园中,百花齐放,多元发展,中国民乐以它优雅、古典的姿态重新回归大众的视线。
“一波三折的学艺之路,让我更加懂得珍惜”
因为家里的亲戚是专业民乐乐师,所以“近水楼台先得月”,年仅6岁的李建国就在家人的支持下开始逐渐接触音乐,优美的旋律和节奏让他备感快乐和喜悦。
“当时,家里的经济条件不好,只能学习竹笛、柳琴、口琴等简单的乐器。上小学时,我开始在宣传队和联欢会独奏,或者在乐队里演奏,主要演奏《东方红》《大海航行靠舵手》《红色娘子军》等红色革命歌曲。”在“”时期,文艺园地一花独放,但是他心中对音乐的热爱之火并没有熄灭。一次,京剧团在京招收演奏员,李建国以一首笛子独奏《大红枣》赢得了进入专业文艺团体的机会。1994年,他首次独立创作的晚会组曲荣获了“北京市庆祝建国45周年荣誉文艺作品创新奖”。这期间,在和专业演奏员学习和切磋中,他又开始练习其他弹拨乐器,并逐渐接触西洋乐器吉他和圆号等,之后,他又凭着高超的演奏水平进入歌舞团做乐手。但是文艺团体的不景气也曾让他备感失落,用他的话说,乐手总是在漂泊中寻找自我的价值。
直到90年代初,李建国才逐渐找到了一个平衡点。那时,流行音乐的走俏让很多人都为之沉醉和迷恋,但仍有一部分人由衷地喜爱传统民乐,为此各大活动中心都开设了此类课程以满足人们的学习需要。正所谓“时间能证明一切”,李建国和其他民乐老师在教授的过程中,逐渐发现前来学习的学生在不经意间增多了不少,这也坚定了他一直坚持民乐教学的信心。之后,在各大少年宫和文化馆经常能看到李建国的身影,从事琵琶、中阮等民乐教学,出任各大民乐赛评委,成了他的日常工作。他曾任大观园女子乐坊指挥和艺术总监,加入中国民族管弦乐协会、北京音乐家协会以及专业的琵琶、中阮委员会,更让他在音乐上收获了以前未曾获得的成就感,他还获得中国民族管弦乐协会全国民族乐器演奏水平考级委员会、北京市第二届至第六届少儿民族乐器独奏比赛的优秀指导教师、优秀教师奖等称号。
“民乐的发展和祖国的繁荣密不可分”
教师的关爱、尊重是开启学生心扉的“钥匙”，是激发学生学习兴趣的“法宝”。教师只有真诚地爱学生，学生才能信赖教师，尊敬教师，贴近教师，与教师无话不谈，真正把教师当作他们的知心朋友，才会“亲其师，信其道”，从教师的爱中感受到信任、关怀和鼓励，从而增强自信心，对教师所讲的学科逐渐形成浓厚的学习兴趣。因此，教师平时要常常关心爱护学生，与学生沟通，课内外保持与学生很强的亲和力，拉近师生距离，为学生在音乐方面的学习营造一个民主、平等、和谐的氛围，创造一个宽松、愉悦的时空环境，诱导学生对音乐科的好奇心、求知欲，诱发他们学习音乐课的兴趣。教学实践中，如有学生在演唱、跳舞、讨论乐曲特点等方面出现动作或者观点失误(或有偏颇)时，教师要及时耐心指正，不能破口大骂，讽刺挖苦，刺伤学生的自尊心，打掉学生的积极性。教师要关心成长中脆弱而渴求进步的孩子，让他们在温馨和谐、健康、自由、快乐的环境中接受教育，饶有兴趣地自觉学习。
二、全面提高教师的素质是保证
高素质的教师既是一名学者，又是一位教育理论的实践家。21世纪的教师必须树立终身学习的理念，具有较强的知识更新的能力，不断提高自身的综合素质，促进自身的专业发展。教师的专业化发展需要教师穷极一生去追求。当代教师应该追求卓越，必须勤学进取，不断开拓创新，不断提高教学能力，才能真正成为知识和文化的化身，才能适应现代教学的需要，才能担负起培育英才的重任。1993年7月，笔者毕业于贵州民族学院艺术系声乐专科，主修声乐，选修钢琴。毕业至今，为了适应教学，服务教学，我先后自费购买并自学了脚踏风琴、电子琴、手风琴、口琴、口风琴、笛子、萧、唢呐、吉他、葫芦丝等乐器，并灵活机动地运用于教学的全过程：我自费订阅了《中小学音乐报》、《音体美报》、《教师报》、《歌曲》、《流行歌曲》、《通俗歌曲》、《校园歌声》、《青年歌声》、《心声歌刊》、《音乐与生活》、《浪漫吉他》、《手风琴入门基础教程》、《笛子入门基础教程》、《音乐表演》、《舞蹈》、《贵州教育》等教育类专业性很强的报刊杂志，对教学起着很大的借鉴指导作用；参加工作至今，笔者独立创编了许多舞蹈(《如今天是你的生日，中国》)，改编了多个大合唱曲目(如《好花红》)，在校内外(校、乡、县)演出，获得巨大成功，近年来，笔者还充分利用网络资源，结合每堂课的特点，时时更新、丰富教学内容，教学方法灵活多变，让教学活动鲜活有趣，激起学生浓郁的学习兴趣。教师和学生以及家长都说笔者是“多面手”、“万金油”，能歌善舞，多才多艺。教师唯有源源不断的涓涓流动的“活水”，在教学实践中，做到胸中有数，就能比较顺利驾御课堂，学生就更加喜欢音乐，喜欢音乐学科，喜欢上教师的音乐课，而且，效果才会越来越好。
一个好的周末，好的阳光与微风，片“喧哗”与“骚动”的草地还有正在建造的人工雪场 北京今年最大的户外国际流行音乐盛会，2006北京流行音乐节如期而至
睡了个懒觉，笔者愉快而匆忙的赶往朝阳公园，因为可以暂时忘掉超女、我型我秀、李宇春与师洋，因为今天我将面对Placebo和Sebastian Bach来到了一个可以头叫放肆的场所。国际大师与地下乐队同台演出，流行乐与摇滚乐融成一个浆糊，在这里你分不清你要寻觅与追寻的。但大家却由 个共同元素支配着――音乐。
在朝阳公园湖畔的Lake Stage副舞台上，笔者见到了张炅鼓乐社培育出来的“超级玩家”乐队，清一色的年轻人，清一色的行头他们年轻的似乎过头，看起来都只有十五六岁。几位乐手年轻、朝气、自信，音乐――也如其人的干净简约富有冲击力，笔者一直认为没有激情的演出只能是甜蜜的炸弹到最后会让你腻的吐。而他们的音乐在吉它开始轰鸣的瞬间就如同在你脑门涂抹一层清凉油般立刻让人醒神，激情澎湃\张扬\放肆。现场的气氛被最大化的调动起来。四个年轻的生命开始舞台轻舞飞扬
这样的音乐在众多的舞台中显得如此“喧哗”
笔者有幸跟随“超级玩家”来到了鼓乐社，随之对他们其中的两位进行了专访。
以下是采访实录
G．代表(广播歌选)
G．你们热爱音乐吗？
李浩：鼓：热爱，那可是相当的热爱(模仿宋丹丹的口气，夸张的不得了)还有，还有我得告诉你，我们家对我那可是相当的支持。
李浩很健谈，李享稍微沉稳一些。
G．能够简单的介绍一下你们入门的情况吗？
李浩：我是非典那年开始学鼓的，1、2、3，(掰着手指头)，哦，已经三年了。第一年也就是非典那年，我感觉自己那是突飞猛进的进步。02年Mike Mangini来北京进行产品演示，我看到了演出展示的海报，你知道吗？我就挖空心思的想要去看，当时找了好多地方才去的现场，在那看到了师父(这里的孩子都称呼张炅老师为师父)，他和麦克同台演出，觉得太震撼了!就有了拜师学艺的想法，后来才知道师父是珍珠鼓大陆地区首位代言人，而像这样的与国外大师同台演示也是前所未有的！
李享：我是受他影响
G：来到这里最初的感受是什么？
李浩：刚来时真傻眼，几岁的孩子都能把你给毙了。受打击挺大的。完全是摸瞎，原来我是有一些基础，可能是误入歧途，你知道的手法特别的难改，敲出来僵硬\死沉死沉，你看现在活多了(做了一下示范)唉，为了改掉我的一个习惯师父可是花了大量的时间，现在我的速度达到160-220速在这里也不算快，但比我以前那是强多了。
李浪：鼓乐社的音乐学习氛围很好而且有它很独特的地方。师父把他的音乐理念毫无保留的传达给我们，让我们对音乐有了全新的认识。
G：在其他方面有什么提高
李浪：首先是速度的提高，师父从人的生理学角度来为我们讲解提高速度的方法，每天不需要练很长的时间即可达到预想的效果。排练和创作中师父给我们搭好音乐结构框架，并且告诉我们每一乐段的最恰当表现手法，然后由我们自己来
叶淼：我们每周都有合奏课，大家在一起排练，这在其他地方学习的时候是很难遇到的。排练中师父会亲自在旁边观看并为我们指点，无论从音乐结构还是效果器的音色，甚至我们弹琴的姿势师父都亲自把关。因为他说过：“乐手在排练时就应该进入状态，身体应该随着音乐动起来，否则在正式演出的时候身体会更加僵硬，这样会影响预期效果。摇滚演出也是一科表演艺术。”
李享：通过学习，头脑清醒了，主要是音乐理念上的进步。你出去跟别人说你学了一年半，没人相信的。
G：学习累吗？
李浩每天感觉特轻松，我只要来到鼓乐社就放松，因为我太喜欢这里的一切了。
G：谈谈你们的排练和演出：
李浩 刚开始排练我们都兴奋坏了，天天都跟疯了似的。每天都觉得自己有使不完的劲。
G：那其中有没有让你们感到枯燥的时候：
李浩：也有，有时候是设备的原因，但更多是在排练过程中遇到问题没法解决，怎么都绕不过那个弯，就跟你做道教学题，怎么也做不出来，然后你跟他死掐，两败俱伤。
这时候师父就站出来替我们解决。师父真有画龙点睛的作用节奏上、效果上的处理特别的出彩，比如有的段落衔接的问题换了一种方式一下子就有金属的感受。这样我们在他那就学到了很多创作的方法。
李享我们曲子的整体结构都是师父带着我们做的，然后让我们填入自己的想法，使音乐情感更加自由的表达。
G：第一次演出害怕吗？
李浩，那是相当害怕，跟中国泥塑似的。就站在那……
李享：不是很紧张、不僵硬，呵呵那是因为我心理素质比他好，但是也没发挥100％的水平。
演出真的很锻炼人，那种把音乐做出来，然后在音响、灯光、舞台效果、观众的刺激下。感觉特有成就感。现在我对自己的情绪上的把握，对状态的控制比以前强多了。
G：讲讲你们的目标吧：
李浩：目标？目标当然有，我现在已经有了一个目标，我要费劲全力的去达到他，到最后不一定能实现。只要我尽全力就行。我的目标是做一个很成功的乐队。我爸希望我将来能有一个正当的职业，平平淡淡做个医生或是做生意。我认为那样不成功，做乐手或做乐队也是相当的正当职业呀。我要超越我自己！
李享：希望自己以后能在音乐圈里吧。
G：评价一下你们的师父
李享：哈哈，一日为师终生为父。
李浩：觉得他特开朗，性格随和，对待弟子那是一个敬业，那可真是相当的敬业，他把大部分的时间都花在这了，真下血本，真教真功夫。比如我刚入门时，为了改我的手法。就把我安排在他家住，一晚上一晚上的教。其实师父很严厉但出了门就没事了，师父还经常叫上我们一起去踢踢球。你看这是我们的“体育课后的欢乐时光” 指着一面黑板报。
李享：虽然有些人认为他太过严厉，但我就觉得他人很好，音乐知识及其丰富，生活上是长者交流起来是朋友，跟他在一起我不感到紧张。
中图分类号：J607 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）11-0090-01
一、什么是中国传统音乐
中国传统音乐是指中国人运用本民族固有方法、采取本民族固有形式创造的，具有本民族固有形态特征的音乐，不仅包括在历史上产生、流传至今的古代作品，还包括当代作品。传统音乐的划分最早见于中国音乐研究所编写的《民族音乐概论》，分为五大类：歌曲、歌舞音乐、说唱音乐、戏曲和器乐，本文所讲的中国传统音乐是以中国音乐学院编纂的“中国传统音乐基础”进行分类，分为汉族民歌与民间歌舞音乐、说唱音乐、戏曲音乐、中国民族器乐、少数民族民歌与歌舞。
实际上，“民族音乐”、“传统音乐”和“民间音乐”又是三个不同的概念：“民族音乐”包括传统音乐和新音乐；而“民间音乐”只是传统音乐的一个类别。且我国的民族音乐是非常丰富的，除了民间音乐，还包括宫廷音乐、宗教音乐和文人音乐。
二、学习中国传统音乐的意义
中国音乐学院是唯一一所由总理建议、以从事民族音乐教育与为办学目的的高等专业音乐学府。按照“以弘扬中华民族音乐文化为己任”的办学定位，《中国传统音乐基础》成为全院面向各专业的基础骨干课程。
学生入校初始，就接受中国传统音乐文化的学习，既是一种任务，也是一种责任与传承。在中国的音乐教育方面，大众普及的是西方音乐的教育体系，入门学习五线谱、大小调性，音乐文化历史背景学习的是海顿、莫扎特，可是学生们很少知道工尺谱是什么，民族调式是什么；不知道什么是京韵大鼓，什么是河南邦子；也不知道为什么新疆音乐节奏欢快，蒙古音乐旋律悠扬，甚至有人说五线谱是先进的，会认识简谱是“没用的”，每当听到这样的言论，看到这样的情景，笔者都感到十分痛心，同时也有了更强的责任感，一定要坚持传播学习中国传统音乐文化的信念，一定要将中国传统音乐文化传播给更多的人。
不论是在地方三线城市的小学里，还是首都北京的名校里，音乐课堂上基本都是西方音乐教育的内容，课本里零星的简谱，孩子们也不是那么喜欢，在家中，每当电视里播放京剧，孩子们都会嚷着换台。我十分珍惜幼年时，在家乡，长长的板凳上，我和姥爷并排坐着，听着京剧，姥爷嘴里哼着，我也依依呀呀地学着的场景，或许是因为这不经意的童年经历，却成为长大后的一种刻骨铭心的回忆，每当听到京剧、昆曲，我都是怀着一种欣赏和享受的心情去聆听。
三、中国传统音乐教育现状及解决意见
传统音乐教育的现状是不令人乐观的，存在着以下几个问题。教材内容课余学习比重偏低。在中小学音乐教材中，只有少部分中国传统音乐类知识，对于中西方音乐分类比例有所不均。在课余的学习中，学生学习的大多也是以西方音乐体系为主导的乐器，如钢琴，长笛，吉他，萨克斯等，孩子们几乎不识五线谱。这一方面看到西方音乐教育普及的成功，另一方面也让人对中国传统音乐的普及产生了担忧。
教师教学“挑内容”、“选方法”。音乐教师在进行课程教学中，只选学生感兴趣或者自己认为好的内容进行教学，对于中国传统音乐类知识，只做简略讲解或者直接跳过，将本就偏少的中国传统音乐类知识比重降得更低。教师应采取中西结合、合理分配的原则，既学习西方教育体系，也使学生对学习传统文化产生兴趣，培养学生学习多元文化的意识。
在课程的拓展和学科综合方面偏重西方文化背景。许多教师在拓展环节没有学习传统文化意识，只引导学生学习西方和所谓的音乐潮流，没有传播和传承传统文化的意识和责任感。作为孩子们的授业教师，启蒙引路人，教师应以传统本土音乐为己任，将中国传统音乐文化的根种在孩子们的心中。
四、结语
中国传统音乐不仅是中国音乐学院教学的需要，也是每一位珍视中国本土音乐文化教育者的期许。只有不懈努力，中国的音乐文化教育、人才培养模式、知识结构框架等问题，才会在民族文化发展需求的大背景中越来越向着合理化迈进，才会教育出在国际舞台上不失话语权的民族音乐人才，为人类多元文化做贡献。
参考文献：
[1]姚艺君，李月红，桑海波，陈爽，赵晓楠.中国传统音乐基础[M].北京：人民音乐出版社，2013.
[2]王耀华.中国传统音乐学的是“是什么”“为什么”和“如何为”[J].星海音乐学院学报，2010（4）.
一、口琴的选用
我们常见的二十四孔上下双排音孔的口琴叫做复音口琴(Tremlo Harmonica)，双簧片发音，可以演奏三个八度的自然音级，主要演奏歌曲和小型乐曲，流行于东南亚地区。日本的著名演奏家佐藤秀郎是复音口琴演奏的代表人物。他率先使用“分解和弦奏法”、“提琴奏法”、“曼陀林奏法”等演奏技法，使复音口琴的表现力得到很大提高；他还发明了小调口琴，解决了口琴上的一些和声问题。复音口琴从20世纪二三十年代流传到我国，五六十年代口琴音乐在我国得到进一步发展，出现过石人望、王庆隆、陈剑晨等老一辈演奏家。复音口琴现在我国非常普及，很多音乐爱好者都会吹奏它，在中小学的音乐课上它更是非常有优势的乐器。
做为口琴的入门学习，复音口琴是很好的选择，但如果演奏稍微复杂的音乐，它的缺点也是显而易见的，比如：演奏半音以及转调不方便，音阶排列不够科学，声音不集中等等。有条件的学校也可以选择另外一种具有国际演奏标准的专业口琴――半音阶口琴(Chromatic Harmonica)。它解决了复音口琴的演奏问题，通过一个按键的装置，可演奏出所有的半音及各种调式的音乐，转调方便；音阶排列简单，高音、中音、低音各音区音的排列顺序是相同的，学起来很容易；通过气流和口腔的变化可以吹奏出多变的音色，滑音、振音等常规演奏技巧表现充分。所以，半音阶口琴能够演奏那些较为复杂的旋律和更加丰富多彩的音乐，比如演奏古典音乐、浪漫主义音乐等传统音乐，以及流行音乐和爵士音乐等。很多作曲家都曾为它创作过独奏曲和协奏曲，在美国、英国、法国、德国以及日本等国家的一些音乐学院都设有口琴演奏专业。历史上曾出现过拉瑞・阿德勒(Larry Adler)、汤米・瑞利(Tommy ReilIv)、图斯・塞里曼(Toots Thielemans)、黄青白(Cham-Ber Huang)等享誉世界的口琴演奏大师，他们对口琴音乐的发展起到了重要作用。
近些年来，我国口琴演奏者逐渐从传统的复音口琴开始转向学习这种具有国际演奏标准的半音阶口琴，很多大、中城市的口琴组织、协会以及中小学口琴乐团都使用半音阶口琴。我先后辅导过的北京大学、武圣庙小学、红英小学、太平路中学、人大附小、北京四中等名校的口琴乐团，在国内外的口琴比赛中获得了很多优异成绩，他们也都是采用了半音阶口琴。
二、重视演奏基础
口琴吹奏应该从中音区开始学习，不管是复音口琴还是半音阶口琴，它们中音区的各音都是按照音阶排列的，因此，中音区是最常用也是最容易演奏的音区。吹奏方法有两种：单孔的吹奏方法、含多孔的吹奏方法。
单孔的吹奏方法是：将嘴唇缩小对准一个音孔吹奏。
用这种方法吹奏出的音厚而结实，音色纯净，力量集中，音量也稍微大些。这种吹奏方法简单易学，建议学生首先练习。
含多孔的吹奏方法是：将嘴微微张开，把琴含在嘴边，将舌头轻轻贴在琴格上，堵住左边大多数音孔，右边留下一个音孔吹奏。
音阶的练习非常重要，每日反复地练习可以使学生熟练掌握各音孔之间的距离。可让学生从小型乐曲人手，比如《玛丽有只小羊羔》、《洋娃娃和小熊跳舞》、《苏珊娜》、《闪烁的小星》等，这些乐曲的跳动都很小，容易演奏准确，同时，教师可以用钢琴伴奏来加强学生的乐感和节奏感。不要过早地要求学生提高演奏速度，因为口琴的结构原因，如果不能熟练地把握音孔之间的准确距离，音符容易吹不清楚，因此开始练习时要强调准确、清晰地演奏，要把音吹干净，也就是不能有双音等杂音，要放慢练习，自然、放松的声音是最重要的。
口琴是通过呼吸进行演奏的乐器，要强调自然、平和的气息，呼吸的准确位置应该在腹部和腰的位置，就像平静的深呼吸，单纯的胸部呼吸会使声音缺乏控制，很难演奏出连贯的音乐，也会给演奏者带来不适。
三、口琴乐团的雏形
当学生练习口琴一段时间后，随着演奏曲目的增加、技巧学习的不断深入，演奏水平得到进一步提高，这时就可以选择稍长一点的乐曲进行齐奏的练习，即所有学生演奏相同的旋律，教师可以用钢琴进行伴奏，这样可以提高学生的乐感，也可以使他们把握准确的节奏。然后可以进行合奏练习，要求学生在清晰地演奏自己声部的同时，还要注意到乐曲的整体效果，要用心倾听其他的声部。这时音乐将变得丰富多彩而具有立体感，美妙的和音不但使学生的演奏兴趣大大增强，同时也有助于培养学生相互协作的精神，使学生的音乐素质得到进一步提高。
为了加强音乐的表情，学生需要掌握一个简单易学的振音技巧(Vibrato)――手振音。手振音是口琴演奏的一种常规技巧，通过使用手振音，可以使音乐更加生动、细致、富有感彩。手振音的演奏方法是：双手握住琴的底端，合拢，手掌间形成一个封闭的空间。一只手均匀扇动(通常用左手)，以使吹奏时产生波纹状的声音。手部动作的快慢及幅度根据音乐的具体情况而定，但是一定要有控制，要均匀，手臂、手腕要放松。手振音是通过手一开一闭的连续动作，依靠琴边的“空气振动”形成的，所以没有音高的变化，这是口琴区别于其他乐器所特有的一种振音方法，常用于柔缓、抒情的旋律，尤其是能够对长音的演奏起到装饰和美化的作用。
四、和弦口琴、低音口琴的使用
口琴乐团中还有两种非常重要的口琴――和弦口琴(Chord Harmonica)和低音口琴(Bass Harmonica)。
和弦口琴是唯一可以演奏大量和弦的口琴，常用的是双排、四十八组和弦的和弦口琴，主要负责乐团的和声，可以轻松演奏大三和弦、小三和弦、大小七和弦以及常见的增减和弦等，同时也可以演奏出各种节奏型。它的加入使口琴乐团的音色更加融合，整体音响的厚度和宽度得到很大的加强。和弦口琴不必像普通口琴那样缩小嘴唇吹奏，因为和弦口琴的每个音孔较长，相当于普通口琴的四个音孔大小，演奏者只需将嘴唇微微张开就可以吹奏了。随着口腔的不断变化，和弦口琴可以演奏出或松散、朦胧或铿锵有力的
不同音色效果，表现力非常丰富。和弦口琴在欧美以及东南亚非常流行，在大合奏、小合奏以及重奏中发挥着重要作用，享誉世界的Jerry Murads Harmonicats、The Adler Trio等著名口琴乐团都使用和弦口琴。
低音口琴负责乐团的低音演奏，通常为双排、三十九音的低音口琴，可以演奏出较为全面的低音，每个音孔都是双簧片发音，为八度和音，更增强了低音的厚重感。由于低音口琴的音高和结构等特点，所有的音都是吹气的音。低音声部是乐团的基础，其重要性仅次于演奏旋律的第一高音口琴。低音口琴除了演奏基本低音以外，在掌握吹奏技巧后，也可以演奏音型化及旋律化的低音。低音口琴吹孔较大，簧片长而厚且振动缓慢，要使簧片充分振动起来，就要缓吹，多给气，缓用力，这样才能产生浓重、浑厚的低音效果。另外，演奏者要熟练掌握各音孔之间的距离，每个音一定要吹到音孔的正中间，这样才能保证音质。总之，吹奏出稳定到位、流畅而富有弹性的低音是对演奏者的基本要求。
和弦口琴和低音口琴主要负责乐团的和声和低音，它们的配合可以演奏出丰富的和声色彩和多种多样的节奏型。
五、口琴乐团中加入其他乐器
为了使口琴乐团的演奏更加丰富、充实，可以适当加入打击乐器，比如：大鼓、小军鼓、镲以及一些小型打击乐器，有条件的乐团还可以使用爵士鼓、定音鼓。大鼓通常与低音口琴保持同步，小军鼓可参照和弦口琴的节奏型，大镲在乐团强奏时发挥很大作用，可以使音响达到强而不噪而且很融合的效果。在这几件打击乐器的基础上，还可以根据乐曲的需要加入三角铁、铃鼓以及我们常见的民族打击乐器，对音乐进行更加细致的表现。
口琴乐团中可以适当加入钢琴、吉他等乐器以增强音乐表现力。根据以往国内外口琴乐团的经验，应尽量减少或不加入电子琴、手风琴以及口风琴等乐器，因为这些乐器中有些虽然是簧片发音的乐器，但与口琴在发音上的感觉是非常不同的，对于乐团演奏的音色以及整体效果都会有一些影响。
六、口琴乐团的演奏形式
口琴乐团的演奏形式是多种多样的，根据国际演奏的标准可分为独奏、二重奏、三重奏、小合奏、大合奏等。
独奏要求演奏者具备―定的演奏技巧，良好的音乐修养，以及对乐曲深入的理解，可以使用钢琴伴奏，也可以使用吉他等乐器或者乐队伴奏。
二重奏通常由两只高音口琴演奏，大多为复调音乐。比如演奏巴赫等作曲家的古典音乐作品。
三重奏是一种非常经典的演奏形式，通常为一只高音口琴再加上和弦口琴和低音口琴。世界上很多著名的口琴乐团、组合都采取这种演奏形式。高音口琴基本上需要具备独奏的水平，和弦口琴与低音口琴紧密配合演奏出丰富的和声、多变的节奏型，同时每种口琴都有相对自由、独立的发挥空间。涉及的人员较少，演出机动、灵活，是三重奏这种演奏形式的优势所在。
小合奏指四个人到十几个人的演奏形式，其中包括四重奏和五重奏。四重奏是在三重奏的基础上再加入一只高音口琴；五重奏是在三重奏的基础上再加入两只高音口琴(可以有一只中音口琴或十六孔的半音阶口琴)。这两种组合在三重奏的基础上又增加了高音部的和声以及副旋律，使音乐更加丰富并具有立体感，这也是目前国际上较为成熟的演奏形式。由北京教育学院体育与艺术学院学生组建的“炎黄口琴室内乐团”就是这种形式的口琴乐团。他们的演奏涉及古典音乐、现代音乐、民族音乐等多种风格，曾经在国内外口琴大赛中获得很多优异的成绩。
一、注入时代气息
1． 多用现代词语入句，减少用生僻的方言词。用现代的词语洗涤古老歌谣，力图使内容接近青少年的日常生活，多些喜闻乐见的内容。
2． 使用传统乐器的同时加入西洋乐器伴奏。可以使用吉他、钢琴、提琴，甚至萨克斯风（爵士乐风格）等伴奏，虽然有点难度，丰富了和声音色，也没少了那些原味，但是可以给学生传递一个很好的信息：山歌也是歌，它也是可以很现代的，它不是无可救药的陈年古董。待学生入门后，才和他们一起制作竹板等有代表意义的简易乐器。一切以教学为中心，决不随便破坏山歌的平民形象和随和形象。
3． 融入其他现代音乐元素和现代语言元素。如用一些外文入词，如“YEAH”、“YES”、“NO”、“VERY GOOD”等日常用语。让山歌也玩一次新潮流。 用HIT HOT唱法等“IN”的节奏来演绎。用摇滚唱法来演绎山歌。
这些做法，旨在说明音乐其实是无分国界，超越语言、年龄的，它是人与人交流的理想工具，它的社会功能之广泛，山歌只是千千万万音乐的一个类别，它是和其他音乐相通的，可以互相渗透的。最根本的目的是让学生爱上音乐，喜欢客家山歌，也算是对乡土文化的升华。
二、抑弊兴善，发掘优势
父母非常喜欢音乐，尤其母亲。但由于那个年代没能走上专业从事音乐的事业，所以培养我也是实现他们对音乐追求的理想。
音乐在你生活中占据什么样的位置？一天中有多长时间用于钻研音乐？
当然是非常重要。重要到除了生存所需的那几项，只要活着音乐就是排第一的，无法想象我的世界如果没有音乐怎么过。
每天大多数时间都是做与音乐有关的事。因为工作就是音乐，如教学，我要指导学生如何演奏处理音乐；音乐会和各种大小演出我要表演音乐；录音和制作时我要编辑和剪接自己的音乐。太多太多事和音乐有关了，就算是闲下来的休息时间，我的时间也充满着音乐。比如说在路上堵车吧，我是一定在听音乐的。所以很难计算每天多久在钻研音乐了。
演奏对你来讲工作和兴趣哪个层面更多一些？你对自己的职业生涯有很明确的规划吗？
能让演奏成为自己的工作，最重要原因是这是我人生最大的兴趣爱好，而能把爱好当职业是最幸福的一种人生状态，我现在能以兴趣为主的工作，我非常的满意也很珍惜这种状态。所以在选择相应的音乐工作时，我也是把兴趣放在第一位的选择具体工作。
我对自己的演奏生涯没有什么特别的规划，只是想多做些对古筝推广有意义的事，在古筝进一步现代化演奏研发上多做些事情。希望自己能在对古筝的演奏包容性和张力上作出更大的研究与实践，也想通过个人和更多作曲家为古筝创作更多好的作品。希望它成为现代社会具代表性的优秀乐器，让更多现代人，不仅是中国人世界各地的人们喜爱。
你的新专辑《春》已经面市了，这张唱片对你有什么样的意义？从创作到制作一共花了多长时间？目前销量好吗？
销量非常好，是我预料之外的好，专辑里有多首西方作品，以为中国听众会不好接受，没想到大家回馈的信息都是说非常好听的一张专辑，清新淡雅的感觉。专辑一出也送给了几位外国驻华大使，大史们非常喜欢，有大使说他很喜欢这种风格的音乐，一天听了五遍这张唱片，太令我惊讶了，因为作为演奏者自己的我也没有一天听那么多遍。
这张唱片是我和瑞士吉他大师Anders耗时一年制作完成的，其实从专辑的酝酿到成品的问世也不止一年。从2006年我们在瑞士音乐会相遇有合作的念头，到他2008年到中国我们一起合作排练、选曲、改编再到2010年开始我们进棚录音，到最后的剪接混音制作，真的付出了很多心血。
这张专辑是我第一次在专辑中除了放入经典的中国传统作品，更多数量的是西方经典作品，如大师萨蒂的作品Gymnopedie,文艺复兴小品等。最特别的是专辑中的新作品也是主打“Spring”“Azure Dream”《春》，《地中海兰的梦》，两首作品都极具古典浪漫色彩又不失轻松惬意的现代情趣。其中《Spring春》这个作品的背景与意境就是为了纪念法国作曲家Satie与对中国音乐的特别感情和与东西方乐器合作中迸发出的灵感而创作。作品巧妙的将印象派音乐及中国古典音乐意境融为一体，一首非常有东方色彩、旋律唯美的乐曲。因此乐曲也成为了此次合作的主打曲目。
能谈一谈和安德斯・米奥林合作的感受么？古筝融合吉他有没有碰到什么困难？
他是一位非常严谨的演奏大师，为人非常亲和很NICE。和他一起合作也让自己学到很多。比如说，我是中国古典演奏家对把握西方不同时期作品并不是特别到位，他给了我很多指导和建议。像专辑里的文艺复兴五部曲是英国文艺复兴时期作家Robert Johnson的作品，大师很细致的给我讲了Pavene（孔雀舞）这种舞曲是一个什么样的音乐气质，还在很多其它作品的演奏上给予了演奏处理的意见。这张专辑的制作也成为了我演奏生涯很难得的一堂教学课。
是的，中国传统乐器与西方吉他演奏合作确实会有很多问题出现。中国古筝是五声音阶乐器，为了配合演奏西方作品我要特别研制出针对于不同作品的不同定弦与定调，与之相应的也会改变很多的演奏技巧和出现方法。整张专辑的选曲上也加大了作品风格的跨度，对合作演奏提出了挑战。而我们也是在演奏技巧及乐曲创作改编上进行了不断的探索和尝试，所以也可以说录制专辑是大胆创新的冒险之旅。
除了古筝，还有其他擅长演奏的乐器吗？喜欢声乐吗？
哈哈，除了演奏古筝我就是个“一无是处”的人了。当然这是玩笑，其他乐器擅长谈不上，但在音乐学院学习的这近20年里，钢琴是我们的必修课，所以可以演奏些钢琴作品。但也由于给予古筝太多的时间根本没有时间再弹钢琴了。
声乐我一直很喜欢，当学生时很喜欢唱歌，也和同学们出去唱。但现在当老师了每天很多的课，嗓子非常疲劳，我已经10年没有出去唱过歌了。但我一直喜欢歌剧，如有闲暇也去听歌剧。我的永远的偶像就是歌剧演员Callas卡拉斯。喜欢崇拜她是从中学就开始的，以后偶像还是她。很喜欢她的音乐，虽然嗓音不是天生完美的，但是那真挚饱满的激情令人慑服。我有机会去欧洲时，比如说巴黎我都会去她住过的地方走走看看。（虽然没有公共开放，但是被我找到了）。
时下的年轻人，更多的是听流行音乐，在中国，听古典音乐和中国民族乐器是比较小众的，你对这个问题怎么看？
首先要教育。希望这个社会能提供对下一代更多的高雅艺术的接触学习机会。在西方流行音乐也是受年轻人喜爱。但并不排斥年轻人听古典音乐。据我所知欧美国家的年轻人都在儿时或中学学习过古典乐器的，这对年轻人认识了解古典音乐有很大帮助，毕竟古典音乐距离现在有时间的距离，但它经典的美是可以随不同时代被不同年代的人欣赏和喜爱的，这就是古典音乐最大的魅力。我们中国的年轻人也是可能喜爱古典音乐的，希望我们能给他们更多机会接触它。古典音乐不能那么高傲的待在阁楼里孤芳自赏、顾影自怜。
以前我们做过这样的工作，比如高雅艺术进校园。有很多年轻大学生迷上了古典音乐。以后这样的工作应该继续做，刚广泛的做。在中国一张较好的海外乐团中国演出的票都在千元以上，这个价位是年轻人根本负担不起的。我在欧洲演出时，那里首先音乐活动特别多利于推广，另外票价都在20欧元左右，很好的乐团很好的演奏家的音乐会。不管是什么方式，欧美的高雅艺术机构会有一些支持的。我们国家经济一天天进步，希望文化也一样跟上，特别是高雅的东西，这样的国家才真正谈得上有实力吧。
和你合作过的乐团很多，最喜欢哪一支乐团？为什么？你一直都在为发扬、传播中国民族音乐而努力着，这是你的理想吗？
很多乐团都非常优秀，我很喜欢我们国家的国家乐团（国交），因为合作比较多了，感觉很熟悉，也很得心应手。记得一次音乐会两首协奏曲一洋一中(一首是阿根廷的Tango一首是经典的高山流水)演奏完热情奔放的Tango，间歇不到一分钟我要马上演奏意境深远的高山流水。当乐队奏出开始悠长的几个小节，我的心马上静了下来，把我拉回到中国人文气质的写意音乐意境中。那次我演奏的非常满意，很陶醉其中。这要非常感谢指挥李心草先生和中国国家交响乐团的协奏。乐曲演奏完反响也非常的好。
另外我比较欣赏的乐团是荷兰的新乐团，这个乐团比较特别，只演奏现代作品，都是一些非常有新意创造力非凡的作品。那里每一个团员都是很出色的演奏家，因为现代作品中对技巧及音乐的理解力想象力有极高的要求，这个乐团整体做的都非常好。我和他们配合觉得有极高的专业精神，从排练到演出都是都非常严谨高素质的合作。
你认为流行音乐和Hi-Fi最大的不同是什么？你自己听音乐用的是什么系统？
家里用的是Bose的。
再说他弹琴的水平，起码我自己非常自豪――也许是因为我不懂音乐，稍有点水平就觉得很了不起？但这又有什么关系呢？儿子高兴，我也高兴，就够了。
我又不指望他成为钢琴家，或者期望学钢琴为他以后的升学、工作、结婚加分，仅仅是希望他对音乐感兴趣而已。如此这般，我的目的已经达到，还有什么不满意的呢？
性价比划不来，但最适合启蒙
孩子可以学的乐器很多：个性的吉他、优雅的小提琴，民族风的古筝……但我还是有意识地引导儿子选了钢琴。
按“性价比”来说，这真不是什么明智的选择。首先，那么大一个东西，只能在固定地点玩，不像那些轻便的乐器随时随处都可以拿出来秀;其次，不容易进学校的交响乐队，因为钢琴手只需要一两个，竞争压力太大。
可即便从头再来，重新选择一次启蒙乐器，我还是觉得非钢琴莫属。
这还是要从我的出发点说起――我的目的是培养孩子对音乐的兴趣，钢琴玩起来相对舒服，触键容易，声音动听，入门也简单，四五岁的孩子只要在键盘上摸索半小时，就能弹出《小星星》的主旋律，容易有兴趣;换了其他管弦乐器，半小时内弄出来的调调肯定没那么美，孩子自然没有成就感，兴趣也就大打折扣。
说得更深层一点，钢琴作为“乐器之王”，是表现力最强的一种乐器，而且还是多声部乐器，对孩子理解旋律、和声和曲式结构有天然的视觉听觉优势。要知道，大部分作曲家都是在钢琴前完成大型交响乐创作的。
想好了准备好了，再开始不迟
但凡大家叫得上名字的钢琴演奏大师级人物，基本上少有5岁之后才开始学琴的，一般是4岁甚至3岁。比如儿子学钢琴的音乐学校校长，一位牛得找不到北的神女子，华盛顿邮报评价“罕见的、完美无瑕的钢琴天才”，就是从3岁开始学琴的。所以，如果想往专业上发展，建议可以早点开始。
但如果像我这样，仅仅是为了培养一下孩子的艺术细胞和修养，则没必要“赶早”。
儿子学钢琴前，我们经常在家自己玩电钢琴。他在一边看得眼馋，给我说了好几次想学，但我还是等到他5岁、已经可以坐得住了，才送他去学。
除了孩子要准备好，父母也要准备好。你要郑重地问问自己，是否真的能做到每周风雨无阻地接送他上课？如果一时安排不好、做不到，建议缓一缓。很多时候不是孩子不坚持，而是家长坚持不下来。
电钢琴“坏手型、坏耳朵”？没那么严重
如果钱多得不行，你当然可以一开始就给孩子买架钢琴;不过对大多数人来说，那玩意那么贵，买回来了万一孩子没学下去，还真挺可惜的。
儿子开始学琴后一年多，回家练习用的就一直是电钢琴。也有人吓唬我，两者根本不是一种乐器，用电钢琴会“坏手型、坏耳朵”;但对不打算走专业路线的小朋友来说，我觉得问题不大。而且从儿子的实践看，没那么严重――参加了两次比赛评级，都是最高一档，评委老师的评价也挺高。
不仅如此，我还发现在家用电钢琴练习，对儿子有激励作用！因为电钢琴的声音确实没有上课用的钢琴好听，所以他经常会在家把一首曲子练好，然后期待着上课时换成钢琴，surprise一下自己。
不过，最近我们还是给他把钢琴买回家了。因为开始要用到脚踏板了，另外一些演奏技巧的动作，在电钢琴上无法表现。
择师很重要？孩子说好才真的好
给儿子报音乐学校时是慕名那位“女神校长”，但具体选择哪位老师，我完全没有概念。
